Judy Chicago - Judy Chicago

Judy Chicago
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Nació
Judith Sylvia Cohen

( 07/20/1939 )20 de julio de 1939 (82 años)
Chicago, Illinois , Estados Unidos
alma mater Universidad de California, Los Angeles
Conocido por Instalación
Pintura
Escultura
Trabajo notable
 The Dinner Party
International Edredón de honor
The Birth Project
Powerplay
The Holocaust Project
Movimiento Arte Feminista Contemporáneo
Premios Beca Tamarindo, 1972
Patrón (s) Anaïs Nin (mentora)
Holly Harp
Elizabeth A. Sackler

Judy Chicago (nacida Judith Sylvia Cohen ; 20 de julio de 1939 en Chicago, Illinois) es una artista feminista , educadora de arte y escritora estadounidense conocida por sus grandes obras colaborativas de instalación de arte sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia. y Cultura. Durante la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos en la California State University Fresno (anteriormente Fresno State College) y actuó como un catalizador para el arte feminista y la educación artística. Su inclusión en cientos de publicaciones en diversas áreas del mundo muestra su influencia en la comunidad artística mundial. Además, muchos de sus libros se han publicado en otros países, lo que hace que su trabajo sea más accesible para los lectores internacionales. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas, como la costura , contrapesadas con habilidades que requieren mucha mano de obra, como la soldadura y la pirotecnia . El trabajo más conocido de Chicago es The Dinner Party , que está instalado permanentemente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista en el Museo de Brooklyn . The Dinner Party celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos de arte notables de Chicago incluyen International Honor Quilt , The Birth Project , Powerplay y The Holocaust Project.

Chicago fue incluida en las 100 personas más influyentes de 2018 de la revista Time .

Vida personal temprana

Judy Chicago nació Judith Sylvia Cohen en 1939, de Arthur y May Cohen, en Chicago, Illinois . Su padre provenía de un linaje de rabinos de veintitrés generaciones , incluido el judío lituano Vilna Gaon . Rompiendo su tradición familiar, Arthur se convirtió en un sindicalista y marxista . Trabajaba por las noches en una oficina de correos y se ocupaba de Chicago durante el día, mientras que May, que era una ex bailarina, trabajaba como secretaria médica . La participación activa de Arthur en el Partido Comunista Estadounidense , los puntos de vista liberales hacia las mujeres y el apoyo a los derechos de los trabajadores influyeron fuertemente en las propias formas de pensar y creencias de Chicago. Durante la era del macartismo en la década de 1950, Arthur fue investigado, lo que le dificultó encontrar trabajo y causó mucha confusión en la familia. En 1945, mientras Chicago estaba sola en casa con su hermano menor, Ben, un agente del FBI visitó su casa. El agente comenzó a hacerle preguntas a la niña de seis años de Chicago sobre su padre y sus amigos, pero el agente fue interrumpido cuando May regresó a la casa. La salud de Arthur se deterioró y murió en 1953 de peritonitis . May no quiso hablar de su muerte con sus hijos y no les permitió asistir al funeral. Chicago no aceptó su muerte hasta que ella fue adulta; a principios de la década de 1960 estuvo hospitalizada durante casi un mes con una úlcera sangrante atribuida a un dolor no resuelto .

May amaba las artes e inculcó su pasión por ellas en sus hijos, como se evidencia en el futuro de Chicago como artista y en la eventual carrera de su hermano Ben como alfarero . A los tres años, Chicago comenzó a dibujar y fue enviado al Art Institute of Chicago para asistir a clases. A la edad de 5 años, Chicago sabía que "nunca quiso hacer nada más que hacer arte" y comenzó a asistir a clases en el Instituto de Arte de Chicago. Presentó su solicitud, pero se le negó la admisión al Instituto de Arte y, en cambio, asistió a UCLA con una beca.

Educación y carrera temprana

Mientras estaba en UCLA, se volvió políticamente activa, diseñando carteles para el capítulo NAACP de UCLA y finalmente se convirtió en su secretaria correspondiente. En junio de 1959, conoció y encontró un romance con Jerry Gerowitz. Dejó la escuela y se mudó con él, por primera vez teniendo su propio espacio de estudio. La pareja hizo autostop a Nueva York en 1959, justo cuando la madre y el hermano de Chicago se mudaron a Los Ángeles para estar más cerca de ella. La pareja vivió en Greenwich Village durante un tiempo antes de regresar en 1960 de Los Ángeles a Chicago para que pudiera terminar su carrera. Chicago se casó con Gerowitz en 1961. Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en 1962 y fue miembro de la Sociedad Phi Beta Kappa . Gerowitz murió en un accidente automovilístico en 1963, devastando Chicago y provocando que sufriera una crisis de identidad durante varios años. Recibió su Maestría en Bellas Artes de UCLA en 1964.

