Música popular estadounidense - American popular music

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La música popular estadounidense ha tenido un efecto profundo en la música de todo el mundo. El país ha visto el surgimiento de estilos populares que han tenido una influencia significativa en la cultura global, incluyendo ragtime , blues , jazz , swing , rock , bluegrass , country , R&B , doo wop , gospel , soul , funk , punk , disco , house. , techno , salsa , grunge y hip hop . Además, la industria musical estadounidense es bastante diversa y admite varios estilos regionales como zydeco , klezmer y slack-key .

Los estilos distintivos de la música popular estadounidense surgieron a principios del siglo XIX, y en el siglo XX la industria musical estadounidense desarrolló una serie de nuevas formas de música, utilizando elementos del blues y otros géneros de la música popular estadounidense . Estos estilos populares incluyen country, R&B, jazz y rock. Las décadas de 1960 y 1970 vieron una serie de cambios importantes en la música popular estadounidense, incluido el desarrollo de varios estilos nuevos, como el heavy metal, el punk, el soul y el hip hop. Aunque estos estilos no estaban en el sentido de la corriente principal , se grabaron comercialmente y, por lo tanto, son ejemplos de música popular en oposición a la música clásica o folklórica .

Música "popular" antigua

Cabeza y hombros de hombre blanco bien afeitado con expresión solemne, mirando a la cámara.
El primer compositor popular estadounidense importante, Stephen Foster .

Las primeras canciones que podrían considerarse música popular estadounidense , a diferencia de la música popular de una región o etnia en particular, fueron canciones sentimentales de salón de Stephen Foster y sus compañeros, y canciones destinadas a ser utilizadas en espectáculos de juglares , producciones teatrales que incluían cantos, espectáculos de danza y cómics. Los espectáculos de juglar generalmente usaban instrumentos y danza africanos , y presentaban a artistas con la cara ennegrecida, una técnica llamada blackface . A mediados del siglo XIX, las compañías de gira habían llevado esta música no solo a todas las partes de los Estados Unidos, sino también al Reino Unido, Europa Occidental e incluso a África y Asia. Los espectáculos de Minstrel generalmente se anunciaban como si la música de los programas fuera de estilo afroamericano , aunque esto a menudo no era cierto.

Cinco figuras en la cara negra, tocando instrumentos musicales de manera vivaz y exagerada.
Cubierta de la partitura de " Dandy Jim de Caroline " de Dan Emmett , Londres, c. 1844.

Los negros habían participado en la cultura popular estadounidense antes de la era de la Guerra Civil, al menos desde el African Grove Theatre de Nueva York en la década de 1820 y la publicación de la primera música de un compositor negro, Francis Johnson , en 1818. Sin embargo, , estos importantes hitos todavía ocurrieron completamente dentro de las convenciones de la música europea. La primera canción de juglar extremadamente popular fue " Jump Jim Crow " de Thomas "Daddy" Rice , que se interpretó por primera vez en 1832 y causó sensación en Londres cuando Rice la cantó allí en 1836. Rice usó un baile que copió de un mozo de cuadra. con una melodía adoptada de un jig irlandés . Los elementos africanos incluían el uso del banjo , que se cree que deriva de los instrumentos de cuerda de África occidental, y ritmos acentuados y aditivos. Muchas de las canciones de los espectáculos de juglares todavía se recuerdan hoy, especialmente las de Daniel Emmett y Stephen Foster , siendo este último, según David Ewen, "el primer gran compositor de Estados Unidos y uno de los escritores de canciones más destacados del mundo". Las canciones de Foster eran típicas de la era del juglar por su sentimentalismo descarado y su aceptación de la esclavitud. Sin embargo, Foster hizo más que la mayoría de los compositores de la época para humanizar a los negros sobre los que componía, como en "Nelly Was a Lady", una canción quejumbrosa y melancólica sobre un hombre negro que lamenta la pérdida de su esposa.

El espectáculo de juglares marcó el comienzo de una larga tradición de apropiación de la música afroamericana para el público popular, y fue la primera forma de música distintivamente estadounidense en obtener elogios internacionales, a mediados del siglo XIX. Como ha señalado Donald Clarke, los espectáculos de juglares contenían "esencialmente música negra, mientras que los actos más exitosos eran blancos, por lo que las canciones y bailes de origen negro fueron imitados por artistas blancos y luego retomados por artistas negros, que así terminaron en cierta medida imitándose a sí mismos ". Clarke atribuye el uso de la cara negra al deseo de los estadounidenses blancos de glorificar la existencia brutal de los negros libres y esclavos representándolos como individuos felices y despreocupados, más adecuados para la vida en las plantaciones y la interpretación de canciones sencillas y alegres que fácilmente atraían a los blancos. audiencias.

Partitura de " Dixie "

Los espectáculos de juglares de cara negra siguieron siendo populares durante la última parte del siglo XIX, y solo desaparecieron gradualmente a principios del siglo XX. Durante ese tiempo, una forma de teatro de lujo y elaborado llamado el espectáculo se levantó, comenzando por Charles M. Barras ' El Negro Crook . Las extravagancias fueron criticadas por los periódicos y las iglesias de la época porque los espectáculos se consideraban excitantes sexualmente, con mujeres cantando canciones obscenas vestidas con ropa casi transparente. David Ewen describió esto como el comienzo de las "carreras largas y activas en la explotación sexual" del teatro musical y la canción popular estadounidenses. Posteriormente, las extravagancias tomaron elementos de representaciones burlescas , que eran producciones satíricas y paródicas muy populares a finales del siglo XIX.

Al igual que la extravagancia y el burlesco, el espectáculo de variedades era una producción cómica y obscena, popular desde mediados hasta finales del siglo XIX, momento en el que se había convertido en vodevil . Esta forma fue innovada por productores como Tony Pastor que intentaron animar a mujeres y niños a asistir a sus espectáculos; Dudaban porque el teatro había sido durante mucho tiempo el dominio de una multitud ruda y desordenada. A principios del siglo XX, el vodevil era un entretenimiento respetado para mujeres y niños, y compositores como Gus Edwards escribían canciones que eran populares en todo el país. Los espectáculos de vodevil más populares fueron, como Ziegfeld Follies , una serie de canciones y parodias que tuvieron un profundo efecto en el desarrollo posterior del teatro musical de Broadway y las canciones de Tin Pan Alley .

Callejón de lata

Tin Pan Alley era un área en West 28th Street y sus alrededores. en la ciudad de Nueva York, que se convirtió en el principal centro de publicación de música a mediados de la década de 1890. Los compositores de esta época escribieron canciones formuladas, muchas de ellas baladas sentimentales. Durante esta era, se estaba desarrollando un sentido de conciencia nacional, ya que Estados Unidos se convirtió en una potencia mundial formidable, especialmente después de la Guerra Hispanoamericana . La mayor disponibilidad y eficiencia de los ferrocarriles y el servicio postal ayudó a difundir ideas, incluidas canciones populares.

Tin Pan Alley en West 28th Street.

Algunos de los editores más notables de Tin Pan Alley fueron Willis Woodward , M. Witmark & ​​Sons , Charles K. Harris y Edward B. Marks y Joseph W. Stern . Stern y Marks estaban entre los compositores más conocidos de Tin Pan Alley; Comenzaron a escribir juntos como aficionados en 1894. Además de las baladas populares y de la corriente principal y otras canciones claras, algunos editores de Tin Pan Alley se centraron en lo tosco y atrevido. Las canciones de Coon fueron otra parte importante de Tin Pan Alley, derivadas de las canciones diluidas del show de juglares con el "brío y la electricidad" que aporta la "asimilación del ritmo ragtime". La primera canción popular de mapaches fue "New Coon in Town", introducida en 1883, y seguida por una ola de gritos de mapaches como Ernest Hogan y May Irwin .

Broadway

El comienzo del siglo XX también vio el crecimiento de Broadway , un grupo de teatros especializados en musicales . Broadway se convirtió en uno de los lugares preeminentes para el teatro musical en el mundo y produjo un conjunto de canciones que llevó a Donald Clarke a llamar a la era, la edad de oro de la composición . La necesidad de adaptar canciones agradables a las limitaciones de un teatro y una trama permitió y alentó el crecimiento de la composición y el surgimiento de compositores como George Gershwin , Vincent Youmans , Irving Berlin y Jerome Kern . Estos compositores escribieron canciones que se han mantenido populares y que hoy se conocen como Great American Songbook .

