Arte medieval - Medieval art

Arte medieval
Los mosaicos monumentales bizantinos de la Iglesia son uno de los grandes logros del arte medieval. Estos son de Monreale en Sicilia de finales del siglo XII.

El arte medieval del mundo occidental cubre un vasto espectro de tiempo y lugar, más de 1000 años de arte en Europa y en ciertos períodos en Asia occidental y África del Norte . Incluye los principales movimientos y períodos artísticos, el arte nacional y regional, los géneros, los avivamientos, la artesanía de los artistas y los propios artistas.

Los historiadores del arte intentan clasificar el arte medieval en períodos y estilos principales, a menudo con cierta dificultad. Un esquema generalmente aceptado incluye las fases posteriores del arte paleocristiano , arte período de la migración , el arte bizantino , arte insular , prerrománico , románico y el arte gótico , así como muchos otros períodos dentro de estos estilos centrales. Además, cada región, principalmente durante el período en el proceso de convertirse en naciones o culturas, tenía su propio estilo artístico distintivo, como el arte anglosajón o el arte vikingo .

El arte medieval se produjo en muchos medios, y las obras sobreviven en gran número en esculturas , manuscritos iluminados , vidrieras , trabajos en metal y mosaicos , todos los cuales han tenido una tasa de supervivencia más alta que otros medios, como pinturas murales al fresco , trabajo en metales preciosos. o textiles , incluidos tapices . Especialmente en la primera parte del período, las obras de las llamadas "artes menores" o artes decorativas , como la orfebrería, la talla de marfil, el esmalte y el bordado con metales preciosos, fueron probablemente más valoradas que las pinturas o la escultura monumental .

El arte medieval en Europa surgió de la herencia artística del Imperio Romano y las tradiciones iconográficas de la iglesia cristiana primitiva . Estas fuentes se mezclaron con la vigorosa cultura artística "bárbara" del norte de Europa para producir un notable legado artístico. De hecho, la historia del arte medieval puede verse como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico , cristiano primitivo y "bárbaro". Aparte de los aspectos formales del clasicismo, existía una tradición continua de representación realista de objetos que sobrevivieron en el arte bizantino durante todo el período, mientras que en Occidente aparece de forma intermitente, combinando y en ocasiones compitiendo con las nuevas posibilidades expresionistas desarrolladas en Europa Occidental y el Norte. legado de elementos decorativos energéticos. El período terminó con la recuperación renacentista autopercibida de las habilidades y valores del arte clásico, y el legado artístico de la Edad Media fue luego menospreciado durante algunos siglos. Desde un resurgimiento del interés y la comprensión en el siglo XIX, se ha visto como un período de enormes logros que subyace al desarrollo del arte occidental posterior.

Visión general

Detalle de Los efectos del buen gobierno , un fresco en el Ayuntamiento de Siena por Ambrogio Lorenzetti , 1338.

Los primeros siglos de la Edad Media en Europa, hasta aproximadamente el 800 d.C., vieron una disminución en la prosperidad, la estabilidad y la población, seguida de un aumento bastante constante y general hasta el retroceso masivo de la Peste Negra alrededor de 1350, que se estima haber matado al menos a un tercio de la población total en Europa, con tasas generalmente más altas en el sur y más bajas en el norte. Muchas regiones no recuperaron sus niveles de población anteriores hasta el siglo XVII. Se estima que la población de Europa alcanzó un punto mínimo de alrededor de 18 millones en 650, se duplicó alrededor del año 1000 y alcanzó más de 70 millones en 1340, justo antes de la Peste Negra. En 1450 todavía eran solo 50 millones. A estas cifras, el norte de Europa, especialmente Gran Bretaña, contribuyó con una proporción menor que en la actualidad, y el sur de Europa, incluida Francia, con una mayor. El aumento de la prosperidad, para aquellos que sobrevivieron, se vio mucho menos afectado por la Peste Negra. Hasta aproximadamente el siglo XI, la mayor parte de Europa carecía de mano de obra agrícola, con grandes cantidades de tierra sin utilizar, y el Período Cálido Medieval benefició a la agricultura hasta aproximadamente 1315.

Escenas de amor cortés en el espejo de marfil de una dama . París, 1300-1330.