En la escuela de posgrado, Chicago había creado una serie que era abstracta , pero fácilmente reconocible como órganos sexuales masculinos y femeninos . Estas primeras obras se llamaron Bigamia y representaron la muerte de su esposo. Uno mostraba un pene abstracto , que fue "detenido en vuelo" antes de que pudiera unirse con una forma vaginal . Sus profesores, que eran principalmente hombres, estaban consternados por estas obras. A pesar del uso de órganos sexuales en su trabajo, Chicago se abstuvo de usar la política de género o la identidad como temas.

En 1965, Chicago exhibió obras de arte en su primera exposición individual, en la Galería Rolf Nelson en Los Ángeles. Chicago fue una de las cuatro únicas artistas femeninas que participó en el espectáculo. En 1968, se le preguntó a Chicago por qué no participaba en la exposición "Mujeres de California en las artes" en el Lytton Center , a lo que respondió: "No apareceré en ningún grupo definido como mujer, judía o californiana. Algún día cuando todos crezcamos no habrá etiquetas ". Chicago comenzó a trabajar en la escultura de hielo , que representaba "una metáfora de la preciosidad de la vida", otra referencia a la muerte de su esposo.

Estudio para los salvavidas de Pasadena , prismacolor, 1968.

En 1969, el Museo de Arte de Pasadena exhibió una serie de esculturas y dibujos de cúpula de plástico acrílico esférico de Chicago en una galería "experimental". Art in America declaró que el trabajo de Chicago estaba a la vanguardia del movimiento del arte conceptual , y Los Angeles Times describió el trabajo como que no mostraba signos de "arte teórico tipo Nueva York". Chicago describiría su obra de arte temprana como minimalista y como su intento de ser "uno de los chicos". Chicago también experimentaría con el arte escénico , usando fuegos artificiales y pirotecnia para crear "atmósferas", que involucraban destellos de humo de colores que se manipulaban al aire libre. A través de este trabajo intentó "feminizar" y "suavizar" el paisaje.

Durante este tiempo, Chicago también comenzó a explorar su propia sexualidad en su trabajo. Ella creó Pasadena Lifesavers , que era una serie de pinturas abstractas que colocaban pintura acrílica sobre plexiglás . Las obras mezclaron colores para crear la ilusión de que las formas "giran, se disuelven, se abren, se cierran, vibran, hacen gestos, se mueven", lo que representa su propio descubrimiento de que "yo era multiorgásmica ". Chicago reconoció a Pasadena Lifesavers como el principal punto de inflexión en su trabajo en relación con la sexualidad y la representación de las mujeres.

De Cohen a Gerowitz a Chicago: cambio de nombre

Cuando Chicago se hizo un nombre como artista y llegó a conocerse a sí misma como mujer, ya no se sintió conectada con su apellido, Cohen. Esto se debió a su dolor por la muerte de su padre y la pérdida de conexión con su nombre de casada Gerowitz, después de la muerte de su esposo. Decidió cambiar su apellido por algo independiente de estar relacionada con un hombre por matrimonio o herencia. En 1965, se casó con el escultor Lloyd Hamrol . (Se divorciaron en 1979). El dueño de la galería, Rolf Nelson, la apodó "Judy Chicago" debido a su fuerte personalidad y su marcado acento de Chicago . Decidió que este sería su nuevo nombre. Al cambiar legalmente su apellido de Gerowitz con carga étnica al Chicago más neutral, se liberó de una cierta identidad social. Chicago estaba consternada de que se requiriera la aprobación de la firma de su nuevo esposo para cambiar su nombre legalmente. Para celebrar el cambio de nombre, posó para la invitación a la exposición vestida de boxeadora , con una sudadera con su nuevo apellido. También colocó una pancarta en la galería en su exposición individual de 1970 en la Universidad Estatal de California en Fullerton , que decía: "Por la presente, Judy Gerowitz se despoja de todos los nombres que se le imponen a través del dominio social masculino y elige su propio nombre, Judy Chicago". Un anuncio con el mismo comunicado se colocó en Artforum 's edición de octubre de 1970.