Las óperas extranjeras fueron populares entre la clase alta durante todo el siglo XIX, mientras que otros estilos de teatro musical incluyeron operetas , óperas de baladas y el puf de ópera . Las operetas inglesas de Gilbert y Sullivan fueron particularmente populares, mientras que las composiciones estadounidenses tuvieron problemas para encontrar público. George M. Cohan fue el primer compositor estadounidense notable de teatro musical y el primero en alejarse de la opereta, y también se destaca por utilizar el lenguaje vernáculo en su trabajo. Sin embargo, a principios del siglo XX, los dramaturgos, compositores y músicos negros estaban teniendo un profundo efecto en el teatro musical, comenzando con las obras de Will Marion Cook , James Reese Europe y James P. Johnson ; El primer musical negro de gran éxito fue Shuffle Along en 1921.

Las operetas importadas y las producciones nacionales tanto de blancos como Cohan como de negros como Cook, Europe y Johnson tuvieron una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hicieron del teatro musical cómico un pasatiempo nacional, con una sensación que era claramente estadounidense y no dependía de modelos europeos. La mayoría de estos individuos eran judíos, siendo Cole Porter la única gran excepción; eran los descendientes de inmigrantes del siglo XIX que huían de la persecución en el Imperio Ruso , asentados con mayor influencia en varios barrios de la ciudad de Nueva York. Muchos de los primeros musicales fueron influenciados por la música negra, mostrando elementos del jazz temprano, como In Dahomey ; los compositores judíos de estas obras pueden haber visto conexiones entre las notas azules tradicionales afroamericanas y su propia música judía popular .

Las canciones de Broadway se grabaron alrededor del cambio de siglo, pero no se hicieron muy populares fuera de su contexto teatral hasta mucho más tarde. " They Didn't Believe Me " de Jerome Kern fue una de las primeras canciones que se hizo popular en todo el país. Las innovaciones posteriores de Kern incluyeron una trama más creíble que las historias bastante informes construidas en torno a canciones de obras anteriores, comenzando con Show Boat en 1927. George Gershwin fue quizás el compositor más influyente en Broadway, comenzando con "Swanee" en 1919 y obras posteriores para jazz. y orquestas. Su composición más perdurable puede ser la ópera Porgy and Bess , una historia sobre dos negros, que Gershwin concibió como una especie de "ópera popular", una creación de un nuevo estilo de teatro musical estadounidense basado en modismos estadounidenses.

Rag-time

Ragtime era un estilo de música de baile basado en el piano, utilizando ritmos sincopados y cromatismos ; El intérprete y compositor más conocido del género fue sin duda Scott Joplin . Donald Clarke considera que el ragtime es la culminación de las canciones de mapache , utilizadas primero en espectáculos de juglares y luego en vodevil , y el resultado de los ritmos de juglares que se filtran en la corriente principal; también sugiere que el sonido distintivo del ragtime puede provenir de un intento de imitar el banjo afroamericano usando el teclado.

Debido a la naturaleza esencialmente afroamericana del ragtime, se lo considera más comúnmente como el primer estilo de música popular estadounidense en ser música verdaderamente negra; ragtime trajo sincopa y un sonido negro más auténtico a la música popular. Las canciones populares de ragtime se anotaron y se vendieron como partituras, pero el estilo general se tocó de manera más informal en todo el país; Estos intérpretes amateurs tocaron una forma de ragtime más fluida que eventualmente se convirtió en una importante influencia formativa en el jazz .

Música popular grabada temprana

La invención de Thomas Edison del cilindro del fonógrafo dio inicio al nacimiento de la música grabada. El primer cilindro que se lanzó fue " Semper Fidelis " de la US Marine Band . Al principio, los cilindros se lanzaron con moderación, pero a medida que sus ventas se volvieron más rentables, la distribución aumentó. Estas primeras canciones grabadas eran una mezcla de vodevil, cuartetos de barbería , marchas, ópera, canciones novedosas y otras melodías populares. Muchos estándares populares, como "The Good Old Summertime", " Shine On Harvest Moon " y "Over There" provienen de esta época. También hubo algunos éxitos tempranos en el campo del jazz, comenzando con las grabaciones de 1917 de la Original Dixieland Jazz Band , y seguidas por la Creole Jazz Band de King Oliver , que tocó en un estilo de jazz de Nueva Orleans más auténtico.

El blues había existido durante mucho tiempo antes de que se convirtiera en parte de la primera explosión de música popular grabada en la historia de Estados Unidos. Esto ocurrió en la década de 1920, cuando las cantantes de blues femeninas clásicas como Ma Rainey , Bessie Smith y Mamie Smith se hicieron muy populares; el primer éxito de este campo fue "Crazy Blues" de Mamie Smith. Estos cantantes de blues urbano cambiaron la idea de la música popular de ser canciones simples que cualquiera podía interpretar fácilmente a obras asociadas principalmente con un cantante individual. Artistas como Sophie Tucker , conocida por "Some of These Days", se asociaron estrechamente con sus éxitos, haciendo que sus interpretaciones individualizadas fueran tan importantes como la canción en sí.

Al mismo tiempo, compañías discográficas como Paramount Records y OKeh Records lanzaron el campo de la música de carreras , que era principalmente blues dirigido a audiencias afroamericanas. El más famoso de estos actos inspiró gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluidos Charley Patton , Lonnie Johnson y Robert Johnson .

Jazz popular (1920-1935) y swing (1935-1947)

El jazz es un tipo de música caracterizada por notas azules , síncopa , swing , llamada y respuesta , polirritmos e improvisación . Aunque originalmente era un tipo de música de baile , el jazz ahora ha sido "considerado durante mucho tiempo un tipo de música popular o vernácula (y también) se ha convertido en una forma de arte sofisticada que ha interactuado de manera significativa con la música de la sala de conciertos ". El desarrollo del jazz se produjo aproximadamente al mismo tiempo que el ragtime moderno, el blues, el gospel y la música country, todos los cuales pueden verse como parte de un continuo sin una clara demarcación entre ellos; El jazz específicamente estaba más estrechamente relacionado con el ragtime, con el que se podía distinguir por el uso de una improvisación rítmica más intrincada, a menudo colocando notas lejos del ritmo implícito. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas las notas dobladas y azules y los "gruñidos" y manchas instrumentales.

Paul Whiteman fue el director de orquesta más popular de la década de 1920 y se adjudicó el título de "El rey del jazz". A pesar de que contrató a muchos de los otros mejores músicos de jazz blancos de la época, las generaciones posteriores de amantes del jazz a menudo han juzgado que la música de Whiteman tiene poco que ver con el jazz real. No obstante, su noción de combinar jazz con elaboradas orquestaciones ha sido retomada repetidamente por compositores y arreglistas de décadas posteriores.

Whiteman encargó a Gershwin "Rhapsody in Blue", que debutó con Whiteman's Orchestra. La banda de Ted Lewis fue superada solo por Paul Whiteman en popularidad durante la década de 1920, y podría decirse que tocaba más jazz real con menos pretensión que Whiteman, especialmente en sus grabaciones de finales de la década de 1920. Algunas de las otras bandas de "jazz" de la década fueron las de: Harry Reser , Leo Reisman , Abe Lyman , Nat Shilkret , George Olsen , Ben Bernie , Bob Haring , Ben Selvin , Earl Burtnett , Gus Arnheim , Rudy Vallee , Jean Goldkette , Isham Jones , Roger Wolfe Kahn , Sam Lanin , Vincent Lopez , Ben Pollack y Fred Waring .

En la década de 1920, la música interpretada por estos artistas era extremadamente popular entre el público y generalmente se etiquetaba como jazz. Hoy, sin embargo, esta música es menospreciada y etiquetada como "música dulce" por los puristas del jazz. La música que la gente considera hoy como "jazz" tendía a ser tocada por minorías. Sin embargo, en la década de 1920 y principios de la de 1930, la mayoría de la gente escuchó lo que hoy llamaríamos "música dulce" y el jazz hardcore se clasificó como "música caliente" o "música de carreras".

El sello discográfico más grande e influyente de la época, The Victor Talking Machine (RCA Victor después de 1928) fue una influencia moderadora en el desarrollo del "jazz dulce" hasta la partida de Eddie King en octubre de 1926. King era bien conocido como un autoritario que no permitiría beber en el trabajo o apartarse severamente de la música escrita, a menos que dentro de los solos aceptables según los estándares de la música popular de la época. Esto irritó a muchos artistas de jazz de Victor, incluido el famoso trompetista Bix Beiderbecke. Sudhalter, en Lost Chords, cita un ejemplo de una grabación de 1927 de la Goldkette Orchestra en la que a los músicos se les permitió una libertad considerable, y comenta: “¿Qué, uno se pregunta, hubiera sido esta interpretación si Eddie King hubiera estado a cargo, y no más? el liberal Nat Shilkret. Dado que los libros de contabilidad de Victor muestran no menos de cinco sesiones de grabación en enero y febrero de 1926, cuando King dirigió la Orquesta de Goldkette, la comparación entre el enfoque de Goldkette y King está fácilmente disponible.

