La animación tradicional - Traditional animation


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Pintar con pintura acrílica en el reverso de un cel ya entintada.

Animación tradicional (o animación clásica , cel animación o animación a mano ) es una animación técnica en la que cada trama se extrae a mano en un medio físico. La técnica fue la forma dominante de la animación en el cine hasta el advenimiento de la animación por ordenador .

Proceso

Producciones de animación comienzan por decidir sobre una historia. El material fuente oral o literaria debe entonces ser convertida en una secuencia de comandos película de animación, de la que el guión gráfico se deriva. El guión tiene un aspecto algo similar a un libro de historietas, y se muestra la secuencia de disparos consecutivos como bocetos, que también indican transiciones, ángulos de cámara, y molduras. Las imágenes permiten al equipo de animación para planificar el flujo de la parcela y la composición de las imágenes. Los artistas de storyboard tendrán reuniones periódicas con el director y puede tener que volver a dibujar o "Re-board" una secuencia muchas veces antes de que cuente con la aprobación final.

Grabación de voz

Antes de que comience la verdadera animación, un preliminar banda de sonido se graba o "pista cero", por lo que la animación puede ser más precisamente sincronizado a la banda sonora. Dada la manera lenta y metódica en la que se produce la animación tradicional, casi siempre es más fácil de sincronizar una animación con una banda sonora preexistente de lo que es para sincronizar una banda sonora para pre-existente animación. Una banda sonora de dibujos animados completado contará con música , efectos de sonido , y el diálogo realizado por agentes de la voz . Sin embargo, la pista virtual utilizada durante la animación normalmente contiene sólo las voces, las canciones vocales a la que los personajes tienen que cantan a lo largo y pistas de partitura, temporales; se añaden la partitura y efectos de sonido finales durante post-producción .

En el caso de los japoneses de anime , así como la mayoría de los dibujos animados de sonido pre-1930, el sonido era post-synched ; es decir, la banda sonora fue grabada después de que los elementos de la película se terminaron por ver la película y realizar el diálogo, música y efectos de sonido necesarios. Algunos estudios, sobre todo los estudios de Fleischer , continuaron hasta después de la sincronización a través de sus dibujos animados la mayor parte de la década de 1930, lo que permitió la presencia de la actual "murmuró improvisaciones" en muchas Popeye y Betty Boop dibujos animados.

animática

A menudo, un animatic o historia carrete se hace después de crear la banda sonora, pero antes de que comience la animación completa. Un animatic consiste típicamente en imágenes del guión gráfico sincronizada con la banda sonora. Esto permite a los animadores y directores para resolver cualquier problema de guión y temporización que puedan existir con el guión gráfico actual. El guión y la banda sonora se modifican si es necesario, y un nuevo animática pueden ser creados y revisados con el director hasta que se perfeccionó el guión gráfico. La edición de la película en la etapa animática evita la animación de escenas que serían editados fuera de la película; como la animación tradicional es un proceso muy costoso y consume mucho tiempo, se evita estrictamente la creación de escenas que finalmente se supriman de la caricatura completado.

Las agencias de publicidad hoy en día emplean el uso de animaciones para poner a prueba sus anuncios antes de que se hacen en lugares llenos. Animatics utilizan ilustraciones dibujadas, con piezas en movimiento (por ejemplo, un brazo que alcanza para un producto, o una cabeza que gira). Guiones gráficos de vídeo son similares a animáticas pero no tienen piezas móviles. Photomatics son otra opción cuando la creación de puntos de prueba, pero en lugar de utilizar ilustraciones dibujadas, hay una sesión en la que se toman cientos de fotografías digitales. El gran número de imágenes para elegir puede hacer que el proceso de creación de un anuncio de prueba de un poco más fácil, en lugar de crear un animatic, porque los cambios en el arte dibujado tiempo y dinero para llevar. Photomatics generalmente cuestan más de animaciones, ya que pueden requerir una sesión y el talento de la cámara. Sin embargo, la aparición de asequibles stock photography y el software de edición de imágenes permite la creación de bajo costo de photomatics utilizando elementos de existencias y materiales compuestos de fotos.

Diseño y el momento

Una vez que el animática ha sido aprobado, y los guiones son enviados a los departamentos de diseño. Diseñadores de personajes preparan hojas de modelo para todos los personajes importantes y los apoyos de la película; estos se utilizan para ayudar a estandarizar la apariencia, posturas y gestos. Estas hojas de modelo mostrarán cómo un personaje u objeto se ve desde una variedad de ángulos con una variedad de poses y expresiones para que todos los artistas que trabajan en el proyecto pueden ofrecer un trabajo constante. A veces, pequeñas estatuas conocidas como maquetas se pueden producir, por lo que un animador puede ver lo que un personaje se ve como en tres dimensiones. Al mismo tiempo, los estilistas de fondo van a hacer un trabajo similar para la configuración y localizaciones en el proyecto, y los directores de arte y estilistas de color determinará el estilo de arte y combinaciones de colores que se utilizarán.

