Tierra de oro - Gold ground
Fondo de oro (un sustantivo y adjetivo) o el oro en tierra (adjetivo) es un término en la historia del arte para un estilo de imágenes con todas o la mayor parte del fondo en un color oro macizo. Históricamente, normalmente se ha utilizado pan de oro real , lo que le da una apariencia lujosa. El estilo se ha utilizado en varios períodos y lugares, pero se asocia especialmente con el arte bizantino y medieval en mosaicos , manuscritos iluminados y pinturas sobre tablas , donde fue durante muchos siglos el estilo dominante para algunos tipos de imágenes, como los iconos . Para los objetos tridimensionales, el término está dorado o bañado en oro.
El oro en mosaico comenzó en los mosaicos romanos alrededor del siglo I d.C., y originalmente se usó para detalles y no tenía una connotación religiosa particular, pero en el arte paleocristiano llegó a ser considerado muy adecuado para representar figuras religiosas cristianas, resaltándolas contra una llanura. pero un trasfondo reluciente que podría interpretarse como una representación del cielo o de un plano espiritual menos específico. Las figuras de cuerpo entero a menudo se colocan en un suelo de color más naturalista, con el cielo en oro, pero algunas se muestran completamente rodeadas de oro. El estilo no se pudo utilizar en fresco , pero se adaptó con mucho éxito para miniaturas en manuscritos y los cada vez más importantes iconos portátiles sobre madera. En todos estos, el estilo requería una gran cantidad de trabajo adicional, pero debido a la extrema delgadez de la hoja de oro utilizada, el costo del lingote de oro utilizado era relativamente bajo; El azul lapislázuli parece haber sido al menos tan caro de usar.
El estilo permanece en uso para los íconos ortodoxos orientales hasta el día de hoy, pero en Europa occidental perdió popularidad a finales de la Edad Media , cuando los pintores desarrollaron fondos de paisajes . El pan de oro siguió siendo muy común en los marcos de las pinturas. A partir de entonces, hubo focos de uso revivalista, como por ejemplo en el llamado "período dorado" de Gustav Klimt . También se usó en la pintura japonesa y el arte tibetano , y a veces en miniaturas persas , y al menos para bordes en miniaturas mogoles .
Escribiendo en 1984, Otto Pächt dijo que "la historia del color dorado en la Edad Media forma un capítulo importante que aún no se ha escrito", un vacío que tal vez solo se haya llenado parcialmente. Además de los grandes fondos dorados, otro aspecto fue la crisografía o "resaltado dorado", el uso de líneas doradas en las imágenes para definir y resaltar rasgos como los pliegues de la ropa. El término a menudo se extiende para incluir letras doradas y ornamentación lineal.
Efectos
Una investigación reciente ha explorado los efectos del arte de base de oro, especialmente en el arte bizantino , donde el oro se entiende mejor como representación de la luz. La teología bizantina estaba interesada en la luz y podía distinguir varios tipos diferentes de ella. El Nuevo Testamento y los relatos patrísticos de la Transfiguración de Cristo fueron un foco especial de análisis, ya que se describe a Jesús como emisor o al menos bañado por una luz especial, cuya naturaleza fue discutida por los teólogos. A diferencia de la principal teoría de la óptica medieval tardía en Occidente, donde se creía que el ojo del espectador emitía rayos que alcanzaban el objeto visto, Bizancio creía que la luz procedía del objeto al ojo del espectador, y el arte bizantino era muy sensible a las alteraciones en el condiciones de luz en las que se vio arte.
Otto Pächt escribió que "el suelo de oro medieval siempre se interpretó como un símbolo de luz trascendental. En la luz transmitida por el oro de los mosaicos bizantinos había un espacio cósmico eterno disuelto en su forma más palpable en lo irreal, o incluso en lo sobrenatural; y sin embargo, nuestros sentidos son directamente tocados por esta luz ".