Carrera artística

El movimiento artístico feminista y la década de 1970

En 1970, Chicago decidió enseñar a tiempo completo en Fresno State College , con la esperanza de enseñar a las mujeres las habilidades necesarias para expresar la perspectiva femenina en su trabajo. En Fresno, planeó una clase que consistiría solo en mujeres y decidió enseñar fuera del campus para escapar "de la presencia y, por lo tanto, de las expectativas de los hombres". Ella enseñó la primera clase de arte para mujeres en el otoño de 1970 en Fresno State College. Se convirtió en el Programa de Arte Feminista , un programa completo de 15 unidades, en la primavera de 1971. Este fue el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. Quince estudiantes estudiaron en Chicago en Fresno State College: Dori Atlantis, Susan Boud, Gail Escola, Vanalyne Green , Suzanne Lacy , Cay Lang, Karen LeCocq , Jan Lester, Chris Rush , Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding , Shawnee Wollenman, Nancy Youdelman y Cheryl Zurilgen. Juntas, como Programa de Arte Feminista, estas mujeres alquilaron y renovaron un estudio fuera del campus en 1275 Maple Avenue en el centro de Fresno. Aquí colaboraron en el arte, realizaron grupos de lectura y grupos de discusión sobre sus experiencias de vida que luego influyeron en su arte. Todos los estudiantes y Chicago contribuyeron con $ 25 por mes para alquilar el espacio y pagar los materiales. Más tarde, Judy Chicago y Miriam Schapiro restablecieron el Programa de Arte Feminista en el Instituto de Artes de California . Después de que Chicago se fue a Cal Arts, la clase en Fresno State College fue continuada por Rita Yokoi de 1971 a 1973, y luego por Joyce Aiken en 1973, hasta su jubilación en 1992.

Chicago es considerada una de las "artistas feministas de primera generación", un grupo que también incluye a Mary Beth Edelson , Carolee Schneeman y Rachel Rosenthal . Formaron parte del movimiento artístico feminista en Europa y Estados Unidos a principios de la década de 1970 para desarrollar la escritura y el arte feministas.

Chicago se convirtió en maestra en el Instituto de Artes de California y fue líder de su Programa de Arte Feminista. En 1972, el programa creó Womanhouse , junto a Miriam Schapiro , que fue el primer espacio de exhibición de arte en mostrar un punto de vista femenino en el arte. Con Arlene Raven y Sheila Levrant de Bretteville , Chicago cofundó el Edificio de la Mujer de Los Ángeles en 1973. Esta escuela de arte y espacio de exhibición estaba en una estructura que lleva el nombre de un pabellón en la Exposición Mundial de Colombia de 1893 que presentaba arte realizado por mujeres de todo el mundo. mundo. Este albergaba el Taller de Estudio Feminista, descrito por los fundadores como "un programa experimental de educación femenina en las artes. Nuestro propósito es desarrollar un nuevo concepto de arte, un nuevo tipo de artista y una nueva comunidad artística construida a partir de las vidas, los sentimientos y necesidades de las mujeres ". Durante este período, Chicago comenzó a crear lienzos pintados con aerosol, principalmente abstractos, con formas geométricas en ellos. Estas obras evolucionaron, utilizando el mismo medio, para centrarse más en el significado de lo "femenino". Chicago fue fuertemente influenciada por Gerda Lerner , cuyos escritos la convencieron de que las mujeres que continuaban desconociendo e ignorando la historia de las mujeres continuarían luchando de manera independiente y colectiva.

Womanhouse

Artículo principal: Womanhouse

Womanhouse fue un proyecto que involucró a Judy Chicago y Miriam Schapiro . Comenzó en el otoño de 1971 y fue la primera exposición pública de Arte Feminista. Chicago y Schapiro acababan de fundar el Programa de Arte Feminista en el Instituto de Artes de California y seleccionaron a veintiuna estudiantes para completar el curso. Querían comenzar el año con un proyecto colaborativo a gran escala que involucraba a mujeres artistas que pasaban gran parte de su tiempo hablando de sus problemas como mujeres. Usaron esos problemas como combustible y los solucionaron mientras trabajaban en el proyecto. La idea de Womanhouse surgió durante una discusión que tuvieron al principio del curso sobre el hogar como un lugar con el que las mujeres estaban tradicionalmente asociadas, y querían resaltar las realidades de la feminidad, la esposa y la maternidad dentro del hogar. Chicago pensó que las estudiantes mujeres a menudo se acercan a la creación de arte con una falta de voluntad para superar sus límites debido a su falta de familiaridad con las herramientas y procesos, y la incapacidad de verse a sí mismas como personas trabajadoras. En este entorno, las artistas mujeres experimentaron con los roles y experiencias convencionales de las mujeres y cómo se podían mostrar. "El objetivo del Programa de Arte Feminista es ayudar a las mujeres a reestructurar sus personalidades para que sean más coherentes con sus deseos de ser artistas y ayudarlas a construir su creación artística a partir de sus experiencias como mujeres". Womanhouse es una "verdadera" representación dramática de la experiencia de la mujer desde la infancia, que abarca las luchas en el hogar, con las tareas del hogar, la menstruación, el matrimonio, etc.

En 1975 , se publicó el primer libro de Chicago, Through the Flower ; "narraba sus luchas por encontrar su propia identidad como mujer artista".

La cena

Artículo principal: La cena
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The Dinner Party instalada en el Museo de Brooklyn .