El período medieval finalmente vio la caída de las invasiones e incursiones desde fuera del área que caracterizó el primer milenio. Las conquistas islámicas de los siglos VII y VIII eliminaron repentina y permanentemente a todo el norte de África del mundo occidental, y durante el resto del período, los pueblos islámicos se apoderaron gradualmente del Imperio bizantino , hasta el final de la Edad Media, cuando la Europa católica, habiendo recuperó la península ibérica en el suroeste, volvió a estar bajo la amenaza musulmana del sureste.

Al comienzo del período medieval, las obras de arte más importantes eran objetos muy raros y costosos asociados con élites seculares, monasterios o iglesias importantes y, si eran religiosas, en gran parte producidas por monjes. A finales de la Edad Media, se podían encontrar obras de considerable interés artístico en pequeñas aldeas y un número significativo de hogares burgueses en las ciudades, y su producción era en muchos lugares una industria local importante, con los artistas del clero ahora la excepción. Sin embargo, la Regla de San Benito permitió la venta de obras de arte por parte de los monasterios, y está claro que durante todo el período los monjes podrían producir arte, incluidas obras seculares, comercialmente para un mercado laico, y los monasterios contratarían igualmente especialistas laicos cuando fuera necesario.

Las obras sobrevivientes pueden dejar la impresión de que casi todo el arte medieval era religioso. Esto está lejos de ser el caso; aunque la iglesia se hizo muy rica durante la Edad Media y en ocasiones estuvo dispuesta a gastar generosamente en arte, también había mucho arte secular de calidad equivalente que ha sufrido una tasa mucho mayor de desgaste, pérdida y destrucción. La Edad Media en general careció del concepto de preservar las obras más antiguas por su mérito artístico, en contraposición a su asociación con un santo o una figura fundadora, y los siguientes períodos del Renacimiento y el Barroco tendieron a menospreciar el arte medieval. La mayoría de los manuscritos iluminados de lujo de la Alta Edad Media tenían lujosas cubiertas de libros de encuadernación de tesoros en metales preciosos, marfil y joyas; las páginas reencuadernadas y los relieves de marfil de las cubiertas han sobrevivido en un número mucho mayor que las cubiertas completas, que en su mayoría han sido despojadas por sus valiosos materiales en algún momento.

La mayoría de las iglesias se han reconstruido, a menudo varias veces, pero los palacios medievales y las casas grandes se han perdido a un ritmo mucho mayor, lo que también se aplica a sus accesorios y decoración. En Inglaterra, las iglesias sobreviven en gran parte intactas de todos los siglos desde el siglo VII, y en cantidades considerables para los posteriores (solo la ciudad de Norwich tiene 40 iglesias medievales), pero de las docenas de palacios reales ninguno sobrevive antes del siglo XI, y sólo un puñado de restos del resto del período. La situación es similar en la mayor parte de Europa, aunque el Palais des Papes del siglo XIV en Aviñón sobrevive en gran parte intacto. Muchas de las disputas académicas más prolongadas sobre la fecha y el origen de las obras individuales se relacionan con piezas seculares, porque son mucho más raras: el British Museum rechazó el Broche Anglosajón Fuller como una falsificación inverosímil y una pequeña secular independiente. Las esculturas de bronce son tan raras que la fecha, el origen e incluso la autenticidad de los dos mejores ejemplos se ha discutido durante décadas.

El uso de materiales valiosos es una constante en el arte medieval; hasta el final del período, se gastaba mucho más en comprarlos que en pagar a los artistas, incluso si estos no eran monjes que realizaban sus deberes. El oro se usó para objetos para iglesias y palacios, joyas personales y adornos de ropa, y, fijado al reverso de teselas de vidrio, como fondo sólido para mosaicos , o aplicado como pan de oro a miniaturas en manuscritos y pinturas sobre paneles. Muchos objetos que utilizan metales preciosos se fabricaron sabiendo que su valor en lingotes podría materializarse en un momento futuro; sólo cerca del final del período se podía invertir dinero en otro lugar que no fuera en bienes raíces , excepto con gran riesgo o mediante la usura .

El pequeño Díptico privado de Wilton para Ricardo II de Inglaterra , c. 1400, con fondos de oro estampado y mucho ultramar .