En 1935, la música swing se hizo popular entre el público y rápidamente reemplazó al jazz como el tipo de música más popular (aunque al principio hubo cierta resistencia). La música swing se caracteriza por una sección rítmica fuerte, que generalmente consta de un contrabajo y batería, que se toca en un tempo de medio a rápido y dispositivos rítmicos como la nota swung . El swing es principalmente una especie de jazz de los años 30 fusionado con elementos del blues y la sensibilidad pop de Tin Pan Alley. El swing usaba bandas más grandes que las de otros tipos de jazz y estaba encabezado por directores de orquesta que arreglaban el material de manera ajustada, desalentando la improvisación que había sido una parte integral del jazz. David Clarke llamó al swing el primer "estilo orientado al jazz (estar) en el centro de la música popular ... en lugar de simplemente darle columna vertebral". A fines de la década de 1930, los vocalistas se hicieron cada vez más prominentes, y finalmente tomaron el centro del escenario luego de la huelga de la Federación Estadounidense de Músicos , que hizo que la grabación con una banda grande fuera prohibitivamente costosa. El swing llegó a ir acompañado de un baile popular llamado swing dance , que fue muy popular en los Estados Unidos, tanto entre el público blanco como el negro, especialmente entre los jóvenes.

Diversificación y popularización del blues

Además del jazz popular y la música swing que escuchaba la corriente principal de Estados Unidos, había otros géneros que eran populares entre ciertos grupos de personas, por ejemplo, las minorías o el público rural. A partir de la década de 1920 y acelerándose enormemente en la de 1940, el blues comenzó a diversificarse rápidamente en un amplio espectro de nuevos estilos. Estos incluyeron un estilo dinámico y enérgico llamado rhythm and blues (R&B), una fusión de blues y una canción anglo-celta llamada música country y la fusión de himnos y espirituales con estructuras de blues llamadas música gospel . Más tarde que estos otros estilos, en la década de 1940, se desarrolló una fusión de blues, R&B y country llamada finalmente rock and roll , que finalmente llegó a dominar la música popular estadounidense a principios de la década de 1960.

La música country es principalmente una fusión de blues y espirituales afroamericanos con música folclórica de los Apalaches , adaptada para el público pop y popularizada a partir de la década de 1920. De particular importancia fueron las melodías irlandesas y escocesas, la música de baile, las baladas y los estilos vocales, así como la música nativa americana , española , alemana , francesa y mexicana . La instrumentación del country temprano giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano , con la guitarra añadida más tarde. La instrumentación de la música country utilizó elementos africanos como un formato de llamada y respuesta, música improvisada y ritmos sincopados . Más tarde, los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se volvieron comunes debido a la popularidad de la música hawaiana a principios del siglo XX y la influencia de músicos como Sol Hoʻopiʻi y Lani McIntyre . Las raíces de la música country moderna se remontan generalmente a 1927, cuando el buscador de talentos musicales Ralph Peer grabó a Jimmie Rodgers y The Carter Family . Sus grabaciones se consideran la base de la música country moderna. Había habido música popular antes de 1927 que podía considerarse country, pero, como señala Ace Collins, estas grabaciones tuvieron efectos "sólo marginales y muy inconsistentes" en los mercados musicales nacionales, y eran sólo superficialmente similares a lo que entonces se conocía como música hillbilly . Además de Rodgers and the Carters, un músico llamado Bob Wills fue uno de los primeros intérpretes influyentes conocido por un estilo llamado Western swing , que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930, y fue responsable de traer una influencia prominente del jazz a la música country.

Rhythm and blues (R&B) es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940, una forma rítmica y uptempo de blues con instrumentación más compleja. La autora Amiri Baraka describió el R&B temprano como "enormes unidades rítmicas rompiendo detrás de cantantes de blues que gritaban (que) tenían que gritar para ser escuchados por encima del estruendo y rasgueo de varios instrumentos electrificados y las secciones rítmicas agitadas. El R&B se grabó durante este período, pero no extensamente, y no fue ampliamente promovido por compañías discográficas que sentían que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos impulsores. Líderes de bandas como Louis Jordan innovaron el sonido del R&B temprano. Jordan La banda contó con una pequeña sección de vientos y una instrumentación rítmica prominente y usó canciones con temas líricos de blues. A fines de la década de 1940, había producido diecinueve grandes éxitos y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris , John Lee Hooker y Roy Milton .

Los espirituales cristianos y la música blues rural fueron el origen de lo que ahora se conoce como música gospel. A partir de la década de 1920, las iglesias afroamericanas presentaban el evangelio temprano en forma de adoradores que proclamaban su devoción religiosa ( testificando ) de una manera improvisada, a menudo musical. El gospel moderno comenzó con el trabajo de compositores, sobre todo Thomas A. Dorsey , quien "(compuso) canciones basadas en espirituales e himnos familiares, fusionados con ritmos de blues y jazz". Desde estas iglesias de principios del siglo XX, la música gospel se extendió por todo el país. Permaneció asociado casi por completo con las iglesias afroamericanas y, por lo general, presentaba un coro junto con uno o más solistas virtuosos.

El rock and roll es un tipo de música popular, desarrollado principalmente a partir del country, el blues y el R&B. Fácilmente el estilo de música más popular en todo el mundo, los orígenes exactos y el desarrollo temprano del rock han sido objeto de acalorados debates. El historiador de la música Robert Palmer ha señalado que las influencias del estilo son bastante diversas e incluyen el " ritmo de Bo Diddley " afrocaribeño , elementos del "swing de big band" y música latina como el son cubano y los " ritmos mexicanos ". Otro autor, George Lipsitz afirma que el rock surgió en las áreas urbanas de Estados Unidos, donde se formó una " cultura políglota de clase trabajadora (donde los) significados sociales previamente transmitidos de forma aislada por el blues, el country, la polka , el zydeco y las músicas latinas encontraron una nueva expresión se mezclaron en un entorno urbano ".

1950 y 1960

A mediados del siglo XX se produjeron varios cambios muy importantes en la música popular estadounidense. El campo de la música pop se desarrolló enormemente durante este período, ya que el precio cada vez más bajo de la música grabada estimuló la demanda y mayores ganancias para la industria discográfica. Como resultado, el marketing musical se hizo cada vez más prominente, lo que dio como resultado una serie de estrellas del pop convencional cuya popularidad nunca antes se había escuchado. Muchas de las primeras estrellas fueron cantantes italoamericanos como Dean Martin , Rudy Vallee , Tony Bennett , Perry Como , Frankie Laine y, el más famoso, el "primer vocalista pop en engendrar histeria entre sus fans" Frank Sinatra . Sin embargo, la era de la estrella del pop adolescente moderno comenzó en la década de 1960. Los grupos de pop Bubblegum como The Monkees fueron elegidos enteramente por su apariencia y capacidad para vender discos, sin tener en cuenta su capacidad musical. El mismo período, sin embargo, también vio el surgimiento de nuevas formas de música pop que lograron una presencia más permanente en el campo de la música popular estadounidense, incluido el rock, el soul y el pop-folk. A fines de la década de 1960, dos desarrollos habían cambiado por completo la música popular: el nacimiento de una contracultura , que se oponía explícitamente a la música convencional, a menudo en conjunto con el activismo político y social, y el cambio de compositores profesionales a intérpretes que eran tanto cantantes como compositores. .

El rock and roll entró por primera vez en la música popular convencional a través de un estilo llamado rockabilly , que fusionaba el sonido del rock naciente con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros anteriormente tenía un éxito limitado en la corriente principal, y algunos observadores en ese momento creían que un intérprete blanco que pudiera cantar de manera creíble en un estilo R&B y country sería un éxito. Sam Phillips , de Memphis, Tennessee 's Sun Records , encontró un artista tal en Elvis Presley , que se convirtió en uno de los músicos más vendido en la historia, y trajo el rock and roll a audiencias en todo el mundo. El éxito de Presley fue precedido por Bill Haley , un intérprete blanco cuyo " Rock Around the Clock " a veces se señala como el comienzo de la era del rock. Sin embargo, la música de Haley estaba "más arreglada" y "más calculada" que los "ritmos más sueltos" del rockabilly, que también, a diferencia de Haley, no usaba saxofones ni coros.

