Virgen y Niño entronizados -Virgin and Child Enthroned
| Virgen y Niño entronizados | |
|---|---|
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| Artista | Rogier van der Weyden |
| Año | C. 1430-1432 |
| Medio | óleo sobre tabla |
| Dimensiones | 15,8 cm × 11,4 cm (6,2 pulgadas × 4,5 pulgadas) |
| Ubicación | Museo Thyssen-Bornemisza , Madrid |
La Virgen y el Niño entronizados (también conocida como la Madonna del Thyssen ) es una pequeña pintura al óleo sobre tabla de roble fechada c. 1433, generalmente atribuido al artista de los primeros Países Bajos Rogier van der Weyden . Está estrechamente relacionado con su Madonna Standing , completada durante el mismo período. El panel está lleno de iconografía cristiana , que incluye representaciones de profetas , la Anunciación , la infancia y resurrección de Cristo y la coronación de María.. Se acepta generalmente como la obra más antigua existente de van der Weyden, una de las tres obras que se le atribuyen de la Virgen y el Niño encerradas en un nicho en una pared exterior de una iglesia gótica . El panel se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
El panel parece ser el ala izquierda de un díptico desmantelado , quizás con el panel de San Jorge y el Dragón ahora en la Galería Nacional de Arte , Washington, DC Como uno de los primeros van der Weyden, toma la influencia de Robert Campin y Jan van Eyck . Van der Weyden cumplió su aprendizaje con Campin, y el estilo del maestro mayor se nota en la arquitectura del nicho, el tipo de rostro de la Virgen, su pecho expuesto y el tratamiento de su cabello.
Descripción
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El panel es la obra más pequeña existente de van der Weyden y sigue la tradición de Madonna Lactans , con diferencias significativas. Cristo está vestido con una prenda roja, a diferencia de los pañales que suele llevar en las representaciones de la Virgen y el Niño del siglo XV. Ésta es una de las dos excepciones en las que está completamente vestido; el otro es Robert Campin 's Madonna en Frankfurt, en la que se muestra en la ropa azul. El cabello rubio suelto de Mary cae sobre sus hombros y sus brazos. Mostrando la influencia de Campin, se cepilla detrás de las orejas. Lleva una corona como Reina del Cielo y un anillo en el dedo como la Novia de Cristo . Reforzando esto, el color azul de su túnica alude a su devoción y fidelidad a su hijo. Los pliegues de su vestido recuerdan a los largos, nítidos y curvados vestidos entrelazados de la escultura gótica .
El espacio pictórico está bañado por una luz tenue, probablemente una influencia de Jan van Eyck . La luz cae desde la derecha, arrojando sombras de las cabezas de María y del Niño en la pared izquierda del nicho. La Virgen y el Niño se muestran sentados en una pequeña capilla u oratorio gótico que se proyecta desde una pared y se abre a un césped. La pintura presta mucha atención a los pequeños detalles realistas; por ejemplo, hay cuatro pequeños orificios encima de cada arco, probablemente para sostener andamios.
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Como ocurre con otras representaciones de la Virgen de Van der Weyden, su cabeza es un poco demasiado grande para su cuerpo. Su vestido está arrugado y casi parece papel. Sin embargo, la descripción de su regazo también contiene inconsistencias en La Virgen y el Niño de Campin antes de una pantalla de fuego ; parece que le falta volumen y es como si tuviera una sola pierna. Esto parece reflejar una dificultad temprana tanto en el escorzo como en la representación de un cuerpo debajo de la ropa.
La capilla es irrealmente pequeña en comparación con la Virgen; La intención de van der Weyden era enfatizar la presencia de la Virgen y al mismo tiempo representar simbólicamente a la Iglesia y toda la doctrina de la Redención . El panel es uno de los tres supervivientes de van der Weyden en los que tanto Madonna como Child están incluidos de esta manera. Sin embargo, es inusual que el nicho exista como una característica separada dentro de la imagen, en comparación con las otras dos obras donde el cerramiento es colindante con el borde de la pintura, casi como parte del marco, una razón por la que se cree que es anterior a La Madonna de pie .
Hay diferencias simétricas entre los lados izquierdo y derecho de la pintura. Esto es más notable con el contrafuerte , donde los bordes que retroceden son más de la mitad del tamaño de los de los lados frontales. Además, la amplitud del contrafuerte contradice la profundidad espacial del espacio mucho más estrecho habitado por la Virgen y el Niño. Este es un problema técnico con el escorzo con el que Campin también luchó, pero que van der Weyden resuelve en su trabajo maduro.
Iconografía
La obra es rica en simbolismo y elementos iconográficos, en un grado mucho más pronunciado que en The Madonna Standing . A un lado del edículo crece un iris , que representa el dolor de la Virgen por la Pasión , y al otro lado, una aguileña , que recuerda los Dolores de la Virgen . Este uso simbólico de las flores es nuevamente un motivo de Van Eyckian. Si bien pueden parecer incongruentes con el entorno arquitectónico, este era probablemente el efecto que buscaba van der Weyden.