Chicago decidió tomar en serio la lección de Lerner y tomó medidas para enseñar a las mujeres sobre su historia. Esta acción se convertiría en la obra maestra de Chicago , The Dinner Party , ahora en la colección del Museo de Brooklyn . Le tomó cinco años y le costó alrededor de $ 250,000 completarlo. Primero, Chicago concibió el proyecto en su estudio de Santa Mónica : un gran triángulo, que mide 48 pies por 43 pies por 36 pies, que consta de 39 espacios . Cada lugar conmemora una figura femenina histórica o mítica, como artistas, diosas, activistas y mártires. Trece mujeres están representadas en cada lado, comparable con el número que se dice que está en un aquelarre de brujas tradicional y el triple del número de asistentes a la Última Cena. Los caminos de mesa bordados están cosidos al estilo y la técnica de la época de la mujer. Numerosos otros nombres de mujeres están grabados en el "Piso Patrimonial" sobre el que se asienta la pieza. El proyecto se concretó con la asistencia de más de 400 personas, principalmente mujeres, que se ofrecieron como voluntarias para ayudar en la costura , la creación de esculturas y otros aspectos del proceso. Cuando se construyó The Dinner Party , era una exposición itinerante. Through the Flower, su organización sin fines de lucro, se creó originalmente para cubrir los gastos de creación y viaje de la obra de arte. Jane Gerhard dedicó un libro a Judy Chicago y The Dinner Party , titulado "The Dinner Party: Judy Chicago y el poder del feminismo popular, 1970-2007".

La inspiración para The Dinner Party provino de una experiencia personal en la que Chicago se encontró en un evento dominado por hombres. Este evento incluyó a hombres y mujeres de alto nivel educativo, sin embargo los hombres dominaron la conversación y la esencia del espacio. Chicago destaca a mujeres importantes que a menudo se pasan por alto, dando crédito a aquellas que han dado un paso adelante por los derechos de las mujeres. Este trabajo es menos una declaración y más un honor y una forma de gratitud e inspiración. Chicago quería que el artículo enseñara sobre la lucha por el poder y la igualdad que las mujeres han soportado en sociedades dominadas por hombres. Considera la posibilidad de un encuentro entre mujeres poderosas y cómo esto podría cambiar la historia de la humanidad.

Muchos críticos de arte, incluido Hilton Kramer de The New York Times, no se sintieron impresionados por su trabajo. Kramer sintió que la visión que pretendía Chicago no se transmitía a través de este artículo y "parecía un libelo indignante de la imaginación femenina". Aunque los críticos de arte sintieron que su trabajo carecía de profundidad y la cena fue solo "vaginas en platos", fue popular y cautivó al público en general. Chicago debutó con su trabajo en seis países de tres continentes. Llegó a más de un millón de personas a través de su obra de arte. Es posible que su trabajo no haya complacido a los críticos, pero su mensaje feminista cautivó al público y honró a 39 personajes históricos y 999 mujeres más.

En una entrevista de 1981, Chicago dijo que la reacción violenta de las amenazas y el castigo odioso en reacción al trabajo provocó el único período de riesgo de suicidio que había experimentado en su vida, caracterizándose a sí misma como "como un animal herido". Afirmó que buscó refugio de la atención pública mudándose a una pequeña comunidad rural y que amigos y conocidos asumieron funciones de apoyo administrativo para ella, como abrir su correo postal , mientras ella se dedicaba a trabajar en Bordando nuestro legado , el libro que documentaba el proyecto. Ella dijo además,

Si sigo adelante ahora es porque se está construyendo una red de apoyo que me permitirá seguir adelante. Mi destino como artista está totalmente ligado a mi destino como miembro del sexo femenino. Y a medida que nosotras, como mujeres, avanzamos, yo avanzo. Eso es algo que es muy, muy difícil de aceptar porque, es como si yo tampoco pudiera hacerlo del todo; pero he recorrido un largo camino, sé que he recorrido un largo camino. Y eso significa que otras mujeres pueden llegar tan lejos y más lejos.

Proyecto de nacimiento y PowerPlay

Desde 1980 hasta 1985, Chicago creó Birth Project . Se necesitaron cinco años para crearlo. La pieza utilizó imágenes del parto para celebrar el papel de la mujer como madre. Chicago se inspiró para crear este trabajo colectivo debido a la falta de imágenes y representación del nacimiento en el mundo del arte. La instalación reinterpretó la narrativa de la creación del Génesis , que se centró en la idea de que un dios masculino creó a un hombre humano, Adán , sin la participación de una mujer. Chicago describió la pieza como la revelación de un "yo femenino primordial escondido entre los recovecos de mi alma ... la mujer que da a luz es parte del amanecer de la creación". 150 trabajadores de la costura de los Estados Unidos, Canadá y Nueva Zelanda ayudaron en el proyecto, trabajando en 100 paneles, mediante acolchado , macramé , bordado y otras técnicas. El tamaño de la pieza significa que rara vez se muestra en su totalidad. La mayoría de las piezas de Birth Project se encuentran en la colección del Museo de Albuquerque .