El R&B siguió siendo extremadamente popular durante la década de 1950 entre el público negro, pero el estilo no se consideró apropiado para los blancos, o los negros respetables de clase media, debido a su naturaleza sugerente. En cambio, muchas canciones populares de R&B fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone , en un estilo más apetitoso y corriente, y se convirtieron en éxitos del pop. A fines de la década de 1950, sin embargo, hubo una ola de artistas populares de blues-rock negro y R&B con influencias del country que ganaron una fama sin precedentes entre los oyentes blancos; estos incluyeron a Bo Diddley y Chuck Berry . Con el tiempo, los productores del campo del R&B se volvieron gradualmente hacia actos más basados ​​en el rock como Little Richard y Fats Domino .

Doo wop es una especie de música de armonía vocal interpretada por grupos que se hicieron populares en la década de 1950. Aunque a veces se lo considera una especie de rock, el doo wop es más precisamente una fusión de R&B vocal, gospel y jazz con estructuras de blues y pop, aunque hasta la década de 1960, las líneas que separan el rock del doo wop, el R&B y otros estilos relacionados eran muy borrosas. . Doo wop se convirtió en el primer estilo de música derivada del R&B "en tomar forma, para definirse como algo que la gente reconoció como nuevo, diferente, extraño, suyo " (énfasis en el original). A medida que el doo wop se hizo más popular, se agregaron más innovaciones, incluido el uso de un vocalista de bajo, una práctica que comenzó con Jimmy Ricks de The Ravens . Los artistas de Doo Wop eran originalmente casi todos negros, pero algunos grupos blancos e integrados pronto se hicieron populares. Estos incluyeron varios grupos italoamericanos como Dion & the Belmonts , mientras que otros agregaron vocalistas femeninas e incluso formaron grupos exclusivamente femeninos en el campo casi universalmente masculino; estos incluyeron The Queens y The Chantels .

La década de 1950 vio una serie de breves modas que tuvieron un gran impacto en los estilos futuros de música. Artistas como Pete Seeger y The Weavers popularizaron una forma de resurgimiento antiguo de la música angloamericana . Este campo finalmente se asoció con la izquierda política y el comunismo , lo que llevó a una disminución en la aceptabilidad a medida que los artistas fueron cada vez más criticados y incluidos en listas negras . Sin embargo, esta forma de pop-folk ejerció una profunda influencia en la forma del folk-rock de los años 50 y estilos relacionados. Junto al éxito más bien esporádico de la popularizada música folclórica anglosajona, se produjo una serie de bailes latinos de moda, que incluían mambo , rumba , chachachá y boogaloo . Aunque su éxito fue nuevamente esporádico y breve, la música latina continuó ejerciendo una influencia continua en el rock, el soul y otros estilos, y finalmente evolucionó hacia la música salsa en la década de 1970.

País: Nashville Sound

A partir de finales de la década de 1920, un estilo distintivo llamado por primera vez música "antigua" o "hillbilly" comenzó a transmitirse y grabarse en las zonas rurales del sur y el medio oeste; Los primeros artistas incluyeron a la familia Carter, Charlie Poole y sus North Carolina Ramblers y Jimmie Rodgers. La interpretación y difusión de esta música fue regional al principio, pero los cambios de población causados ​​por la Segunda Guerra Mundial la difundieron más ampliamente. Después de la guerra, hubo un mayor interés en los estilos especiales, incluyendo lo que se había conocido como música de carreras y hillbilly ; estos estilos fueron renombrados a rhythm and blues y country y western , respectivamente. Las principales discográficas tuvieron cierto éxito promocionando dos tipos de actos country: artistas novedosos del sur como Tex Williams y cantantes como Frankie Laine , que mezclaban pop y country en un estilo convencionalmente sentimental. Este período también vio el surgimiento de Hank Williams , un cantante de country blanco que había aprendido el blues de un músico callejero negro llamado Tee-Tot, en el noroeste de Alabama. Antes de su muerte en 1953, Hank Williams grabó once sencillos que vendieron al menos un millón de copias cada uno y fue pionero en el sonido de Nashville .

El sonido de Nashville fue un tipo popular de música country que surgió en la década de 1950, una fusión del popular jazz de big band y swing con el lirismo del country honky-tonk. El éxito popular de las grabaciones de Hank Williams había convencido a los sellos discográficos de que la música country podía encontrar un gran público. Luego, las compañías discográficas intentaron quitar los elementos toscos y honky-tonk de la música country, eliminando el sonido rural sin disculpas que había hecho famoso a Williams. La industria de Nashville estaba reaccionando al ascenso del intérprete de rockabilly Elvis Presley mediante el marketing de artistas que cruzaban la división entre el country y el pop. Chet Atkins , jefe de la división de música country de RCA , hizo todo lo posible por innovar el sonido de Nashville al abandonar los elementos más toscos del country, mientras que Owen Bradley utilizó técnicas de producción sofisticadas e instrumentación suave que finalmente se convirtió en estándar en el sonido de Nashville, que también creció. incorporar cuerdas y coros vocales. A principios de la década de 1960, el sonido de Nashville fue percibido como diluido por muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas, lo que resultó en una serie de escenas locales como el sonido de Lubbock y, lo que es más influyente, el sonido de Bakersfield .

A lo largo de la década de 1950, el tipo de música country más popular fue el Nashville Sound, que era un estilo elegante y orientado al pop. Muchos músicos prefirieron un sonido más áspero, lo que llevó al desarrollo de Lubbock Sound y Bakersfield Sound . El sonido de Bakersfield fue innovado en Bakersfield, California a mediados o finales de la década de 1950, por artistas como Wynn Stewart , que usaba elementos del swing y el rock occidental , como el breakbeat , junto con un estilo vocal honky tonk. Le siguió una ola de artistas como Buck Owens y Merle Haggard , que popularizaron el estilo.

Alma

La música soul es una combinación de R&B y gospel que comenzó a fines de la década de 1950 en los Estados Unidos. La música soul se caracteriza por el uso de técnicas gospel con mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de los años 50 de Sam Cooke , Ray Charles y James Brown se consideran comúnmente los inicios de la música soul. Las primeras grabaciones de Solomon Burke para Atlantic Records codificaron el estilo y, como escribe Peter Guralnick, "fue sólo con la unión de Burke y Atlantic Records que se podía ver algo parecido a un movimiento".

La Motown Record Corporation en Detroit, Michigan, tuvo éxito con una serie de discos de soul fuertemente influenciados por el pop, que eran lo suficientemente agradables para los oyentes blancos como para permitir que el R&B y el soul se cruzaran con el público general. Un centro importante de grabación de música soul fue Florence, Alabama , donde operaban los estudios FAME . Jimmy Hughes , Percy Sledge y Arthur Alexander grabaron en Fame; más tarde en la década de 1960, Aretha Franklin también grabaría en el área. Fame Studios, a menudo denominados Muscle Shoals , en honor a una ciudad vecina de Florence, disfrutaba de una estrecha relación con Stax, y muchos de los músicos y productores que trabajaron en Memphis también contribuyeron a las grabaciones realizadas en Alabama.

En Memphis, Stax Records produjo grabaciones de los pioneros del soul Otis Redding , Wilson Pickett y Don Covay . Otros artistas de Stax como Eddie Floyd y Johnnie Taylor también hicieron contribuciones significativas a la música soul. En 1968, el movimiento de la música soul había comenzado a fragmentarse, cuando James Brown y Sly & the Family Stone comenzaron a expandirse y abstraer tanto el soul como el rhythm and blues en otras formas. Guralnick escribió que "más que cualquier otra cosa ... lo que me parece haber detenido la era del soul fue la muerte de Martin Luther King en abril de 1968".

Rock de los sesenta

Entre los primeros de los principales géneros de rock nuevos de la década de 1960 se encontraba el surf , del que fue pionero el californiano Dick Dale . El surf era en gran parte rock instrumental y basado en la guitarra con un sonido distorsionado y vibrante, y estaba asociado con la cultura juvenil del sur de California basada en el surf . Dale había trabajado con Leo Fender , desarrollando el " amplificador Showman y ... la unidad de reverberación que le daría a la música surf su distintivo sonido difuso".

Inspirándose en el enfoque lírico del surf, si no en la base musical, The Beach Boys comenzaron su carrera en 1961 con una serie de éxitos como " Surfin 'USA ". Su sonido no era instrumental, ni guitarrista, sino que estaba lleno de "voces ricas, densas e incuestionablemente especiales", "voces flotantes (con) cuatro armonías de Freshman cabalgando sobre una carga propulsora y monótona". El compositor de los Beach Boys, Brian Wilson, se volvió gradualmente más excéntrico, experimentando con nuevas técnicas de estudio a medida que se asociaba con la floreciente contracultura .