Mientras que el diseño está pasando, el director de coordinación (que en muchos casos será el director principal) toma la animática y analiza exactamente lo que plantea, dibujos, y serán necesarios movimientos de los labios en lo enmarca. Una hoja de la exposición (o X-hoja se crea para abreviar); esta es una tabla impresa que descompone la acción, el diálogo y fotograma a fotograma sonido como una guía para los animadores. Si una película se basa más fuertemente en la música, una hoja de barra se puede preparar además de o en lugar de una hoja X. Hojas de barras muestran la relación entre la acción en pantalla, el diálogo, y el actual notación musical utilizado en la partitura.

Diseño

Disposición comienza después de que los diseños se han completado y aprobado por el Director. El proceso de diseño es el mismo que el bloqueo de tiros por un director de fotografía en una película de acción en vivo. Es aquí donde los artistas de diseño de fondo determinan los ángulos de cámara, caminos de cámara, iluminación y sombreado de la escena. Artistas de diseño de caracteres determinarán las principales poses para los personajes de la escena y harán un dibujo para indicar cada pose. Por cortometrajes, diseños de personajes son a menudo la responsabilidad del director.

Los dibujos de diseño y guiones gráficos son entonces empalmados, junto con el audio y se forma un animatic (que no debe confundirse con su predecesor, el carrete Leica ). El término "animatic" fue acuñado originalmente por Walt Disney Animation Studios .

Animación

Una vez que el animatic es finalmente aprobado por el director, animación comienza.

En el proceso de animación tradicional, animadores empezarán dibujando secuencias de animación en hojas de papel transparente perforado para encajar las barras de pivotes en sus escritorios, a menudo utilizando colores lápices , una imagen o un "marco" a la vez. Una barra de PEG es una herramienta de animación utilizada en la animación tradicional (cel) para mantener los dibujos en su lugar. Los pasadores en la barra de clavija coinciden con los agujeros en el papel. Se inserta en el mostrador de la animación o la mesa de luz, dependiendo de que se está utilizando. Un animador o el jefe de animación dibujarán los dibujos clave en una escena, utilizando los diseños de personajes como guía. El animador dibuja suficiente de los marcos de conseguir a través de los puntos principales de la acción; en una secuencia de un personaje saltando a través de una brecha, el animador puede dibujar un cuadro del personaje cuando está a punto de saltar, dos o más cuadros como el personaje está volando por el aire y el marco para el aterrizaje de caracteres por otra lado de la brecha.

El tiempo es importante para los animadores de dibujo estos marcos; cada cuadro debe coincidir exactamente con lo que está pasando en la banda sonora en este momento aparecerá el marco, o de lo contrario la discrepancia entre el sonido y visual será una distracción para el público. Por ejemplo, en producciones de alto presupuesto, amplio esfuerzo se da en asegurarse de que coincide con la boca de un personaje hablando en forma al sonido de ese personaje el actor está produciendo como él o ella habla.

Mientras trabajaba en una escena, un animador por lo general preparar una prueba de lápiz de la escena. Una prueba de lápiz es una versión preliminar de la escena animada final; los dibujos de lápiz son fotografiados rápidamente o escanean y se sincronizan con las bandas sonoras necesarias. Esto permite que la animación sea revisado y mejorado antes de pasar el trabajo a sus animadores auxiliares, que se sumarán detalles y algunos de los fotogramas que faltan en la escena. El trabajo de los animadores Assistant es revisado, probado-lápiz, y se corrige hasta que el jefe de animación está dispuesto a reunirse con el director y tener su escena sweatboxed , o revisado por el director, productor, y otros miembros clave del equipo creativo. Al igual que en la etapa de creación de guiones gráficos, un animador puede ser necesario volver a hacer una escena muchas veces antes de que el director lo apruebe.

En producciones animadas de alto presupuesto, a menudo cada personaje principal tendrá un animador o un grupo de animadores dedicados exclusivamente a la elaboración de ese personaje. El grupo estará compuesto por un supervisor de animación, un pequeño grupo de animadores clave, y un grupo más grande de los animadores asistentes. Para las escenas en donde interactúan dos personajes, los animadores clave para ambos caracteres decidirán qué personaje está "liderando" la escena, y que el carácter se dibuja primero. El segundo personaje será animado a reaccionar y apoyar las acciones del personaje "líder".

Una vez que la animación principal es aprobada, el jefe de animación reenvía la escena en el departamento de limpieza, formado por los animadores de limpieza y los inbetweeners. Los animadores de limpieza de tomar la iniciativa y de los dibujos adjuntos animadores y les trazan sobre una nueva hoja de papel, teniendo cuidado en incluir todos los detalles presentes en las hojas de modelo original, por lo que parece que 1 persona animado toda la película. Los inbetweeners dibujarán en cualquier marcos siguen desaparecidas entre dibujos los otros animadores. Este procedimiento se denomina interpolación . Los dibujos resultantes son de nuevo lápiz-probado y sweatboxed hasta que se encuentran aprobación.