Según un erudito, "en una pintura de fondo dorado, la imagen sagrada de la Virgen, por ejemplo, estaba firmemente ubicada en la superficie material del plano del cuadro. Ella era, de esta manera, real, y la pintura presentaba tanto a la Virgen como a la Virgen. la representó ... [pinturas de fondo dorado] ... que difuminaban la distinción entre el sujeto y su representación, se consideraba que tenían una presencia física y psicológica como la de una persona real ".
Técnica
En los mosaicos, las figuras y otras áreas en colores normalmente se agregaban primero, luego se colocaba el oro alrededor de ellas. En la pintura se utilizó la secuencia opuesta, con las figuras "reservadas" alrededor de su contorno en el dibujo inferior .
Mosaico
Se pegó pan de oro a láminas de vidrio de aproximadamente 8 mm de espesor con goma arábiga , luego se agregó una capa extra muy delgada de vidrio en la parte superior para mayor durabilidad. En la antigüedad, la técnica de crear "vidrio sándwich de oro" ya se conocía en la Grecia helenística alrededor del año 250 a. C. y se usaba para recipientes de vidrio de oro . En mosaicos, la capa superior se aplicó cubriendo la hoja con vidrio en polvo y cociendo la hoja lo suficiente para derretir el polvo y fusionar las capas. En la Venecia del siglo XV, el método cambió y la capa superior de vidrio fundido se sopló sobre las otras dos a alta temperatura. Esto dio una mejor unión en el punto más débil de una tesera, cuando el oro se unió a la capa inferior de vidrio más gruesa.
Luego, las hojas de vidrio se rompieron en pequeñas teselas . Hay entonces dos métodos de fijación al cemento húmedo en una pared preparada, que ya tenía varias capas diferentes de yeso, a veces dejando hasta 5 cm entre la piedra o ladrillo de la pared y el vidrio. O las teselas se empujaron individualmente en su lugar en la pared, lo que dio una superficie ligeramente irregular con teselas en diferentes ángulos. Hasta cierto punto, estos podían ser controlados por el artesano y permitían efectos sutiles de brillo a medida que la luz caía sobre la superficie. El otro método consistía en utilizar un pegamento soluble en agua para fijar las teselas boca abajo en una hoja delgada; en los tiempos modernos esto es papel. Luego, la hoja se presionó contra el cemento de la pared y, cuando se secó, el papel y el pegamento se humedecieron y se restregaron. Esto le da una superficie mucho más lisa.
Cuadro
Hay varios métodos diferentes para aplicar el oro. La superficie preparada de madera o vitela para pintar se dibujó con al menos los contornos de las figuras y otros elementos. Luego (o quizás antes) se agregó una capa de una mezcla de arcilla rojiza llamada bole . Esto le dio profundidad al color dorado y evitó un tinte verdoso que tendía a mostrar la hoja de oro sobre un fondo blanco. Después de varios siglos, esta capa a menudo se revela donde se ha perdido la hoja de oro.
Encima de esto se agregó la hoja de oro. Por lo general, esto se hacía una "hoja" completa a la vez, mediante la técnica de dorado al agua . La hoja podría entonces "bruñirse", frotarse cuidadosamente con el diente de un perro o un lobo, o con un trozo de ágata , dando una superficie brillante. Alternativamente, se utilizó dorado mordiente , que debía dejarse como hoja sin pulir para dar un efecto más apagado. Después de varios cientos de años, la apariencia diferente de los dos a menudo se reduce en gran medida para los espectadores modernos. El oro de concha era pintura dorada con oro en polvo como pigmento. Esto se usó generalmente solo para áreas pequeñas, generalmente detalles y reflejos dentro de las partes coloreadas de la pintura. El nombre proviene de la costumbre de usar conchas marinas para contener pinturas mixtas de todo tipo al pintar. El "relieve aplicado dorado" era una hoja de oro sin pulir aplicada mediante dorado mordiente a una superficie de relieve moldeada de yeso o pastiglia . Las superficies planas se pueden "trabajar" con punzones y herramientas para hacer líneas, para hacer patrones dentro del oro, muy a menudo en halos u otras características, pero a veces en todo el fondo. Varias de estas técnicas pueden usarse en la misma pieza para dar una variedad de efectos.