Chicago no estaba personalmente interesada en la maternidad. Si bien admiraba a las mujeres que eligieron este camino, no lo encontró adecuado para ella. Tan recientemente como en 2012, dijo: "No había forma en esta tierra de que pudiera haber tenido hijos y la carrera que he tenido".

Superpuesto con Birth Project , Chicago comenzó a trabajar de forma independiente en PowerPlay en 1982 . La serie de pinturas, dibujos, relieves de papel fundido y relieves de bronce a gran escala es completamente diferente a Birth Project . Sin embargo, lo que ambas series tienen en común es que sus temas tratan temas raramente representados en el arte occidental. Paradójicamente, la serie PowerPlay se inspiró en el viaje de Chicago a Italia, donde vio las obras maestras de artistas del Renacimiento que representan la tradición artística occidental. Como escribió Judy Chicago en su libro autobiográfico: “Me influiría mucho ver las pinturas más importantes del Renacimiento. Mirar su escala monumental y su claridad me llevó a decidir proyectar mi examen de la masculinidad en la tradición clásica del desnudo heroico y hacerlo en una serie de pinturas al óleo a gran escala ".

Ya los títulos de obras como Crippled by the Need to Control / Blind Individuality, Pissing on Nature, Driving the World to Destruction, In the Shadow of the Handgun, Disfigured by Power , etc., indican el enfoque de Chicago en el comportamiento violento masculino. Sin embargo, las imágenes de colores brillantes de expresiones faciales y partes del cuerpo masculino expresan no solo agresión y poder, sino también vulnerabilidad, como Woe / Man , para el que posó su esposo Donald Woodman. Mientras investigaba la naturaleza y la historia de la masculinidad, Judy Chicago descubrió que apenas había material, “casi como si solo las mujeres fueran un género para ser estudiado y escrito. Y lo que existía no parecía tan revelador ".

Teniendo en cuenta sus luchas por convertirse en una artista de éxito reconocida en el mundo del arte dominado por los hombres y su continuo desprecio por el trabajo de Chicago, la serie parece ser muy relevante para su vida personal. Ella dependía "de [su] propio sentido de la verdad, trabajando desde la observación, la experiencia y, por supuesto, [su] rabia por la forma destructiva que parecen actuar tantos hombres hacia las mujeres y el mundo en general".

Al representar cuerpos masculinos, Chicago reemplazó la mirada masculina tradicional por una femenina, mostrando cómo las mujeres percibían a los hombres. Como ella dijo: “Sabía que no quería seguir perpetuando el uso del cuerpo femenino como depositario de tantas emociones; Parecía como si todo - amor, pavor, anhelo, repugnancia, deseo y terror - fuera proyectado sobre la mujer tanto por artistas masculinos como femeninos, aunque con perspectivas a menudo diferentes. Me preguntaba qué sentimientos podría llegar a expresar el cuerpo masculino ".

" PowerPlay es uno de los trabajos menos conocidos y probablemente más incomprendidos de Chicago". Es bastante desconcertante que esta poderosa serie haya recibido tan "poca atención en el momento de su primera exposición, en 1986". Sin embargo, hoy en día, la serie “no podría ser más relevante para nuestro diálogo contemporáneo sobre los abusos de poder que estamos experimentando y presenciando de primera mano”.

Un nuevo tipo de colaboración y The Holocaust Project

A mediados de la década de 1980, los intereses de Chicago "pasaron de las 'cuestiones de identidad femenina' a una exploración del poder y la impotencia masculinos en el contexto del Holocausto". De Chicago El Proyecto Holocausto: De la Oscuridad a la Luz (1985-1993) es una colaboración con su marido, fotógrafo Donald Woodman , quien se casó en la víspera de Año Nuevo 1985. Aunque maridos anteriores de Chicago eran judíos , no fue hasta que conoció a Woodman que ella comenzó a explorar su propia herencia judía. Chicago conoció al poeta Harvey Mudd, que había escrito un poema épico sobre el Holocausto . Chicago estaba interesada en ilustrar el poema, pero decidió crear su propio trabajo, utilizando su propio arte, visual y escrito. Chicago trabajó junto a su esposo para completar la pieza, que tardó ocho años en terminar. La pieza, que documenta a las víctimas del Holocausto, fue creada durante un momento de pérdida personal en la vida de Chicago: la muerte de su hermano Ben por la enfermedad de Lou Gehrig y la muerte de su madre por cáncer .