En cada etapa durante la animación lápiz, gráfico aprobado se empalma en el carrete de Leica .

Este proceso es el mismo tanto para la animación de personajes y animación de efectos especiales , que en la mayoría de las producciones de alto presupuesto se realiza en departamentos separados. Efectos animadores animar cualquier cosa que se mueve y no es un personaje, incluyendo accesorios, vehículos, maquinaria y fenómenos tales como el fuego , la lluvia y las explosiones . A veces, en lugar de dibujos, un número de procesos especiales se utilizan para producir efectos especiales en películas de animación; lluvia, por ejemplo, se ha creado en animadas de Disney películas desde finales del 1930 por la filmación en cámara lenta material de archivo de agua delante de un fondo negro, con la película resultante se superpone sobre la animación.

prueba de lápiz

Después de todos los dibujos se limpian, se fotografiaron entonces en una cámara de animación , por lo general en blanco y negro acción de la película . Hoy en día, las pruebas de lápiz se pueden hacer usando una cámara de vídeo y software de ordenador.

Antecedentes

Mientras que la animación se está haciendo, los artistas de fondos serán pintar los conjuntos sobre los que se realiza la acción de cada secuencia animada. Estos fondos se realizan generalmente en la aguada o pintura acrílica , aunque algunas producciones animadas han utilizado fondos realizados en acuarela o pintura de aceite . Artistas fondo siguen muy de cerca el trabajo de los artistas de diseño de fondo y estilistas de color (que suele ser compilados en un libro de trabajo para su uso) para que los fondos resultantes son armoniosas en el tono con los diseños de los personajes.

Tradicional de tinta y pinturas y la cámara

Una vez que las limpiezas y en el medio se completan dibujos para una secuencia, se preparan para la fotografía, un proceso conocido como tinta y pinturas. Cada dibujo se transfiere entonces desde el papel a una hoja delgada, clara de plástico llamado un cel , una contracción del nombre del material de celuloide (la inflamable original de nitrato de celulosa fue sustituida después con el más estable de acetato de celulosa ). El contorno del dibujo se entinta o fotocopiado en el cel, y gouache , acrílico o un tipo similar de pintura se utiliza en el reverso de los cels añadir colores en los tonos apropiados. En muchos casos, los personajes tendrán más de una paleta de colores que se les asigna; el uso de cada uno depende del estado de ánimo y la iluminación de cada escena. La calidad transparente de la cel permite para cada carácter u objeto en una trama para ser animados en diferentes cels, como el cel de un carácter puede verse debajo de la cel de otro; y el fondo opaco será visto por debajo de todos los cels.

Cuando una secuencia entera ha sido transferida a los cels, el proceso de la fotografía comienza. Cada cel involucrado en un cuadro de una secuencia se coloca en la parte superior de la otra, con el fondo en la parte inferior de la pila. Una pieza de vidrio se baja sobre la obra de arte con el fin de aplanar las irregularidades, y la imagen compuesta es entonces fotografiado por una especial cámara de animación , también llamado cámara de tribuna . Los cels son removidos, y el proceso se repite para la siguiente trama hasta que cada fotograma de la secuencia ha sido fotografiado. Cada cel tiene orificios de registro, pequeños orificios a lo largo del borde superior o inferior de la cel, que permiten la cel para ser colocado en barras de PEG correspondiente antes de la cámara para asegurar que cada cel se alinea con la anterior; si los cels no están alineados de tal manera, la animación, cuando se juega a toda velocidad, aparecerá "nerviosos". A veces, los marcos pueden necesitar ser fotografiado más de una vez, con el fin de poner en práctica las superposiciones y otros efectos de la cámara. Sartenes son creados por cualquiera de mover los cels o fondos 1 paso a la vez a través de una sucesión de tramas (la cámara no tiene éxito, sino que sólo acerca y se aleja).

Una cámara utilizada para filmar la animación tradicional. Ver también Imagen aérea .

A medida que las escenas salen de la fotografía final, que se empalman en el carrete de Leica, tomando el lugar de la animación lápiz. Una vez que todas las secuencias en la producción ha sido fotografiado, la película final se envía para el desarrollo y la transformación, mientras que la música y efectos de sonido finales se añaden a la banda sonora. Una vez más, la edición en el sentido de acción en vivo tradicional generalmente no se realiza en la animación, pero si es necesario que se haga en este momento, antes de la impresión final de la película está lista para la reproducción o difusión.