El pigmento ultramarino aún más caro , hecho de lapislázuli molido que solo se puede obtener en Afganistán , se usó profusamente en el período gótico, más a menudo para el manto exterior azul tradicional de la Virgen María que para los cielos. El marfil , a menudo pintado, fue un material importante hasta el final del período, lo que ilustra bien el cambio del arte de lujo a las obras seculares; al comienzo del período, la mayoría de los usos pasaban de los dípticos consulares a los objetos religiosos, como cubiertas de libros, relicarios y báculo , pero en el período gótico, los espejos seculares, los cofres y las peinetas decoradas se vuelven comunes entre los ricos. Como los paneles delgados de marfil tallados en relieve rara vez podían reciclarse para otra obra, el número de supervivencias es relativamente alto; lo mismo ocurre con las páginas manuscritas, aunque a menudo se reciclaban raspando, con lo cual se convierten en palimpsestos .

Incluso estos materiales básicos eran costosos: cuando la abadía anglosajona Monkwearmouth-Jarrow planeó crear tres copias de la Biblia en 692, de las cuales una sobrevive como el Codex Amiatinus , el primer paso necesario fue planificar la cría de ganado para abastecer a los animales. 1.600 terneros para dar la piel necesaria a la vitela .

El papel estuvo disponible en los últimos siglos del período, pero también era extremadamente caro para los estándares actuales; Los grabados en madera vendidos a los peregrinos ordinarios en los santuarios eran a menudo del tamaño de una caja de cerillas o más pequeños. La dendrocronología moderna ha revelado que la mayor parte del roble para paneles utilizado en la pintura de los primeros Países Bajos del siglo XV fue talado en la cuenca del Vístula en Polonia, desde donde se envió río abajo y a través de los mares Báltico y del Norte hasta los puertos flamencos , antes de ser sazonado durante varios años.

El arte en la Edad Media es un tema amplio y los historiadores del arte lo dividen tradicionalmente en varias fases, estilos o períodos a gran escala. El período de la Edad Media no comienza ni termina nítidamente en una fecha en particular, ni al mismo tiempo en todas las regiones, y lo mismo es cierto para las principales fases del arte dentro de ese período. Las fases principales se tratan en las siguientes secciones.

Arte paleocristiano y antiguo tardío

Arco de Constantino , Roma, terminado en 315: El relieve largo inferior , con figuras achaparradas de tamaño que varía según el estado, es de esa fecha, mientras que las rotondas están tomadas de un monumento de casi 200 años antes, que mantiene un estilo clásico.

El arte cristiano primitivo, más generalmente descrito como arte antiguo tardío , cubre el período desde aproximadamente 200 (antes del cual no sobrevive ningún arte cristiano distintivo), hasta el inicio de un estilo completamente bizantino en aproximadamente 500. Sigue habiendo diferentes puntos de vista sobre cuándo El período medieval comienza durante este tiempo, tanto en términos de historia general como específicamente de historia del arte, pero la mayoría de las veces se ubica al final del período. En el transcurso del siglo IV el cristianismo pasó de ser una secta popular perseguida a la religión oficial del Imperio, adaptando los estilos romanos existentes y, a menudo , la iconografía , tanto del arte popular como del imperial. Desde el comienzo del período, las principales supervivencias del arte cristiano son las pinturas de las tumbas en los estilos populares de las catacumbas de Roma , pero al final había una serie de fastuosos mosaicos en las iglesias construidas bajo el patrocinio imperial.

Durante este período, el arte imperial tardorromano atravesó una fase sorprendentemente "barroca", y luego abandonó en gran medida el estilo clásico y el realismo griego en favor de un estilo más místico e hierático, un proceso que estaba bastante avanzado antes de que el cristianismo se convirtiera en una gran influencia en el arte imperial. . Las influencias de las partes orientales del Imperio: Egipto , Siria y más allá, y también una sólida tradición vernácula "itálica", contribuyeron a este proceso.

Las figuras se ven en su mayoría mirando de frente al espectador, donde el arte clásico tendía a mostrar una vista de perfil; el cambio finalmente se vio incluso en las monedas. La individualidad de los retratos, una gran fuerza del arte romano, declina abruptamente, y la anatomía y el drapeado de las figuras se muestran con mucho menos realismo. Los modelos a partir de los cuales la Europa del Norte medieval, en particular, formó su idea del estilo "romano", fueron casi todas las obras portátiles de la Antigüedad tardía, y los sarcófagos tallados de la Antigüedad tardía encontrados en todo el antiguo Imperio Romano; la determinación de encontrar modelos clásicos "más puros" anteriores, fue un elemento clave en el arte all'antica del Renacimiento.