Manuscritos
Se aplicó cualquier hoja de oro, y generalmente se pulió, antes de comenzar a pintar. Según Otto Pächt, fue solo en el siglo XII cuando los iluminadores occidentales aprendieron cómo lograr el efecto de pan de oro bruñido completo de fuentes bizantinas. Anteriormente, por ejemplo, en los manuscritos carolingios , se utilizaba "un pigmento dorado de carácter arenoso y granulado, con sólo un leve brillo". Las técnicas de la pintura de manuscritos son similares a las de las pinturas sobre paneles , aunque a menor escala. Una diferencia, tanto en las obras occidentales como en las islámicas, es que el yeso o fondo del tronco se reduce en profundidad en sus bordes, dando a las áreas doradas una curva muy leve, lo que hace que el oro refleje la luz de manera diferente. En los manuscritos también se podría usar plata, pero ahora generalmente se ha oxidado a negro.
Historia
Pinturas
En Occidente, el estilo era habitual en las pinturas de estilo icónico italo-bizantino desde el siglo XIII en adelante, inspiradas en los iconos bizantinos que llegaron a Europa después del Saqueo de Constantinopla en 1204. Estos pronto se convirtieron en el retablo políptico con marco de madera , que también Usualmente se usa el estilo de suelo dorado, especialmente en Italia. A finales de siglo, un mayor número de frescos italianos desarrollaban fondos naturalistas, así como efectos de masa y profundidad. Esta tendencia comenzó a extenderse a las pinturas sobre tabla , aunque muchos todavía usaron los fondos dorados hasta bien entrado el siglo XIV, y de hecho más allá, especialmente en centros más conservadores como Venecia y Siena , y para los grandes retablos. Lorenzo Monaco , que murió alrededor de 1424, representa "el último suspiro de brillo dorado en el arte florentino".
En la pintura neerlandesa temprana se utilizó inicialmente el estilo de fondo dorado, como en el Tríptico de Seilern de c. 1425 por Robert Campin , pero unos años más tarde su Retablo Mérode recibe un escenario naturalista famoso y detallado. El "casi eliminación de los fondos de oro se inició en la pintura neerlandesa temprano, a mediados de la década de 1420", y fue bastante rápida, con algunas excepciones como Rogier van der Weyden 's Medici Retablo , que probablemente estaba pintada después de 1450, tal vez por un patrón italiano que solicitó el estilo anterior.
A finales del siglo XV, el estilo representaba un arcaísmo deliberado, que a veces todavía se usaba. El pintor romano Antoniazzo Romano y su taller continuaron utilizándolo en los primeros años del siglo XVI, ya que "se especializó en repintar o interpretar imágenes antiguas, o generar nuevas imágenes de culto con sabor arcaico", Carlo Crivelli (fallecido c 1495), quien durante gran parte de su carrera trabajó para mecenas relativamente provinciales en la región de Marche , también hizo un uso tardío del estilo para lograr efectos sofisticados. Joos van Cleve pintó un Salvator Mundi con fondo dorado en 1516–18 (ahora Louvre ). La crucifixión de Albrecht Altdorfer de c. 1520 en Budapest es un ejemplo muy tardío, que también "repite un tipo iconográfico (la" Crucifixión con multitud ") y un enfoque no naturalista del espacio hace mucho tiempo pasado de moda.