Entre los tipos más comunes de las cámaras tribuna de animación fue el Oxberry. Tales cámaras se hicieron siempre de aluminio anodizado negro, y comúnmente tenía 2 pegbars, 1 en la parte superior y 1 en la parte inferior de la caja de luz. El Master Series Oxberry tenía 4 pegbars, 2 arriba y 2 abajo, y a veces se utiliza un "pegbar flotante" también. La altura de la columna en la que se montó la cámara determina la cantidad de zoom alcanzable en una obra de arte. Tales cámaras eran asuntos mecánicos masivas que podrían llegar a pesar cerca de una tonelada y tomar horas para descomponer o configurar.

En los últimos años de la cámara de animación tribuna, motores paso a paso controlados por las computadoras estaban unidos a los distintos ejes de movimiento de la cámara, lo que ahorra muchas horas de operación manual manualmente por los operadores humanos. Poco a poco, las técnicas de control de movimiento se adoptaron en toda la industria.

La tinta digital y los procesos de pintura hacen gradualmente estas técnicas de animación tradicionales y equipos obsoletos.

La tinta digital y la pintura

El proceso actual, denominado "tinta digital y la pintura", es la misma que la tinta tradicional y la pintura hasta después de los dibujos de animación se han completado; en lugar de ser transferido a cels, dibujos de los animadores o bien se escanearon en un ordenador o extraerse directamente sobre un monitor de ordenador (tal como un Wacom Cintiq comprimido), en el que se colorean y se procesan utilizando una o más de una variedad de paquetes de software. Los dibujos resultantes se componen en el ordenador a través de sus respectivos fondos, que también han sido explorados en el ordenador (si no digital pintado), y el ordenador produce la película final por cualquiera de exportación de una digital de vídeo de archivos, utilizando una grabadora de casete de vídeo , o la impresión para filmar utilizando un dispositivo de salida de alta resolución. El uso de ordenadores permite el fácil intercambio de obras de arte entre los departamentos, estudios, e incluso países y continentes (en la mayoría de bajo presupuesto producciones animadas estadounidenses, la mayor parte de la animación se hace realmente por los animadores que trabajan en otros países, como Corea del Sur , China, , Japón , Singapur , México y la India ). Como el costo de ambos entintado y pintura nuevos cels para películas de animación y programas de televisión y el uso repetido de cels de más edad para los programas de televisión y películas animadas más nuevos subió y el costo de hacer lo mismo fue digitalmente abajo, finalmente, el de tinta digitales y pinturas proceso se convirtió en el estándar para futuras películas de animación y programas de televisión. La tinta digital y la pintura ha estado en uso en Walt Disney Feature Animation desde 1989, donde fue utilizado para el tiro de arco iris final en La Sirenita . Todas las películas de dibujos animados posteriores Disney fueron firmados y pintado digitalmente (comenzando con Los rescatadores en , que también fue la primera película importante de usar por completo la tinta digital y pintura), el uso de propiedad de Disney CAPS tecnología (Animación Sistema de Producción), desarrollaron principalmente por Pixar .

Mientras que Disney fue el primero en cambiar a tinta digital y la pintura, que tomó el resto de la industria de más tiempo para adaptarse. Muchos cineastas y estudios no querían cambiar al proceso de tinta y pinturas digitales porque sentían que la animación digital de color se vería demasiado sintético y perdería el atractivo estético del cel no informatizado para sus proyectos. Muchos serie animada de televisión todavía se animó en otros países usando el proceso cel tradicionalmente entintado y pintado tan tardía como 2004; aunque la mayoría de ellos cambió al proceso digital, en algún momento de su carrera. La última película importante de usar la tinta y la pintura tradicional era el Studio Ghibli 's princesa Mononoke (1997); la última producción de animación importante usar el proceso tradicional era Cartoon Network 's Ed, Edd y Eddy , que pasó a la pintura digital en 2004. Las producciones menores, tales como High Hair (2004) de Bill Plympton han utilizado cels tradicionales mucho después de la introducción de técnicas digitales. La mayoría de los estudios utilizan hoy en día uno de un número de otros paquetes de software de gama alta, tales como Toon Boom Harmony , Toonz Bravo !, Animo, y RETAS , o incluso aplicaciones a nivel de consumidor, tales como Adobe Flash , Toon Boom Studio , UbiArt Marco TVPaint, y Toonz Arlequín.

Los ordenadores y las cámaras de vídeo digitales

Los ordenadores y las cámaras de vídeo digital también se pueden utilizar como herramientas de animación tradicional, sin afectar directamente la película, la asistencia a los animadores en su trabajo y haciendo que todo el proceso sea más rápido y más fácil. Haciendo los diseños en un ordenador es mucho más eficaz que hacerlo por métodos tradicionales. Además, las cámaras de vídeo dan la oportunidad de ver una "vista previa" de las escenas y cómo se verá cuando haya terminado, lo que permite a los animadores para corregir y mejorar sobre ellos sin tener que completar primero. Esto puede considerarse como una forma digital de las pruebas de lápiz .

técnicas

cels

Esta imagen muestra cómo dos cels transparentes, cada una con un carácter diferente dibujado en ellos, y un fondo opaco son fotografiados juntos para formar la imagen compuesta.