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El dintel contiene seis relieves del Nuevo Testamento de escenas de la Vida de la Virgen . Los cuatro primeros, la Anunciación , la Visitación , la Natividad y la Adoración de los Magos , están asociados con la maternidad y la infancia. Les siguen la Resurrección y Pentecostés . Sobre ellos, coronada por una "cruz flor" , está la Coronación de la Virgen . Las jambas a ambos lados de la Virgen están adornadas con estatuas, probablemente de profetas del Antiguo Testamento . De éstos, sólo se ha identificado a David , el segundo a la izquierda. El hombre barbudo a la izquierda de David es probablemente Moisés , el hombre de la gorra a la derecha es probablemente el "profeta llorón" Jeremías . En el lado opuesto, las figuras externas pueden ser Zacarías e Isaías .
En su uso de la grisalla , van der Weyden distingue entre el reino terrenal de carne y hueso y lo divino, representado por antiguas figuras escultóricas, que aparecen congeladas en el tiempo. La historiadora del arte Shirley Blum cree que estas figuras fueron relegadas a los elementos arquitectónicos para no abarrotar la imagen devocional central.
La disposición de los elementos escultóricos puede haber sido influenciado por Claus Sluter 's bien de Moses (c. 1395 a 1403), que tiene una alineación similar. En la Chartreuse de Champmol , los profetas representan a los jueces de Cristo ( Secundum legem debet mori , "según esa ley debe morir") y, por lo tanto, están vinculados a la crucifixión. En van der Weyden se les asocia con la Virgen. Aunque retratar figuras en nichos tiene una larga tradición en el arte del norte , representar las figuras como esculturas fue exclusivo de la década de 1430, y aparece por primera vez en el Retablo de Gante de van Eyck .
Díptico
El panel puede haber sido concebido como el ala izquierda de un díptico desmantelado, o como la pieza frontal de un panel de doble cara. El historiador de arte Erwin Panofsky sugiere que el San Jorge y el Dragón de Washington de 1432-1435 es el ala opuesta más probable. En esa obra, San Jorge , mirando hacia adentro y hacia la derecha, mata al dragón ante una princesa libia. Aunque el emparejamiento puede parecer incongruente, se cree que su Madonna Standing se unió a Santa Catalina de Alejandría en Viena. En ambos paneles, los santos miran hacia adentro y están dentro de paisajes plenamente realizados. Por el contrario, en ambos paneles de la izquierda, la Virgen y el Niño se colocan frontalmente (aunque se evita el contacto visual) y se aíslan dentro de los fríos espacios arquitectónicos de grisalla.
Blum sugiere que van der Weyden buscó yuxtaponer el reino de otro mundo de la Virgen y el Niño con el entorno terrenal y la vestimenta contemporánea de los santos. Ella describe los acoplamientos como una función para posicionar a cada santo "como un 'testigo vivo' de la presencia estática y eterna de la Virgen y el Niño". Ella escribe que "sólo en obras tan tempranas encontramos este tipo de solución obvia. En el momento del Descenso de la Cruz y la Madonna Durán , van der Weyden ya ha elaborado un medio mucho más complejo y eficaz de mezclar temporal y no -Efectos temporales ".
Citas y atribución
El panel se parece mucho al c. De van der Weyden. 1430-1432 Madonna Standing , y parece influenciado por el trabajo de Robert Campin, bajo el cual sirvió su aprendizaje. Está especialmente cerca de La Virgen y el Niño de 1430 de Campin antes de una pantalla de fuego , ahora en Londres; una de las últimas obras que Campin completó antes de que van der Weyden dejara su estudio el 1 de agosto de 1432. En ambos, la Virgen tiene senos grandes y llenos, y sus dedos presionan mientras amamanta al Niño. Hay más similitudes en sus rasgos faciales y expresión; el color, estilo y posición de su cabello; también su pose. Lorne Campbell atribuye el trabajo al taller de van der Weyden, mientras que el historiador de arte John Ward se lo atribuye a Campin y da una fecha de c. 1435.
La tesis de Ward se basa en el hecho de que el panel Thyssen, llamado así por su hogar en el Museo Thyssen-Bornemisza , está abrumadoramente influenciado por Campin, mientras que la contemporánea y más sofisticada Madonna Standing se basa en gran medida en van Eyck. Él encuentra improbable un cambio tan repentino, al tiempo que señala que este trabajo evidencia algunas dificultades técnicas que Campin nunca resolvió, especialmente con respecto al escorzo y la representación del cuerpo debajo de las túnicas. También señala las similitudes arquitectónicas en El matrimonio de María de Campin , aunque esto puede ser una cuestión de influencia.
La pintura se completó al principio de la carrera de van der Weyden, probablemente justo después de que terminó su aprendizaje con Robert Campin. Aunque muy logrado, está lleno de un simbolismo de un tipo ausente en sus obras más maduras. Es una de las tres pinturas atribuidas, todas obras tempranas, que muestran a la Virgen con el Niño enmarcados en un entorno arquitectónico, rodeados de figuras escultóricas pintadas, siendo las otras La Madonna de pie y la Madonna Durán .
La figuración escultórica se convertiría en un sello distintivo de la obra madura de van der Weyden, y está mejor tipificada por el Descenso de Madrid , donde las figuras de duelo toman forma y adoptan poses más habituales en la escultura. Erwin Panofsky identificó esta obra y The Madonna Standing como la obra más antigua existente de van der Weyden; también son sus paneles más pequeños. Panofsky fechó ambos paneles como 1432-1434, y creía que eran obras tempranas por razones estilísticas, su escala casi en miniatura y por las evidentes influencias de Campin y van Eyck.