En períodos posteriores del arte europeo, el estilo a veces se revivió, generalmente solo con pintura dorada. En 1762 George Stubbs pintó tres composiciones con caballos de carreras sobre un fondo en blanco dorado o miel, siendo la más grande Whistlejacket (ahora National Gallery ). Todos eran para su dueño, el marqués de Rockingham , quien pudo haber sugerido la idea. Dada su pasión por "el césped", posiblemente hubo una broma sobre su gran estima por los caballos. En el siglo XIX, el estilo se hizo popular para las pinturas de iglesias en la arquitectura del Renacimiento gótico , y se usó para techos o lunetas más pequeñas en grandes edificios públicos o de iglesias, recordando vagamente los precedentes bizantinos, reflejando la luz y también ahorrándose la molestia de pintar fondos. Las pinturas de Hans Makart (1881-1884) en la escalera del Kunsthistorisches Museum de Viena son un ejemplo de muchos. Otras son las pinturas del techo que Lord Leighton pintó (exhibidas en la Royal Academy 1886) para la casa de Henry Marquand en Manhattan , en las que insistió en que usaran un fondo dorado pintado en lugar del "escenario selvático" que el patrón quería para las figuras, de la mitología clásica, diciendo en una entrevista: "si miras en él encontrarás una superficie luminosa ... Viendo las imágenes desde este punto obtienes un efecto brillante, como el brillo del día sobre él; si desde el otro lado observas la luz se resuelve en el rico y cálido resplandor del sol poniente ".
La "Fase dorada" de Gustav Klimt duró aproximadamente entre 1898 y 1911 e incluyó algunas de sus pinturas más conocidas, como El beso (1907-08), el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y el friso en el Palais Stoclet (1905-11). El último fue diseñado por Klimt y ejecutado en mosaico por Leopold Forstner , un artista que hizo mucho trabajo en mosaico, incluido el oro. Al parecer, el interés de Klimt por el estilo se intensificó después de una visita a Rávena en 1903, donde su compañero dijo que "los mosaicos le causaron una impresión inmensa y decisiva". Usó grandes cantidades de pan de oro y pintura dorada en una variedad de formas, tanto para la ropa de sus sujetos como para los fondos.
Crucifixión italiana del siglo XIV de Allegretto Nuzi ; gran parte del pan de oro se ha desgastado, revelando el tronco rojo debajo.
Antoniazzo Romano , Virgen y Niño con retrato de donante , c. 1480
Erato , de Lord Leighton , 1886, uno de un techo para Henry Marquand
.jpg)
Pintura japonesa
En el Japón del período Azuchi-Momoyama (1568-1600), el estilo se utilizó en los grandes biombos ( byōbu ) de los shiro o castillos de las familias daimyo a finales del siglo XVI. Los temas incluyeron paisajes, pájaros y animales, y algunas escenas concurridas de la literatura o de la vida cotidiana. Estos se utilizaron en las habitaciones destinadas a entretener a los invitados, mientras que las de la familia tendían a utilizar pantallas con tinta y algunos colores. Los cuadrados de pan de oro se usaron sobre papel, y sus bordes a veces se dejaban visibles. Estas habitaciones tenían ventanas bastante pequeñas y el oro reflejaba la luz en la habitación; los techos pueden estar decorados de la misma manera. El fondo completo puede ser de pan de oro o, a veces, solo las nubes en el cielo. La escuela Rinpa hizo un uso extensivo del suelo aurífero.
En Kano Eitoku 's los árboles de Cypress pantalla (c. 1590), la mayor parte del 'cielo' detrás de los árboles es oro, pero las áreas de colores de primer plano y los picos de las montañas distantes muestran que este oro está destinado a representar una niebla de montaña. La superficie del primer plano inmediato también es de un oro más apagado. Alternativamente, los fondos se pueden pintar con un fino lavado dorado, lo que permite una mayor variación en el efecto de los paisajes. El estilo no era tan adecuado para las pinturas de pergamino japonesas , que a menudo se mantenían enrolladas. Algunos paneles de madera más pequeños recibieron fondos de pan de oro.