Chicago usó el trágico evento del Holocausto como un prisma a través del cual explorar la victimización, la opresión, la injusticia y la crueldad humana. Para buscar inspiración para el proyecto, Chicago y Woodman vieron el documental Shoah , que incluye entrevistas con sobrevivientes del Holocausto en campos de concentración nazis y otros sitios relevantes del Holocausto. También exploraron archivos de fotos y artículos escritos sobre el Holocausto. Pasaron varios meses recorriendo campos de concentración y visitaron Israel . Chicago trajo otros temas al trabajo, como el ambientalismo , el genocidio de los nativos americanos y la Guerra de Vietnam . Con estos temas, Chicago buscó relacionar los problemas contemporáneos con el dilema moral detrás del Holocausto. Este aspecto del trabajo causó controversia dentro de la comunidad judía, debido a la comparación del Holocausto con estas otras preocupaciones históricas y contemporáneas. The Holocaust Project: From Darkness into Light consta de dieciséis obras a gran escala hechas de una variedad de medios que incluyen: tapices , vidrieras , trabajos en metal, trabajos en madera, fotografía, pintura y la costura de Audrey Cowan . La exhibición termina con una pieza que muestra a una pareja judía en sábado . La pieza comprende 3000 pies cuadrados, lo que brinda una experiencia de exhibición completa para el espectador. The Holocaust Project: From Darkness into Light se exhibió por primera vez en octubre de 1993 en el Museo Spertus de Chicago. La mayor parte del trabajo de la pieza se lleva a cabo en el Centro del Holocausto en Pittsburgh, Pensilvania.

Durante los siguientes seis años, Chicago creó obras que exploraron las experiencias de las víctimas de los campos de concentración. La revista Galit Mana de Jewish Renaissance señala: "Este cambio de enfoque llevó a Chicago a trabajar en otros proyectos con énfasis en la tradición judía", incluido Voices from the Song of Songs (1997), donde Chicago "introduce el feminismo y la sexualidad femenina en su representación. de personajes femeninos bíblicos fuertes ".

Trabajo y vida actual

En 1985, Chicago se casó con el fotógrafo Donald Woodman . Para celebrar el 25 aniversario de bodas de la pareja, creó una "Ketubah de renovación" en 2010.

En 1994, Chicago inició la serie "Resoluciones: Una puntada en el tiempo", que se completó durante un período de seis años. La obra de arte se exhibió al público en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York en 2000.

En 1996, Chicago y Woodman se mudaron al Belen Hotel , un histórico hotel ferroviario en Belen, Nuevo México, que Woodman pasó tres años convirtiendo en un hogar.

Los archivos de Chicago se encuentran en la Biblioteca Schlesinger en Radcliffe College , y su colección de libros de historia y cultura de mujeres se encuentra en la colección de la Universidad de Nuevo México . En 1999, Chicago recibió el premio UCLA Alumni Professional Achievement Award y recibió títulos honoríficos de Lehigh University , Smith College , Duke University y Russell Sage College . En 2004, Chicago recibió un premio Visionary Woman Award de Moore College of Art & Design . Fue nombrada homenajeada por el Proyecto Nacional de Historia de la Mujer para el Mes de la Historia de la Mujer en 2008. Chicago donó su colección de materiales educativos de arte feminista a la Universidad Penn State en 2011. En 2012, se informó que vivía en Nuevo México. En 2011, Chicago regresó a Los Ángeles para la inauguración de la exposición "Concurrents" en el Museo Getty y realizó una instalación basada en fuegos artificiales en el campo de fútbol de Pomona College , un sitio donde había actuado anteriormente en la década de 1960.

Chicago tuvo dos exposiciones individuales en el Reino Unido en 2012, una en Londres y otra en Liverpool . La exposición de Liverpool incluyó el lanzamiento del libro de Chicago sobre Virginia Woolf . Una vez que fue una parte periférica de su expresión artística, Chicago ahora considera que la escritura está bien integrada en su carrera. Ese año, también recibió el premio Lifetime Achievement Award en la Feria de Arte de Palm Springs.

Fue entrevistada para la película de 2018 ! Women Art Revolution .

Chicago se esfuerza por esforzarse, explorando nuevas direcciones para su arte; Al principio de su carrera, asistió a la escuela de carrocería para aprender a usar el aerógrafo y ha ampliado su práctica para incluir una variedad de medios, incluido el vidrio. Es más fácil asumir tales riesgos cuando uno vive según la filosofía de Chicago: "No me impulsa mi carrera. Los puntos de Damien Hirst se vendieron, por lo que hizo miles de puntos. ¡Me gustaría, nunca hacer eso! se me ocurre ".

Obras de arte de Chicago se llevó a cabo en las colecciones permanentes de varios museos, incluyendo el Museo Británico , el Museo de Brooklyn , The Getty Trust , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , Museo de Arte Nuevo México , La Galería Nacional de Arte , el Museo Nacional de Mujeres en the Arts , la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y el Museo de Arte Moderno de San Francisco .