La contracultura fue un movimiento juvenil que incluyó el activismo político, especialmente en oposición a la Guerra de Vietnam, y la promoción de varios ideales hippies . Los hippies se asociaron principalmente con dos tipos de música: el folk-rock y country rock de personas como Bob Dylan y Gram Parsons , y el rock psicodélico de bandas como Jefferson Airplane y The Doors . Este movimiento estuvo muy relacionado con la invasión británica , una ola de bandas del Reino Unido que se hicieron populares durante gran parte de la década de 1960. The British Invasion inicialmente incluyó bandas como los Beatles , los Rolling Stones y The Zombies, a los que luego se unieron bandas como Moody Blues y The Who . El sonido de estas bandas era rock duro, con los Beatles originalmente conocidos por canciones que se asemejaban a canciones clásicas de rock negro de Little Richard , Chuck Berry , Smokey Robinson , The Shirelles y los Isley Brothers . Más tarde, a medida que se desarrolló la contracultura, los Beatles comenzaron a utilizar técnicas más avanzadas e instrumentos inusuales, como el sitar , así como letras más originales.

Al aire libre, Joan Baez está sentada junto a Bob Dylan, que toca una guitarra acústica, alrededor de los años sesenta.
Joan Baez y Bob Dylan

El folk-rock se basó en el éxito esporádico de grupos como Kingston Trio y Almanac Singers , mientras que Woody Guthrie y Pete Seeger ayudaron a radicalizar políticamente la música folk blanca rural. El popular músico Bob Dylan saltó a la fama a mediados de la década de 1960, fusionando el folk con el rock y haciendo que la escena naciente estuviera estrechamente relacionada con el Movimiento por los Derechos Civiles . Le siguieron varias bandas de country-rock como The Byrds y Flying Burrito Brothers y cantautores de orientación folklórica como Joan Baez y la canadiense Joni Mitchell . Sin embargo, a finales de la década, había poca conciencia política o social evidente en las letras de cantautores pop como James Taylor y Carole King , cuyas canciones escritas por ellos mismos eran profundamente personales y emocionales.

El rock psicodélico era un tipo de rock duro e impulsivo basado en la guitarra, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco, California . Aunque Jefferson Airplane fue el único psicodélica banda de San Francisco para tener un éxito nacional importante, la de 1967 "Somebody to Love" y "White Rabbit", el muerto agradecido , una gente, el país y el bluegrass con sabor a jam band ", encarna todos los elementos de la escena de San Francisco y vino ... a representar la contracultura al resto del país "; Grateful Dead también se hizo conocido por introducir a la contracultura, y al resto del país, las ideas de personas como Timothy Leary , especialmente el uso de drogas alucinógenas como el LSD con fines espirituales y filosóficos.

1970 y 1980

Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de la década de 1960 y principios de la de 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes se conocía como rock and roll , un estilo de música razonablemente discreto, se había convertido en una categoría general llamada simplemente música rock , un término general que eventualmente incluiría diversos estilos como música heavy metal , punk rock y, a veces, incluso música hip hop. . Durante la década de 1970, sin embargo, la mayoría de estos estilos no formaban parte de la música convencional y estaban evolucionando en la escena musical underground.

A principios de la década de 1970 se produjo una ola de cantautores que se basaron en las letras introspectivas, profundamente emocionales y personales del folk-rock de la década de 1960. Entre ellos estaban James Taylor , Carole King y otros, todos conocidos tanto por su habilidad lírica como por sus interpretaciones. El mismo período vio el surgimiento del blues sureño y grupos de country rock como Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd . En la década de 1970, se desarrolló el soft rock , una especie de pop-rock simple, discreto y suave, ejemplificado por varias bandas como America y Bread , la mayoría de las cuales se recuerdan poco en la actualidad; muchos fueron maravillas de un solo éxito . Además, las bandas de rock de arena más duras como Chicago y Styx también tuvieron un gran éxito.

Disparo a la cabeza de Willie Nelson, con barba gris, largo cabello rojo y boina, sonríe mientras mira a la cámara.
Willie Nelson

Los primeros años de la década de 1970 vieron el surgimiento de un nuevo estilo de música country que era igualmente áspero y duro, y que rápidamente se convirtió en la forma más popular de country. Este era un country fuera de la ley , un estilo que incluía a estrellas tan populares como Willie Nelson y Waylon Jennings . El country fuera de la ley estaba muy orientado al rock y tenía letras que se centraban en las payasadas criminales, especialmente relacionadas con las drogas y el alcohol, de sus artistas, que se dejaban el pelo largo, vestían mezclilla y cuero y parecían hippies en contraste con el estilo impecable. cantantes de country que impulsaban el sonido de Nashville.

A mediados de la década de 1970, la música disco , una forma de música de baile, se estaba volviendo popular, evolucionando de los clubes de baile clandestinos a la corriente principal de Estados Unidos. Disco alcanzó su cenit tras el lanzamiento de Saturday Night Fever y el fenómeno que rodea a la película y la banda sonora de The Bee Gees . Sin embargo, el tiempo de Disco fue corto y en 1980 pronto fue reemplazado por varios géneros que evolucionaron a partir de la escena del punk rock , como el new wave . Bruce Springsteen se convirtió en una estrella importante, primero a mediados y finales de la década de 1970 y luego a lo largo de la de 1980, con letras densas e inescrutables y canciones con himnos que resonaron en las clases medias y bajas.

Funk y soul de los setenta

A principios de la década de 1970, la música soul estaba influenciada por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la época inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar declaraciones de un álbum con comentarios sociales contundentes. Artistas como James Brown llevaron el soul hacia una música más orientada a la danza, que eventualmente evolucionó hacia el funk . El funk fue tipificado por bandas de la década de 1970 como Parliament-Funkadelic , The Meters y el propio James Brown, mientras que grupos más versátiles como War , The Commodores y Earth, Wind and Fire también se hicieron populares. Durante la década de 1970, algunos actos de soul de ojos azules muy hábiles y comerciales como Hall & Oates de Filadelfia lograron el éxito general, así como una nueva generación de armonía en las esquinas de las calles o grupos de soul urbano como The Delfonics y Howard University's Unifics .

A fines de la década de 1970, el soul, el funk, el rock y la mayoría de los demás géneros de Filadelfia estaban dominados por pistas con inflexión disco. Durante este período, bandas de funk como The O'Jays y The Spinners continuaron produciendo éxitos. Después de la muerte de la discoteca en 1980, la música soul sobrevivió por un corto tiempo antes de pasar por otra metamorfosis. Con la introducción de influencias de la música electrónica y el funk, la música soul se volvió menos cruda y más hábilmente producida, lo que resultó en un género de música que nuevamente se llamó R&B , generalmente se distingue del ritmo y el blues anteriores al identificarlo como R&B contemporáneo .

Pop de los ochenta

En la década de 1960, el término rhythm and blues ya no se usaba ampliamente; en cambio, se utilizaron términos como música soul para describir la música popular de artistas negros. En la década de 1980, sin embargo, el rhythm and blues volvió a utilizarse, la mayoría de las veces en forma de R&B , un uso que ha continuado hasta el presente. El R&B contemporáneo surgió cuando cantantes de funk sensuales como Prince se hicieron muy populares, junto con estrellas del pop orientadas al baile como Michael Jackson y Madonna .

A fines de la década de 1980, el pop-rock consistía principalmente en bandas de glam metal amigables con la radio , que usaban imágenes derivadas del movimiento glam británico con letras y actitudes machistas, acompañadas de música hard rock y solos virtuosos del heavy metal. Las bandas de esta época incluían muchos grupos británicos como Def Leppard , así como bandas estadounidenses con influencia del heavy metal Mötley Crüe , Guns N 'Roses , Bon Jovi y Van Halen .

A mediados de la década de 1980, la música gospel también vio su pico de popularidad. Había evolucionado una nueva forma de gospel, llamada música cristiana contemporánea (CCM). CCM había existido desde finales de la década de 1960 y consistía en un sonido pop / rock con letras ligeras religiosas. CCM se había convertido en la forma más popular de gospel a mediados de la década de 1980, especialmente con artistas como Amy Grant , Michael W. Smith y Kathy Troccoli . Amy Grant fue la cantante de gospel y CCM más popular de la década de 1980, y después de experimentar un éxito sin precedentes en CCM, pasó al pop convencional en las décadas de 1980 y 1990. Michael W. Smith también tuvo un éxito considerable en CCM antes de pasar a una exitosa carrera en la música pop. Grant luego produciría el primer éxito pop # 1 de CCM ("Baby Baby") y el álbum más vendido de CCM ( Heart In Motion ).