El cel es una innovación importante para la animación tradicional, ya que permite que algunas partes de cada cuadro que se repitan de cuadro a cuadro, lo que ahorra mano de obra. Un ejemplo sencillo sería una escena con dos personajes en pantalla, uno de los cuales está hablando y el otro de pie en silencio. Desde este último personaje no está en movimiento, ésta se puede ver en esta escena usando sólo un dibujo, en un cel, mientras que varios dibujos en múltiples cels se utilizan para animar al personaje que habla.

Para un ejemplo más complejo, considere una secuencia en la que un niño coloca una placa sobre una mesa. La tabla se queda quieto durante toda la secuencia, por lo que se puede dibujar como parte del fondo. La placa se puede extraer junto con el carácter como el carácter coloca sobre la mesa. Sin embargo, después de que la placa está sobre la mesa, la placa ya no se mueve, aunque el niño continúa moviéndose mientras dibuja su brazo lejos de la placa. En este ejemplo, después de que el muchacho se pone el plato, el plato puede entonces ser dibujado en una cel separado del niño. Bastidores adicionales con nuevas cels del niño, pero la placa no tiene que volver a dibujar, ya que no se está moviendo; el mismo cel de la placa se puede utilizar en cada trama restante que aún está sobre la mesa. Las pinturas cel fueron realmente fabrican en versiones sombreadas de cada color para compensar la capa adicional de cel añadido entre la imagen y la cámara; en este ejemplo, la placa todavía sería pintado ligeramente más brillante para compensar para ser desplazado una capa hacia abajo. En la televisión y otras producciones de bajo presupuesto, cels eran a menudo "ciclan" (es decir, una secuencia de cels se repitió varias veces), e incluso archivadas y reutilizados en otros episodios. Después de que se completó la película, los cels fueron lanzados ya sea hacia fuera o, especialmente en los primeros días de la animación, se lavaron limpio y reutilizada para la siguiente película. Además, después de la finalización de la película, algunos de los cels se pusieron en el "archivo" para ser utilizado una y otra vez para los propósitos futuros con el fin de ahorrar dinero. Algunos estudios guardan una parte de los cels y, o bien se venden en tiendas de estudio o los presentaron como regalos a los visitantes.

Cómo dibujos animados Are Made (1919), que muestra personajes hechos de papel recortada

En muy tempranas caricaturas hechas antes del uso de la cel, tales como Gertie el dinosaurio (1914), todo el marco, incluyendo el fondo y todos los caracteres y elementos, se elaboraron en una sola hoja de papel, después se fotografiaron. Todo tenía que ser rediseñado para cada trama que contiene los movimientos. Esto dio lugar a una apariencia "nerviosa"; imaginar ver una secuencia de dibujos de una montaña, cada una ligeramente diferente de la que le precede. La animación pre-cel se mejoró más tarde mediante el uso de técnicas como la barra y el sistema de lágrima inventado por Raoul Barre ; el fondo y los objetos animados se dibujan en documentos separados. Un marco se hizo mediante la eliminación de todas las piezas en blanco de los papeles donde los objetos se extrajeron antes de ser colocado en la parte superior de los fondos y finalmente fotografiado. El proceso de animación cel fue inventado por Earl Hurd y John Bray en 1915.

animación limitada

En las producciones de bajo presupuesto, accesos directos disponibles a través de la técnica de cel se utilizan ampliamente. Por ejemplo, en una escena en la que un hombre está sentado en una silla y hablando, la silla y el cuerpo del hombre pueden ser el mismo en cada cuadro; Sólo la cabeza se vuelve a dibujar, o tal vez incluso la cabeza sigue siendo el mismo, mientras que sólo su boca se mueve. Esto se conoce como la animación limitada . El proceso fue popularizado en los dibujos animados teatrales de United Productions of America y se utiliza en la mayoría de televisión de animación, especialmente la de Hanna-Barbera . El resultado final no parece muy realista, pero es barato de producir, y por lo tanto permite a los dibujos animados que se harán en los presupuestos de televisión pequeñas.

"El rodaje de dos en dos"

personajes que se mueven generalmente son capturados "en dos años", es decir, un dibujo se muestra por cada dos fotogramas de la película (que por lo general corre a 24 cuadros por segundo), lo que significa que sólo hay 12 dibujos por segundo. A pesar de que la tasa de actualización de la imagen es baja, la fluidez es satisfactorio para la mayoría de los sujetos. Sin embargo, cuando se requiere un personaje para realizar un movimiento rápido, por lo general es necesario volver a la animación "en los", como "dos" son demasiado lentos para transmitir el movimiento de manera adecuada. Una mezcla de las dos técnicas mantiene el ojo engañado sin coste de producción innecesaria.