Mosaicos
Fue solo en los siglos I y II que los mosaicos de pared, a diferencia del piso, se hicieron comunes en el mundo grecorromano, al principio para tumbas húmedas y ninfas , antes de ser utilizados en entornos religiosos a fines del siglo IV. Al principio se concentraron en o alrededor del ábside y el santuario detrás del altar principal. Se encontró que "mediante una iluminación cuidadosa, parecían no encerrar sino ampliar el espacio que rodeaban".
Uno de los primeros grupos supervivientes de mosaicos dorados, de antes de aproximadamente 440, se encuentra en Santa Maria Maggiore en Roma, en el "arco triunfal" y la nave (los mosaicos del ábside son mucho más tardíos), aunque los de la nave también están colocados. alto para ser visto con claridad. La cantidad de fondo dorado varía entre escenas y, a menudo, se mezcla con escenarios arquitectónicos, cielos azules y otros elementos. Más tarde, el mosaico se convirtió en "el vehículo elegido para transmitir la verdad de las creencias ortodoxas", así como en "el medio imperial por excelencia".
El punto de vista tradicional, ahora cuestionado por algunos estudiosos, es que los patrones de uso del mosaico se extendieron desde los talleres de la corte de Constantinopla , desde los cuales a veces se enviaban equipos a otras partes del imperio, o más allá como obsequios diplomáticos, y que su participación puede deducirse de la calidad relativamente superior de su producción.
Manuscritos
Técnicamente, el término manuscrito iluminado se limita a manuscritos cuyas páginas están adornadas con metales, de los cuales el oro es el más común. Sin embargo, en el uso moderno, los manuscritos con miniaturas e iniciales que solo usan otros colores normalmente están cubiertos por el término.
En los manuscritos se utilizó oro en las letras y bordes más grandes tanto como para un fondo completo de miniaturas. Por lo general, solo unas pocas páginas lo usaban mucho, y esas generalmente estaban al principio del libro, o marcaban una sección nueva importante, por ejemplo, el comienzo de cada evangelio en un Libro del Evangelio . En Europa occidental, el uso de motivos de oro a gran escala se encuentra principalmente en los manuscritos reales o imperiales más suntuosos de períodos anteriores, como el arte otoniano , o hacia el final de la Edad Media , cuando el oro se hizo más disponible. La Hagadá dorada del siglo XIV en la Biblioteca Británica tiene un ciclo preliminar de 14 miniaturas de temas bíblicos sobre fondo dorado labradas con un patrón regular, como también era típico en la iluminación cristiana de lujo en este período, además de usar letras doradas para los títulos principales. .
El oro se usó en manuscritos en Persia, India y Tíbet, para texto, en miniaturas y bordes. En Persia se usaba como fondo para el texto, por lo general con una "burbuja" simple alrededor de las letras. En el Tíbet, así como en China, Japón y Birmania , se usó para formar las letras o caracteres del texto, en todos los casos para manuscritos especialmente importantes o lujosos, generalmente de textos budistas, y a menudo se usaba papel teñido de azul para un buen contraste. . En el Tíbet, relativamente tarde, se usó como color de fondo para imágenes, restringido solo a algunos sujetos. En la India se utilizó principalmente en las fronteras o en elementos de imágenes, como el cielo; esto es especialmente común en el estilo vistoso de la pintura de Deccan . Las miniaturas de Mughal pueden tener paisajes bellamente pintados y bordes de animales pintados en oro sobre un fondo de un color similar. También se pueden agregar motas doradas durante la fabricación del papel.
Galería
Folio 117r de las Pericopes de Enrique II , Reichenau , c. 1002-1012: el ángel en la tumba
Evangelios Gelati, Georgia , siglo XII. La crucifixión.
Miniatura persa , Khusraw descubre a Shirin bañándose en una piscina . El agua es plata oxidada.