En una entrevista con Gloria Steinem en 2018, Chicago describió que su "objetivo como artista" ha sido "crear imágenes en las que la experiencia femenina sea el camino hacia lo universal, en lugar de aprender todo a través de la mirada masculina".

En 2021, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de la Mujer .

Una importante exposición retrospectiva, titulada Judy Chicago: A Retrospective, se exhibió en el Museo De Young en San Francisco en 2021.

Estilo y trabajo

Chicago se inspiró en la mujer "ordinaria", que fue un foco del movimiento feminista de principios de la década de 1970. Esta inspiración sangró en su trabajo, particularmente en The Dinner Party , como una fascinación por el trabajo textil y la artesanía , tipos de arte a menudo asociados culturalmente con las mujeres. Chicago se entrenó en "artes machistas", tomando clases de carrocería, construcción de barcos y pirotecnia. A través del trabajo de carrocería, aprendió técnicas de pintura en aerosol y la habilidad de fusionar el color y la superficie con cualquier tipo de medio, lo que se convertiría en una firma de su trabajo posterior. Las habilidades aprendidas a través de la construcción de botes se usarían en su trabajo de escultura, y la pirotecnia se usaría para crear fuegos artificiales para piezas de actuación. Estas habilidades le permitieron a Chicago incorporar fibra de vidrio y metal a su escultura y, finalmente, se convertiría en aprendiz de Mim Silinsky para aprender el arte de la pintura de porcelana, que se utilizaría para crear obras en The Dinner Party . Chicago también agregó la habilidad de las vidrieras a su cinturón de herramientas artísticas, que usó para The Holocaust Project . La fotografía se hizo más presente en el trabajo de Chicago a medida que se desarrolló su relación con el fotógrafo Donald Woodman. Desde 2003, Chicago trabaja con vidrio .

La colaboración es un aspecto importante de los trabajos de instalación de Chicago. Womanhouse, The Dinner Party , The Birth Project y The Holocaust Project se completaron como un proceso de colaboración con Chicago y cientos de participantes voluntarios. Las habilidades de los artesanos voluntarios varían, a menudo relacionadas con artes femeninas "estereotipadas", como las artes textiles . Chicago hace hincapié en reconocer a sus asistentes como colaboradores, una tarea en la que otros artistas han fracasado notablemente.

A través de la flor

En 1978, Chicago fundó Through the Flower , una organización de arte feminista sin fines de lucro. La organización busca educar al público sobre la importancia del arte y cómo se puede utilizar como herramienta para enfatizar los logros de las mujeres. Through the Flower también se desempeña como mantenedor de las obras de Chicago, habiendo manejado el almacenamiento de The Dinner Party , antes de que encontrara un hogar permanente en el Museo de Brooklyn. La organización también mantuvo The Dinner Party Curriculum, que sirve como un "currículo vivo" para la educación sobre las ideas y la pedagogía del arte feminista . El aspecto en línea del plan de estudios fue donado a Penn State University en 2011.

Carrera docente

Judy Chicago se dio cuenta del sexismo desenfrenado en las instituciones de arte moderno, museos y escuelas mientras obtenía su licenciatura y posgrado en UCLA en la década de 1960. Irónicamente, ella no desafió esta observación como estudiante. De hecho, hizo todo lo contrario al tratar de igualar, tanto en su obra de arte como en su estilo personal, lo que consideraba masculinidad en los estilos y hábitos artísticos de sus homólogos masculinos. No solo comenzó a trabajar con materiales industriales pesados, sino que también fumaba puros, se vestía "masculina" y asistía a espectáculos de motocicletas. Esta conciencia siguió creciendo a medida que reconocía cómo la sociedad no veía a las mujeres como artistas profesionales de la misma manera que reconocía a los hombres. Enfurecida por esto, Chicago canalizó esta energía y la utilizó para fortalecer sus valores feministas como persona y maestra. Si bien la mayoría de los maestros basaban sus lecciones en la técnica, las formas visuales y el color, la base de las enseñanzas de Chicago estaba en el contenido y la importancia social del arte, especialmente en el feminismo . Proveniente de la comunidad artística dominada por hombres con la que Chicago estudió durante tantos años, valoraba el arte basándose en la investigación, puntos de vista sociales o políticos y / o experiencia. Quería que sus estudiantes crecieran en sus profesiones artísticas sin tener que sacrificar lo que significaba la feminidad para ellos. Chicago desarrolló una metodología de educación artística en la que la maestra fomenta el "contenido centrado en la mujer", como la menstruación y el parto, como contenido " personal es político " para el arte. Chicago aboga por el maestro como facilitador al escuchar activamente a los estudiantes para guiar la búsqueda de contenido y la traducción del contenido al arte. Ella se refiere a su metodología de enseñanza como " pedagogía artística participativa ".