Premio de la Academia nominado animador Bill Plympton es conocido por su estilo de animación que utiliza muy pocos en intermediarios y secuencias que se realizan en 3s o 4s, sosteniendo cada dibujo en la pantalla de 1/8 a 1/6 de segundo. Mientras Plympton utiliza casi constante en tres cuadros tiene, a veces animación que simplemente un promedio de ocho dibujos por segundo se denomina también "en grupos de tres" y por lo general se hace para cumplir con las limitaciones presupuestarias, junto con otras medidas de reducción de costos como la celebración de la misma dibujo de una personaje durante un tiempo prolongado o panorámica sobre una imagen fija, técnicas de uso frecuente en las producciones de televisión de bajo presupuesto. También es común en el anime , donde la fluidez es sacrificado en lugar de un cambio hacia la complejidad en los diseños y sombreado (en contraste con los diseños más funcionales y optimizadas en la tradición occidental); incluso características teatrales de alto presupuesto como el Estudio Ghibli empleo 's toda la gama: desde animación suave 'en los' disparos en seleccionados (por lo general los acentos de acción rápida) a la animación común 'en grupos de tres' para el diálogo regular y disparos de ritmo lento.

bucles de animación

Un caballo animado por rotoscopia de Eadweard Muybridge fotos 's del siglo 19. La animación se compone de 8 dibujos que están "en bucle", es decir, repetidos una y otra vez. Este ejemplo también es "un disparo en grupos de dos", es decir, se muestra a los 12 dibujos por segundo.

La creación de bucles de animación o ciclos de animación es una técnica de ahorro de mano de obra para la animación de los movimientos repetitivos, tales como un pie carácter o una brisa soplando a través de los árboles. En el caso de caminar, el personaje está animado dando un paso con su pie derecho, a continuación, un paso con su pie izquierdo. Se crea el bucle de manera que, cuando la secuencia se repite, el movimiento es perfecta. Sin embargo, debido a que un bucle de animación utiliza esencialmente el mismo bit de la animación una y otra vez, que es fácilmente detectado y puede, de hecho, se convierten en una distracción para una audiencia. En general, sólo se usan con moderación por las producciones con presupuestos moderados o altos.

Ryan Larkin 1969 's Premio de la Academia nominado Film Board Nacional de Canadá corto Caminar hace uso creativo de los bucles. Además, un video promocional de la música de Cartoon Network Groovies 's con el Alma Tos canción 'Círculos' se burló de bucles de animación, ya que se ven a menudo en Los Picapiedra , en el que Fred y Barney (junto con varios personajes de Hanna-Barbera que se transmitió en Cartoon Network), supuestamente caminar en una casa, preguntarse por qué siguen pasando la misma mesa y un florero una y otra vez.

cámara multiplano

La cámara multiplano es una herramienta que se utiliza para añadir profundidad a las escenas en las películas de animación 2D, llamado el efecto de planos múltiples o el proceso de paralaje. El arte se coloca en diferentes capas de placas de vidrio, y ya que la cámara se mueve verticalmente hacia o lejos de los niveles ilustraciones, punto de vista de la cámara parece moverse a través de las diversas capas de obra en el espacio 3D. Las vistas panorámicas en Pinocho son ejemplos de los efectos de una cámara multiplano puede lograr. Las diferentes versiones de la cámara se han hecho a través del tiempo, pero el más famoso es el desarrollado por el estudio de Walt Disney a partir de su corta 1937 El viejo molino . Otra, la "mesa", fue desarrollado por los estudios de Fleischer. La mesa, que se utiliza por primera vez en 1934 de Poor Cinderella , utiliza conjuntos miniatura hechos de recortes de papel colocadas en frente de la cámara sobre una plataforma giratoria, con los cels entre ellos. Al girar la configuración completa de un cuadro a la vez de acuerdo con la animación de celdas, se podrían crear panoramas realistas. Ub Iwerks y Don Bluth también construyeron cámara multiplano por sus estudios.

Xerografía

Aplicado a la animación por Ub Iwerks en el estudio de Walt Disney durante finales de 1950, la electrostática técnica copia llamado xerografía permitió a los dibujos que se copiarán directamente sobre las cels, eliminando la mayor parte de la porción de "entintado" del proceso de tinta y pinturas. Este ahorro de tiempo y dinero, y también hizo posible poner en más detalles y para controlar el tamaño de los objetos fotocopiado y personajes (así se sustituyó la poco conocida y rara vez se utiliza, fotográfico técnica de líneas en Disney, que se utiliza para reducir el tamaño de la animación cuando sea necesario). En un primer momento, que dio lugar a un aspecto más rara, pero la técnica fue mejorado con el tiempo.

Animador de Disney y el ingeniero Bill Justicia había patentado un precursor del proceso de Xerox en 1944, donde los dibujos hechos con un lápiz especial serían transferidos a un cel por la presión, y luego, fijándolo. No se sabe si el proceso se haya usado en la animación.