En la década de 1980, las listas de música country estaban dominadas por cantantes pop con solo influencias tangenciales de la música country, una tendencia que ha continuado desde entonces. La década de 1980 vio un resurgimiento del country al estilo honky-tonk con el surgimiento de personas como Dwight Yoakam y los nuevos tradicionalistas Emmylou Harris y Ricky Skaggs , así como el desarrollo de artistas country alternativos como el tío Tupelo . Intérpretes de country más tarde alternativos, como Whiskeytown 's Ryan Adams y Wilco , encontraron algún éxito comercial.

Nacimiento del metro

Durante la década de 1970, surgieron varios estilos diversos en marcado contraste con la música popular estadounidense convencional. Aunque estos géneros no eran muy populares en el sentido de vender muchos discos al público general, eran ejemplos de música popular , a diferencia de la música popular o clásica . A principios de la década de 1970, los afroamericanos y puertorriqueños de la ciudad de Nueva York desarrollaron la cultura hip hop , que produjo un estilo de música también llamado hip hop . Aproximadamente al mismo tiempo, los latinos, especialmente los cubanos y puertorriqueños, en Nueva York también innovaron la música salsa , que combinaba muchas formas de música latina con el R&B y el rock. Los géneros de punk rock y heavy metal se asociaron más estrechamente con el Reino Unido en la década de 1970, mientras que varios derivados estadounidenses evolucionaron más tarde en la década y en la década de 1980. Mientras tanto, Detroit desarrolló lentamente una serie de géneros de música electrónica como el house y el techno que luego se convirtieron en una parte importante de la música popular en todo el mundo.

Hip hop

El hip hop es un movimiento cultural, del cual la música forma parte, junto con el graffiti y el breakdance . La música se compone de dos partes, rap , la entrega de voces rápidas, altamente rítmicas y líricas, y DJ , la producción de instrumentación a través de muestreo , instrumentación , turntablism o beatboxing . El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx , Nueva York. El DJ inmigrante jamaicano Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo la práctica de brindar por los ritmos de canciones populares. En Nueva York, DJs como Kool Herc tocaron discos de canciones populares de funk, disco y rock. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones y mantener a la multitud emocionada y bailando; con el tiempo, los DJ empezaron a aislar las pausas de percusión (el clímax rítmico de las canciones), produciendo así un ritmo repetido que los maestros de ceremonias golpeaban.

El rap incluía saludos a amigos y enemigos, exhortaciones a bailar y alardes coloridas, a menudo divertidas. A principios de la década de 1980, había canciones populares de hip hop como " Rappers Delight " de Sugarhill Gang y algunas celebridades importantes de la escena, como LL Cool J y Kurtis Blow . Otros intérpretes experimentaron con letras politizadas y conciencia social, mientras que otros realizaron fusiones con jazz , heavy metal , techno , funk y soul . El hip hop comenzó a diversificarse a fines de la década de 1980. Aparecieron nuevos estilos, como el hip hop alternativo y la fusión de jazz y rap estrechamente relacionada , iniciada por raperos como De La Soul y Guru . Los equipos Public Enemy y NWA hicieron más durante esta era para llevar el hip hop a la atención nacional; el primero lo hizo con letras incendiarias y políticamente cargadas, mientras que el segundo se convirtió en el primer ejemplo destacado de gangsta rap .

Salsa

La salsa es un ritmo diverso y predominantemente caribeño que es popular en muchos países de América Latina. La salsa incorpora múltiples estilos y variaciones; el término puede usarse para describir casi cualquier forma de los géneros musicales populares derivados de Cuba (como el chachachá y el mambo ). Sin embargo, más específicamente, la salsa se refiere a un estilo particular que fue desarrollado por grupos de mediados de la década de 1970 de inmigrantes cubanos y puertorriqueños del área de la ciudad de Nueva York en los Estados Unidos, y descendientes estilísticos como la salsa romantica de los años ochenta .

La música de salsa siempre tiene un compás de 4/4 . La música está redactada en grupos de dos compases, utilizando patrones rítmicos recurrentes y el comienzo de las frases en el texto de la canción y los instrumentos. Normalmente, los patrones rítmicos tocados en la percusión son bastante complicados, a menudo con varios patrones diferentes tocados simultáneamente. El ritmo de la clave es un elemento importante que forma la base de la salsa. Además de la percusión, una variedad de instrumentos melódicos se utilizan comúnmente como acompañamiento, como una guitarra , trompetas , trombones , piano y muchos otros, todos dependiendo de los artistas que actúan. Las bandas se dividen típicamente en secciones de trompa y ritmo, dirigidas por uno o más cantantes ( soneros o salseros ).

Punk y rock alternativo

Joey y Dee Dee Ramone en concierto, 1983

El punk era una especie de música rock rebelde que comenzó en la década de 1970 como una reacción contra la música popular de la época, especialmente la disco , que se consideraba insípida y sin inspiración. El punk se basó en bandas estadounidenses como Velvet Underground , The Stooges y New York Dolls . El punk era ruidoso, agresivo y por lo general muy simple, requiriendo poca formación musical para tocar. Más adelante en la década, bandas británicas como Sex Pistols y The Clash encontraron fama efímera en casa y, en menor grado, en Estados Unidos. Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron a los más famosos The Ramones , así como grupos como los Talking Heads que tocaban un tipo de música más artística que estaba estrechamente asociada con el punk antes de evolucionar eventualmente hacia el pop- new wave . Otros actos importantes incluyen Blondie , Patti Smith y Television . La mayoría de estas bandas comenzaron en lo que se considera el "punto cero" del punk rock, un club llamado CBGB. El pequeño club de Nueva York organizó un festival en 1975 que mostró las "40 bandas de rock no grabadas". Entre estas bandas se encontraban los anteriormente mencionados The Ramones , Sex Pistols , Blondie y similares.

Hardcore punk fue la respuesta de los jóvenes estadounidenses a la explosión mundial del punk rock de finales de la década de 1970. El hardcore despojó al punk rock y al New Wave de sus tendencias a veces elitistas y artísticas, lo que resultó en canciones breves, rápidas e intensas que hablaban a los jóvenes descontentos. El hardcore explotó en las metrópolis estadounidenses de Los Ángeles, Washington, DC , Nueva York y Boston y la mayoría de las ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales a fines de la década de 1980.

El rock alternativo es un grupo diverso de bandas de rock que en Estados Unidos se desarrolló en gran parte a partir de la escena hardcore en la década de 1980 en marcada oposición a la escena musical convencional. Los subgéneros del rock alternativo que se desarrollaron durante la década incluyen el rock indie , el rock gótico , el ruido rock , el grunge y el rock universitario . La mayoría de las bandas alternativas estaban unidas por su deuda colectiva con el punk, que sentó las bases para la música alternativa y underground en la década de 1970. Aunque el género se considera rock, algunos estilos fueron influenciados por el folk, el reggae y el jazz estadounidenses. Al igual que el punk y el hardcore, el rock alternativo tuvo poco éxito en Estados Unidos en la década de 1980, pero a través del establecimiento de base de una escena indie a través de giras, radio universitaria , fanzines y el boca a boca, las bandas alternativas sentaron las bases para el avance de el género en la conciencia pública estadounidense en la próxima década.

Metal pesado

El heavy metal es una forma de música caracterizada por ritmos agresivos y fuertes y guitarras distorsionadas altamente amplificadas, generalmente con letras grandiosas e instrumentación virtuosa. El heavy metal es un desarrollo del blues, blues rock , rock y progresivo. Sus orígenes se encuentran en las bandas británicas de hard rock que entre 1967 y 1974 tomaron el blues y el rock y crearon un híbrido con un sonido pesado, centrado en la guitarra y la batería. La mayoría de los pioneros en el campo, como Black Sabbath , eran ingleses, aunque muchos se inspiraron en artistas estadounidenses como Blue Cheer y Jimi Hendrix .