Notas
Referencias
- Barbero, Charles. "Fuera de la vista: pintura y percepción en el Bizancio del siglo XIV". Estudios de iconografía , vol. 35, 2014, págs. 107–120, JSTOR
- Bustacchini, G., Oro en el arte y la técnica del mosaico , 1973, Boletín de oro , 6, No. 2, págs. 52-56, pdf en línea
- Connor, Carolyn Loessel, Santos y espectáculo: mosaicos bizantinos en su entorno cultural , 2016, Oxford University Press, ISBN 9780190457624, 0190457627, google books
- Folda, Jaroslav , arte bizantino y pintura sobre tabla italiana: la Virgen y el niño Odigitria y el arte de la criografía , 2015, Cambridge University Press
- Fuchs, Robert, en: Gillian Fellows-Jensen, Peter Springborg (eds), Cuidado y conservación de manuscritos 5: Actas del quinto seminario internacional celebrado en la Universidad de Copenhague del 19 al 20 de abril de 1999 , 2000, Biblioteca Real, Copenhague, ISBN 9788770230766, 8770230765, google books
- "Getty": Museo Getty , "Pintura de panel con suelo de oro", 2019, video y transcripción
- Gill, DM, Manuscritos iluminados , 1996, Brockhamton Press, ISBN 1841861014
- Meagher, Jennifer. "Pintura italiana de la Baja Edad Media", 2010, en Heilbrunn Timeline of Art History. Nueva York: The Metropolitan Museum of Art, en línea
- "Momoyama": Momoyama, Japanese Art in the Age of Grandeur , un catálogo de la exposición del Museo Metropolitano de Arte (totalmente disponible en línea como PDF)
- "Mymet", "Por qué los artistas usan pan de oro y cómo puedes hacer tus propias pinturas etéreas" , Kelly Richman-Abdou, 1 de marzo de 2018
- Nagel, Alexander y Wood, Christopher S. , Anachronic Renaissance , 2020, Zone Books, MIT Press, ISBN 9781942130345 , google books
- Nelson, Robert S., "Modernism's Byzantium Byzantium's Modernism", Capítulo 1 en Betancourt, Roland; Taroutina, Maria (eds.). Bizancio / Modernismo: lo bizantino como método en la modernidad , BRILL, Leiden, ISBN 9789004300019, google books
- Nygren, Barnaby. "Primero pretendemos estar en cierta ventana ': Ventana como dispositivo pictórico y metáfora en las pinturas de Filippo Lippi". Notas en la Historia del Arte , vol. 26, no. 1, 2006, págs. 15–21, JSTOR
- Nuechterlein, Jeanne, "De lo medieval a lo moderno: el oro y el valor de la representación en la pintura neerlandesa temprana", 2013, Universidad de York, Departamento de Historia del Arte, Portal de investigación de la historia del arte, en línea (o PDF) - títulos de páginas individuales en PDF usado, vea la primera página.
- Pächt, Otto , Iluminación de libros en la Edad Media (traducción en alemán), 1986, Harvey Miller Publishers, Londres, ISBN 0199210608
- Pencheva, Bissera V, The Sensual Icon: Space, Ritual and the Senses in Byzantium , 2010, Penn State Press, google books
- Richman-Abdou, Kelly, "The Splendid History of Glistening" Golden Phase "de Gustav Klimt" , Mymet, 16 de septiembre de 2018
- Steven Runciman , Estilo y civilización bizantinos , 1975, Penguin
- Saha, Anindita Kundu, The Conservation of Endangered Archives and Management of Manuscripts in Indian Repositories , 22-23, 2020, Cambridge Scholars Publisher, ISBN 9781527560901, 1527560902, google books
- Stanley-Baker, Joan, Japanese Art , 2000 (2nd edn), Thames and Hudson, World of Art , ISBN 0500203261
- Wright, Alison, "Los materiales divinos de Crivelli" (pdf) en Ornamento e ilusión: Carlo Crivelli de Venecia , 2015, Paul Holberton Publishing / Isabella Stewart Gardner Museum, ISBN 9781907372865