El método xerográfico se ensayó primero por Disney en algunas escenas de Bella Durmiente y primero se utilizó totalmente en el corto película Goliath II , mientras que la primera característica del todo el uso de este proceso fue ciento y uno dálmatas (1961). El estilo gráfico de esta película fue fuertemente influenciado por el proceso. Algunos de entintado mano todavía se utiliza junto con la xerografía en este y posteriores películas cuando se necesitan líneas de colores distintos. Más tarde, colores toners llegaron a estar disponibles, y varios colores de las líneas distintas se podrían utilizar, incluso de forma simultánea. Por ejemplo, en los equipos de rescate contornos de los personajes son de color gris. Tóners de color blanco y azul se utilizan para efectos especiales, como la nieve y el agua.

El proceso de APT

Inventado por Dave Spencer para la película 1985 Disney El Caldero Negro , el proceso de APT (Animación foto de la transferencia) era una técnica para la transferencia de arte de los animadores en cels. Básicamente, el proceso fue una modificación de un proceso de repro-fotográfica; trabajo de los artistas fueron fotografiados en alto contraste película 'litho', y luego la imagen en el negativo resultante se transfirió a un cel cubierto con una capa de tinte sensible a la luz. El cel se expuso a través del negativo. Productos químicos se utilizaron a continuación para eliminar la parte no expuesta. Pequeños y delicados detalles aún fueron firmados a mano si es necesario. Spencer recibió un premio de la Academia para el logro técnico para el desarrollo de este proceso.

superposición cel

Una superposición cel es un cel con objetos inanimados que se utilizan para dar la impresión de un primer plano cuando se colocan en la parte superior de un marco listo. Esto crea la ilusión de profundidad, pero no tanto como una cámara multiplano lo haría. Una versión especial de superposición cel se llama superposición de línea , hecho para completar el fondo en vez de hacer el primer plano, y se inventó para hacer frente a la aparición de los dibujos incompletos fotocopiado. El fondo fue pintado por primera vez como las formas y figuras en colores planos, que contienen en lugar pocos detalles. A continuación, un cel con líneas negras detalladas se colocó directamente sobre él, cada línea trazada para añadir más información a la forma subyacente o figura y dar al fondo de la complejidad que necesitaba. De esta manera, el estilo visual del fondo coincidirá con la de los cels carácter fotocopiado. A medida que el proceso se desarrolló xerográfico, superposición de la línea se quedó atrás.

Las computadoras y la animación tradicional

Los métodos mencionados anteriormente se describen las técnicas de un proceso de animación que dependía originalmente en cels en sus etapas finales, pero pintado cels son poco frecuentes hoy en día como los informáticos se mueve en el estudio de animación y los dibujos de contorno generalmente se escanean en el ordenador y llenos digitales pintar en vez de ser transferido a cels y después coloreada a mano. Los dibujos se componen en un programa de ordenador en muchas "capas" transparentes de la misma manera como lo están con cels, y se convierte en una secuencia de imágenes que puede entonces ser transferidos sobre una película o convertidos a un vídeo digital de formato.

Ahora también es posible para los animadores para dibujar directamente en un ordenador usando una tableta gráfica , Cintiq o un dispositivo similar, donde los dibujos de contorno se realizan de una manera similar como lo serían en el papel. El Torpe corta Cómo conectar su cine en casa (2007) representó el primer proyecto de Disney basado en la tecnología sin papel disponibles en la actualidad. Algunas de las ventajas son la posibilidad y el potencial de controlar el tamaño de los dibujos mientras se trabaja en ellos, dibujando directamente sobre un fondo multiplano y eliminando la necesidad de fotografiar pruebas de línea y de exploración.

Aunque la animación tradicional ahora se hace comúnmente con los ordenadores, es importante diferenciar la animación tradicional asistida por ordenador de animación por ordenador en 3D , como Toy Story y edad de hielo . Sin embargo, a menudo la animación tradicional y animación 3D por ordenador se utilizan juntos, como en Don Bluth 's Titan AE y Disney ' s Tarzan y el planeta del tesoro . La mayoría de anime y muchas series de animación occidental siguen utilizando hoy en día la animación tradicional. DreamWorks ejecutivo Jeffrey Katzenberg acuñó el término "animación tradigital" para describir películas de animación producidas por su estudio que incorporó elementos de la animación tradicional y el ordenador por igual, como Spirit: El corcel indomable y Simbad: La leyenda de los siete mares .