Foto oscura de una banda de rock actuando en el exterior.
Bon Jovi actuando en 2001

A principios de la década de 1970, comenzaron a aparecer las primeras grandes bandas estadounidenses, como Blue Öyster Cult y Aerosmith , y músicos como Eddie Van Halen comenzaron su carrera. Sin embargo, el heavy metal siguió siendo un fenómeno en gran parte clandestino. Durante la década de 1980, una forma de hard rock basada en el pop, con un espíritu festivo y una estética visual influenciada por el glamour (a veces denominada "hair metal") dominó las listas de música, liderada por superestrellas como Poison , Bon Jovi , Mötley Crüe y Ratt . El debut en 1987 de Guns N 'Roses , una banda de hard rock cuya imagen reflejaba la parte más valiente de Sunset Strip, fue al menos en parte una reacción contra la imagen demasiado pulida del hair metal, pero el gran éxito de esa banda fue en muchos sentidos el último suspiro de la escena del hard-rock y el metal. A mediados de la década de 1980, cuando el término "heavy metal" se convirtió en objeto de mucha controversia, el estilo se había ramificado en tantas direcciones diferentes que los fanáticos, las compañías discográficas y los fanzines crearon nuevas clasificaciones, aunque a veces las diferencias entre varios Los subgéneros no estaban claros, incluso para los artistas que supuestamente pertenecían a un estilo determinado. El más notable de los subgéneros del metal de la década de 1980 en los Estados Unidos fue el estilo rápido y agresivo del thrash metal , iniciado por bandas como Anthrax , Megadeth , Metallica y Slayer .

Decenio de 1990

Quizás el cambio más importante en la década de 1990 en la música popular estadounidense fue el surgimiento del rock alternativo a través de la popularidad del grunge . Anteriormente, se trataba de una agrupación de géneros explícitamente anti-mainstream que alcanzó gran fama a principios de la década de 1990. El género en sus primeras etapas se ubicó en gran parte en Sub Pop Records , una compañía fundada por Bruce Pavitt y John Poneman . Las bandas de grunge importantes que firmaron con el sello fueron Green River (la mitad de los miembros de esta banda más tarde se convertirían en miembros fundadores de Pearl Jam ), Sonic Youth (aunque no era una banda de grunge, fueron influyentes en las bandas de grunge y de hecho fue por insistencia de Kim Gordon que la David Geffen Company firmó Nirvana ) y Nirvana. El grunge es un subgénero de rock alternativo con un sonido "oscuro, inquietante de lodo de guitarra", que se basa en el heavy metal, el punk y elementos de bandas como Sonic Youth y su uso de "afinaciones poco convencionales para doblar canciones pop estándar completamente fuera de forma. . " Con la adición de un "elemento beatlesco melódico" al sonido de bandas como Nirvana, el grunge se volvió tremendamente popular en los Estados Unidos. El grunge se convirtió en un éxito comercial a principios de la década de 1990, alcanzando su punto máximo entre 1991 y 1994. Bandas de ciudades en el noroeste del Pacífico de los Estados Unidos, especialmente Seattle , Washington , fueron responsables de la creación del grunge y luego lo hicieron popular entre el público general. La supuesta Generación X , que acababa de llegar a la edad adulta cuando la popularidad del grunge alcanzó su punto máximo, estaba estrechamente asociada con el grunge, el sonido que ayudó a "definir la desesperación de (esa) generación". Bandas como Foo Fighters y Creed se convirtieron en una forma de rock alternativo conocida como post-grunge, popular porque era amigable con la radio a diferencia de las bandas de grunge por las que estaban influenciados musicalmente. Las bandas de pop punk como Green Day y Blink 182 también ganaron popularidad. En la segunda mitad de los noventa surge el nu metal con bandas como Linkin Park , Korn , Limp Bizkit y Slipknot . La cultura independiente dormía en las escenas underground con nuevos géneros como lo-fi ( Beck , Sparklehorse , Guided By Voices ), math rock ( Slint , Shellac ) y post-rock ( Explosions in the Sky , Tortoise ). Emocore y Post-hardcore se hicieron más conocidos con bandas como At the Drive-In y Fugazi .

Gangsta rap es un tipo de hip hop, que se caracteriza principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad machista, la fisicalidad y una imagen criminal y peligrosa. Aunque los orígenes de gangsta rap se remonta a mediados de 1980 los golpes de Filadelfia Schoolly D y la Costa Oeste 's Ice-T , el estilo se suele decir que empezó en el diario Los Angeles y el área de Oakland, donde demasiado corta , NWA y otros encontraron su fama. Esta escena de rap de la costa oeste generó el sonido G-funk de principios de los noventa , que combinó letras de rap gangsta con un tono espeso y brumoso, que a menudo se basaba en samples del P-funk de los setenta ; los defensores más conocidos de este sonido fueron los innovadores raperos Dr. Dre y Snoop Doggy Dogg .

2000

A fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, la música pop consistía principalmente en una combinación de pop-hip hop y pop con tintes de R&B, incluidas varias bandas de chicos . Cantantes notables también cimentaron su estatus en la música popular estadounidense y mundial, como Beyoncé (con su carrera en solitario y como cantante principal de Destiny's Child ), Britney Spears , Christina Aguilera , Katy Perry , Lady Gaga y Taylor Swift . También fue notable la influencia de los productores de hip-hop en la música popular a mediados de la década de 2000, quienes hicieron que los sonidos que se escucharan por primera vez en Usher 's Confessions y Nelly Furtado 's Loose fueran imitados en la radio popular con los artistas Madonna , Akon y Lady Gaga . A finales de la década de 2000 y principios de la de 2010, la música pop comenzó a moverse hacia una fuerte influencia de la escena de la música electrónica de baile europea, arraigando en el público universitario a través de productores como David Guetta , Calvin Harris , Swedish House Mafia y Skrillex .

La combinación de hip hop / pop también había comenzado a dominar la década de 2000 y principios de la de 2010. A principios de la década de 2010, artistas prominentes como Bruno Mars , Drake , Lil Wayne , 2 Chainz , Kendrick Lamar , Machine Gun Kelly y Macklemore comenzaron a dominar la escena musical convencional.

El sonido predominante en la música country de la década de 1990 era el pop con solo elementos muy limitados de country. Esto incluye a muchos de los artistas más vendidos de la década de 1990, como Clint Black , Shania Twain , Faith Hill y la primera de estas estrellas cruzadas , Garth Brooks .

Por otro lado, se produjo un renacimiento de la guitarra y se formó una nueva generación de bandas de guitarras alternativas que a menudo se describen como renacimiento post-punk o renacimiento del garage rock . Las bandas estadounidenses prominentes de esta generación son White Stripes , The Strokes y The Killers . New Weird America o, a veces, llamado Freak Folk es un nuevo movimiento que enfatiza la individualidad artística de artistas que cruzan géneros como Antony and the Johnsons , Joanna Newsom , The Dodos , Animal Collective y Cat Power .

Impacto internacional y social

La música popular estadounidense se ha vuelto extremadamente popular a nivel internacional. El rock, el hip hop, el jazz, el country y otros estilos tienen seguidores en todo el mundo. La combinación de partes de la música popular internacional y estadounidense se ha intentado entre mediados de los sesenta y mediados de los setenta. Sin embargo, los resultados de la síntesis fueron en su mayor parte infructuosos. Andy Kershaw , DJ de BBC Radio , por ejemplo, ha señalado que la música country es popular en prácticamente todo el mundo. De hecho, de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial ... (la música popular estadounidense) ha sido (la mayoría) tomada en serio por el mundo entero". Otros estilos de la música popular estadounidense también han tenido un efecto formativo a nivel internacional, incluido el funk, la base del Afrobeat de África Occidental , el R&B, una fuente importante de reggae jamaicano y el rock, que ha influido profundamente en la mayoría de los géneros de la música popular en todo el mundo. El rock, el country, el jazz y el hip hop se han convertido en una parte arraigada de muchos países, dando lugar a variedades locales como la música country australiana , el Bongo Flava de Tanzania y el rock ruso .

El rock ha tenido una influencia formativa en la música popular, que tuvo el efecto de transformar "el concepto mismo de lo que es la música popular". mientras que Charlie Gillett ha argumentado que el rock and roll "fue el primer género popular en incorporar el pulso implacable y el gran volumen de la vida urbana en la propia música".

Los impactos sociales de la música popular estadounidense se han sentido tanto dentro como fuera de Estados Unidos. Desde las extravagancias de finales del siglo XIX, la música popular estadounidense ha sido criticada por ser demasiado excitante sexualmente y por fomentar la violencia, el abuso de drogas y el comportamiento generalmente inmoral.