El arte creado en el Programa de Arte Feminista y Womanhouse introdujo perspectivas y contenido sobre la vida de las mujeres que habían sido temas tabú en la sociedad, incluido el mundo del arte. En 1970 Chicago desarrolló el Programa de Arte Feminista en la Universidad Estatal de California, Fresno, y ha implementado otros proyectos de enseñanza que concluyen con una exhibición de arte de estudiantes como Womanhouse con Miriam Schapiro en CalArts, y SINsation en 1999 en la Universidad de Indiana, De la teoría a la práctica. : A Journey of Discovery en Duke University en 2000, At Home: A Kentucky Project con Judy Chicago y Donald Woodman en Western Kentucky University en 2002, Envisioning the Future en California Polytechnic State University y Pomona Arts Colony en 2004, y Evoke / Invoke / Provoke en la Universidad de Vanderbilt en 2005. Varios estudiantes involucrados en los proyectos de enseñanza de Judy Chicago establecieron carreras exitosas como artistas, incluidas Suzanne Lacy , Faith Wilding y Nancy Youdelman .

A principios de la década de 2000, Chicago organizó su estilo de enseñanza en tres partes: preparación, proceso y creación artística. Cada uno tiene un propósito específico y es crucial. Durante la fase de preparación, los estudiantes identifican una preocupación personal profunda y luego investigan ese tema. En la fase de proceso, los estudiantes se reúnen en grupo para discutir los materiales que planean usar y el contenido de su trabajo. Finalmente, en la fase de creación de arte, los estudiantes encuentran materiales, bosquejan, critican y producen arte.

Libros de Chicago

  • La cena: un símbolo de nuestra herencia . Garden City, Nueva York: Anchor Press / Doubleday (1979). ISBN  0-385-14567-5 .
  • con Susan Hill. Bordando nuestra herencia: la costura de la cena . Garden City, Nueva York: Anchor Press / Doubleday (1980). ISBN  0-385-14569-1 .
  • El proyecto de nacimiento . Nueva York: Doubleday (1985). ISBN  0-385-18710-6 .
  • Más allá de la flor: la autobiografía de una artista feminista . Nueva York: Penguin (1997). ISBN  0-14-023297-4 .
  • Kitty City: un libro de horas felino . Nueva York: Harper Design (2005). ISBN  0-06-059581-7 .
  • A través de la flor: mi lucha como mujer artista . Lincoln: Authors Choice Press (2006). ISBN  0-595-38046-8 .
  • con Frances Borzello . Frida Kahlo: Cara a Cara . Nueva York: Prestel USA (2010). ISBN  3-7913-4360-2 .
  • Tiempo institucional: una crítica de la educación artística de estudio . Nueva York: The Monacelli Press (2014). ISBN  9781580933667 .

Notas explicatorias

Citas

Fuentes generales

  • Anon (2018). "Entrevistas con artistas, comisarios y críticos" . ! Women Art Revolution - Foco en Stanford . Archivado desde el original el 23 de agosto de 2018 . Consultado el 23 de agosto de 2018 .
  • Bloch, Avital (editor) y Lauri Umansky (editor). Imposible de sostener: Mujeres y cultura en la década de 1960 . Nueva York: NYU Press (2005). ISBN  0-8147-9910-8 .
  • Felder, Deborah G. y Diana Rosen. Cincuenta mujeres judías que cambiaron el mundo . Yucca Valley: Ciudadela (2005). ISBN  0-8065-2656-4 .
  • Lewis, Richard L. y Susan Ingalls Lewis. El poder del arte . Florencia: Wadsworth (2008). ISBN  0-534-64103-2 .
  • Wylder, Thompson Viki D. y Lucy R. Lippard. Judy Chicago: juicios y tributos . Tallahassee: Museo de Bellas Artes de la Universidad Estatal de Florida (1999). ISBN  1-889282-05-7 .

Otras lecturas

  • Dickson, Rachel (ed.), Con contribuciones de Judy Battalion, Frances Borzello, Diane Gelon, Alexandra Kokoli, Andrew Perchuk. Judy Chicago . Lund Humpries, Ben Uri (2012). ISBN  978-1-84822-120-8 .
  • Levin, Gail. Convertirse en Judy Chicago: una biografía del artista . Nueva York: Crown (2007). ISBN  1-4000-5412-5 .
  • Lippard, Lucy, Elizabeth A. Sackler, Edward Lucie-Smith y Viki D. Thompson Wylder. Judy Chicago . ISBN  0-8230-2587-X .
  • Lucie-Smith, Edward. Judy Chicago: una visión estadounidense . Nueva York: Watson-Guptill (2000). ISBN  0-8230-2585-3 .
  • Salido de la historia: Judy Chicago . DVD. Grupo de aprendizaje de Phoenix (2008).

enlaces externos