Muchos juegos de video , tales como Viewtiful Joe , La Leyenda de Zelda: The Wind Waker y otros utilizan " cel-shading filtros de animación" o sistemas de iluminación para hacer todo su animación en 3D parece como si hubiera sido dibujado en un estilo tradicional cel. Esta técnica también se utilizó en la película de animación Appleseed , y la animación 3D cel-sombreado está normalmente integrado con animación de celdas en las películas de Disney y en muchos programas de televisión, como el Fox serie de animación Futurama . En una escena de la película de 2007 Pixar Ratatouille , una ilustración de Gusteau (en su libro de cocina), habla a Remy (que, en esa escena, que se había perdido en las alcantarillas de París) como un producto de la imaginación de Remy; esta escena también se considera un ejemplo de cel-shading en una película de animación. Más recientemente, cortos animados, tales como Paperman , Fiesta , y el encargado de la presa han utilizado un estilo más distintivo de la animación 3D cel-sombreado, la captura de una apariencia similar a una 'pintura en movimiento'.

rotoscopia

Rotoscoping es un método de animación tradicional inventado por Max Fleischer en 1915, en el que la animación se "rastrear" sobre cantidad de la película real de actores y paisajes. Tradicionalmente, la acción en vivo se imprimirá cuadro por cuadro y registrado. Otra pieza de papel se coloca entonces sobre las impresiones de acción en vivo y la acción se traza fotograma a fotograma usando una caja de luz. El resultado final todavía se ve dibujado a mano, pero el movimiento será muy realista. Las películas de la vida de vigilia y de América del pop son películas rotoscoped de larga duración. Animación rotoscoped también aparece en los videos musicales de A-ha 's canción " Take On Me " y Kanye West ' s " Heartless ". En la mayoría de los casos, rotoscopia se utiliza principalmente para ayudar a la animación de los seres humanos de manera realista prestados, como en Blancanieves y los siete enanos , Peter Pan , y la Bella Durmiente .

Un método relacionado con rotoscoping convencional fue inventado más tarde para la animación de objetos inanimados sólidas, tales como coches, barcos, o puertas. Un pequeño modelo de acción en vivo del objeto requerido fue construido y pintado de blanco, mientras que las aristas del modelo se pintaron con las líneas negras finas. A continuación, se filmó el objeto según sea necesario para la escena animada moviendo el modelo, la cámara, o una combinación de ambos, en tiempo real o el uso de la animación stop-motion. Los fotogramas de la película a continuación, se imprimieron en papel, que muestra un modelo formado por las líneas negras pintadas. Después de que los artistas habían añadido detalles para el objeto no presente en la fotografía de acción en vivo del modelo, se fotocopiado en cels. Un ejemplo notable es el coche de Cruella de Vil en Disney Ciento un dálmatas . El proceso de transferencia de objetos 3D a cels subió drásticamente en la década de 1980 cuando los gráficos por ordenador avanzado lo suficiente como para permitir la creación de ordenador 3D de objetos que puedan ser manipulados de cualquier forma los animadores querían, y luego se imprimen como contornos en el papel antes de ser copiado en cels utilizando xerografía o el proceso de APT. Esta técnica fue utilizada en las películas de Disney como Oliver y Compañía (1988) y The Little Mermaid (1989). Este proceso ha más o menos sido reemplazado por el uso de cel-shading.

Relacionados con rotoscopia son los métodos de vectorización secuencias de acción en vivo, con el fin de conseguir un aspecto muy gráfica, como en Richard Linklater película 's Una mirada a la oscuridad .

híbridos de acción en vivo

Similar a la animación por ordenador y animación tradicionales híbridos descritos anteriormente, de vez en cuando una producción combinará acción en vivo y secuencias de animación. Las partes de acción en vivo de estas producciones son filmadas por lo general en primer lugar, los actores que fingen que están interactuando con los personajes de dibujos animados, los apoyos, o un paisaje; animación será añadido al material de archivo más tarde para hacer que parezca como si siempre ha estado allí. Al igual que rotoscopia, este método se utiliza muy poco, pero cuando lo es, se puede hacer con un efecto excelente, sumergiendo al espectador en un mundo de fantasía donde los seres humanos y los dibujos animados co-existir. Los primeros ejemplos incluyen el silencio fuera del tintero (comenzado en 1919) los dibujos animados por Max Fleischer y Walt Disney 's comedias de Alicia (comenzado en 1923). De acción en vivo y animación se combinaron más adelante en características tales como Mary Poppins (1964), ¿Quién engañó a Roger Rabbit (1988), Space Jam (1996), y Enchanted (2007), entre muchos otros. La técnica también ha tenido un uso significativo en los anuncios de televisión, especialmente para el desayuno cereales dirigidos a los niños.

animación de efectos especiales

Además de los caracteres animados tradicionales, objetos y fondos, muchas otras técnicas se utilizan para crear elementos especiales, como el humo, rayos y "mágica", y para dar la animación, en general, un aspecto visual diferente. Hoy en día, los efectos especiales se hacen sobre todo con los ordenadores, pero antes tenían que hacerse a mano. Para producir estos efectos, los animadores utilizaron diferentes técnicas, tales como drybrush , aerógrafo , carbón de leña, lápiz de grasa , animación retroiluminado, pantallas difusoras, filtros , o geles . Por ejemplo, el cascanueces segmento en el Fantasia tiene una secuencia de hadas donde punteadas se utilizan cels, creando un aspecto suave pastel.

Ver también

referencias

Fuentes

Bibliografía

enlaces externos