Ver también

Notas

  1. ^ Garofalo es un ejemplo de comenzar con Tin Pan Alley, en un capítulo que también contiene la cobertura de ragtime
  2. ^ Ewen es un ejemplo, cubriendobaladas nacionales y canciones patrióticas,música folclórica,canciones del negro,espectáculo de juglares y sus cancionesyextravagancia de vodevil
  3. ^ Ewen, pág. 69 Ewen afirma que Dan Emmett era un “compositor de canciones populares”, luego continúaotro, y aún más significativo, fue su contemporáneo, Stephen Foster, el primer compositor importante de Estados Unidos y uno de los escritores de canciones más destacados del mundo.
  4. ^ Clarke, págs. 28-29 Clarke señala la canción "Massa's in the Cold Ground" como un claro intento de sentimentalizar la esclavitud, aunque señala quemuchos esclavos deben haber amado a sus amos, de quienes dependían para todo. Clarke también señala que canciones como "Nelly Was a Lady" describen la experiencia negra comosentimientos humanos comunes; son personas tan reales como los personajes de Shakespeare.
  5. ^ Ewen, pág. 81Cuando Milly Cavendish se paró con ligereza frente a las candilejas, movió un dedo provocativo hacia los hombres de su audiencia y cantó con su aguda voz de bebé, "You Naughty, Naughty Men", de T. Kennick y G. Bicknell, el teatro musical estadounidense y la canción popular estadounidense comenzaron sus largas y activas carreras en la explotación sexual.
  6. ^ Ewen, pág. 94 Ewen afirma que Nueva York era el centro de publicación de música del país en la década de 1890, y dice que los `` editores idearon fórmulas mediante las cuales las canciones podían producirse con rapidez y rapidez ... Las canciones ahora debían producirse a partir de una matriz útil, y emitidos en grandes cantidades: estereotipos para canciones extranjeras, canciones negras, cancioncillas humorísticas y, lo más importante de todo, baladas sentimentales.
  7. ^ Ewen, pág. 101 Ewen es la fuente tanto de "Drill Ye Tarriers" como de la naturaleza de las canciones de mapache
  8. ^ Ewen, pág. 101 y Clarke, pág. 62Ewen atribuye "New Coon in Town" aPaul Allen, aunque Clarke se lo atribuye aJS Putnam; ambos están de acuerdo en el año 1883
  9. ^ Clarke, pág. 95 Clarke fecha la edad de oro comoc. 1914-1950
  10. ^ Clarke, págs. 56–57 Las canciones de Coon surgieron de la juglaría y ya estaban establecidas en el vodevil, cuando todo esto culminó en ragtime ... ragtime puede haber comenzado con intentos de imitar el banjo en el teclado.
  11. ^ Ferris, pág. 228Concebido como música de baile, y considerado durante mucho tiempo como una especie de música popular o vernácula, el jazz se ha convertido en una forma de arte sofisticada que ha interactuado de manera significativa con la música de la sala de conciertos.
  12. ^ Clarke, págs. 200–201Desde 1935 hasta después de la Segunda Guerra Mundial, un estilo orientado al jazz estuvo en el centro de la música popular por primera vez (y la última, hasta ahora), en lugar de simplemente darle columna vertebral.
  13. ^ Garofalo, pág. 45El ukelele y la guitarra de acero fueron introducidos en este país por las bandas de cuerdas hawaianas que recorrieron el país después de que Hawái se convirtiera en territorio estadounidense en 1900.
  14. ^ Collins, pág. 11 Además, Collins señala que los primeros músicos pseudo-countrycomo Vernon Dalhart, que se habían hecho famosos grabando 'canciones de música country', no eran de las colinas y los huecos o las llanuras y los valles. Estas estrellas discográficas cantaban tanto música rural como música urbana, y la mayoría sabía más sobre Broadway que sobre los hillbillies. Su imagen rural a menudo se fabricaba por el momento y el dólar. En contraste, explica Collins más tarde, tanto la familia Carter como Rodgers tenían credibilidad en el folklore rural que ayudó a que la sesión de grabación de Peer fuera un éxito tan influyente; era la familia Carter la que vinculaba a Ralk Peer con las colinas y las hondonadas, con los amores perdidos y la fe, pero Jimmie Rodgers pudo conectar al editor con algunos de los otros símbolos queridos de la música country: trenes y tabernas, la cárcel y el blues.
  15. ^ Broughton, Viv y James Attlee. "El diablo se robó el ritmo" en laGuía aproximada de músicas del mundo, volumen 2, pág. 569Su figura fundamental fue un pianista y ex músico de blues llamado Thomas A. Dorsey (1899-1993), quien comenzó a componer canciones basadas en espirituales familiares e himnos fusionados con ritmos de blues y jazz. (énfasis en el original)
  16. ^ Garofalo, pág. 72El primer vocalista pop que engendró histeria entre sus admiradores (en lugar de simple admiración o adoración) fue un italoamericano que se negó a anglicizar su nombre: Frank Sinatra, el "Sultán de Swoon".
  17. ^ Rolling Stone, págs. 99-100 Ward, Stokes y Tucker llaman a las versiones de portadalas hormigas en el cada vez más suntuoso picnic de ritmo y blues.
  18. ^ Szatmary, págs. 69–70También un entusiasta de la guitarra que había lanzado algunos sencillos poco distintivos en su propio sello en 1960, Dale trabajó en estrecha colaboración con Leo Fender, el fabricante de la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido producida en serie y presidente de Fender Instruments, para mejorar el amplificador Showman y desarrollar la unidad de reverberación que le daría a la música de surf su distintivo sonido difuso.
  19. ^ Rolling Stone, pág. 251Aunque el sonido instrumental de los Beach Boys a menudo era dolorosamente débil, las voces flotantes, con las armonías de Four Freshman-ish cabalgando sobre una carga propulsora y monótona ("inside outside, USA" en "Surfin 'USA"; "rah, rah, rah, rah, sis boom bah "en" Sé fiel a tu escuela ") eran ricas, densas e incuestionablemente especiales.
  20. ^ Garofalo, pág. 201 Garofalo enumera específicamente "Roll Over Beethoven" deChuck Berry, "Long Tall Sally" deLittle Richard, "Twist and Shout" de losIsley Brothers, "Money" deBarrett Strong, "Boys" y Baby It's You "deThe Shirelles., "Realmente me agarraste" deSmokey Robinson y los Milagrosy "Cadenas" deThe Cookies.
  21. ^ Garofalo, pág. 218 The Grateful Dead combinólas tendencias anticomerciales de la juventud blanca de clase media con las propiedades que alteran la mente de la dietilamida del ácido lisérico(LSD).
  22. ^ Garofalo, pág. 448 Garofalo describe un sampler llamado Sub Pop 200 comouna antología temprana del lodo oscuro y melancólico a base de guitarra que llegó a conocerse como grunge.
  23. ^ Garofalo, pág. 451Del grupo (de Glenn Branca ) aprendieron a usar afinaciones poco convencionales para doblar canciones pop estándar completamente fuera de forma, una marca registrada de Sonic Youth que, en Seattle, resonaba tan bien como el lado oscuro de su visión musical.
  24. ^ Szatmary, pág. 285 Algrabar las canciones que se convertirían enNevermind, Nirvana añadió un elemento melódico y beatlesco, que había dado forma a Cobain, Novoselic y al nuevo baterista Dave Grohl.
  25. ^ Szatmary, pág. 284Grunge, creciendo en las oficinas de Seattle de los independientes Sub Pop Records, combinó el hardcore y el metal para encabezar las listas y ayudar a definir la desesperación de una generación. ; en contexto, esto presumiblemente se refiere a laGeneración X, aunque ese término no se usa específicamente.
  26. ^ Kershaw, pág. 167, de laGuía aproximada de músicas del mundo, segunda parte, "Nuestra vida es precisamente una canción", pág. 167 Kershaw señala específicamente que Corea del Norte fue el único país en el que nunca escuchó música country.
  27. ^ Ewen, pág. 3De todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial (automatización y la línea de montaje, publicidad, innumerables dispositivos y artilugios, rascacielos, superventas, béisbol, ketchup, mostaza, salchichas y hamburguesas), una, sin duda nativa, ha sido tomada en serio por El mundo entero. Es música popular estadounidense.
  28. ^ Garofalo, pág. 94Basta decir, para que no nos perdamos en la historia, que la música que llegó a llamarse rock 'n' roll comenzó en la década de 1950 cuando segmentos de la población diversos y rara vez escuchados lograron una voz dominante en la cultura dominante y transformaron la propia cultura. concepto de lo que era la música popular.
  29. ^ Gillett, pág. i, cita de Garofalo, pág. 4 Garofalo cita a Gillett comoRock and Roll (sic) fue quizás la primera forma de cultura popular en celebrar sin reservas características de la vida urbana que habían estado entre las más criticadas.

Referencias

Otras lecturas

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