Relieves de marfil

Arte bizantino

El rey David toca el arpa en el Salterio de París del siglo X , una obra clasicista del período macedonio.

El arte bizantino es el arte del Imperio bizantino de habla griega formado después de la división del Imperio Romano entre las mitades oriental y occidental y, a veces, de partes de Italia bajo el dominio bizantino. Surge de la Antigüedad tardía alrededor del año 500 d.C. y pronto formó una tradición distinta de la de la Europa católica, pero con gran influencia sobre ella. En el período medieval temprano, el mejor arte bizantino, a menudo de los grandes talleres imperiales, representaba un ideal de sofisticación y técnica que los mecenas europeos intentaron emular. Durante el período de la iconoclasia bizantina en 730-843, la gran mayoría de los iconos (imágenes sagradas generalmente pintadas sobre madera) fueron destruidas; Queda tan poco que hoy cualquier descubrimiento arroja nuevos conocimientos, y la mayoría de las obras restantes se encuentran en Italia (Roma y Rávena, etc.), o en Egipto en el Monasterio de Santa Catalina .

El arte bizantino era extremadamente conservador, por razones religiosas y culturales, pero conservaba una continua tradición de realismo griego, que se enfrentaba a un fuerte impulso anti-realista e hierático. Después de la reanudación de la producción de iconos en 843 hasta 1453, la tradición del arte bizantino continuó con relativamente pocos cambios, a pesar o debido al lento declive del Imperio. Hubo un notable renacimiento del estilo clásico en obras de arte de la corte del siglo X como el Salterio de París , y durante todo el período, la iluminación del manuscrito muestra estilos paralelos, a menudo utilizados por el mismo artista, para figuras icónicas en miniaturas enmarcadas y escenas o figuras pequeñas más informales. añadido sin enmarcar en los márgenes del texto en un estilo mucho más realista.

La escultura monumental con figuras siguió siendo un tabú en el arte bizantino; apenas se conocen excepciones. Pero los pequeños relieves de marfil, casi todos en el modo icónico (el Tríptico de Harbaville es de fecha similar al Salterio de París, pero muy diferente en estilo), eran una especialidad, al igual que la decoración en relieve en cuencos y otros objetos metálicos.

El Imperio Bizantino produjo gran parte del arte más fino de la Edad Media en términos de calidad de material y mano de obra, con la producción de la corte centrada en Constantinopla , aunque algunos historiadores del arte han cuestionado la suposición, todavía comúnmente hecha, de que toda obra de la mejor calidad con en la capital no se presentó ninguna indicación sobre el origen. El logro culminante del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos dentro de las iglesias abovedadas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y la apropiación de iglesias a mezquitas .

El icono copto de Jesús de los siglos VI o VII y un abad comparten de forma más hogareña el estilo antirrealista del arte icónico bizantino.

El arte bizantino ejerció una influencia continua en el arte de Europa occidental, y los esplendores de la corte y los monasterios bizantinos, incluso al final del Imperio, proporcionaron un modelo para los gobernantes occidentales y los mecenas seculares y clericales. Por ejemplo, los textiles de seda bizantinos , a menudo tejidos o bordados con diseños tanto de animales como de figuras humanas, los primeros a menudo reflejan tradiciones que se originaron mucho más al este, fueron insuperables en el mundo cristiano hasta casi el final del Imperio. Estos fueron producidos, pero probablemente no del todo, en talleres imperiales en Constantinopla, sobre cuyas operaciones no sabemos casi nada; talleres similares a menudo se conjeturan para otras artes, con incluso menos evidencia. El estilo dorado en mosaicos, iconos y miniaturas manuscritas era común en toda Europa durante el período gótico. Algunas otras artes decorativas estaban menos desarrolladas; La cerámica bizantina rara vez se eleva por encima del nivel del atractivo arte popular , a pesar de la herencia griega antigua y el impresionante futuro en el período otomano de los artículos de İznik y otros tipos de cerámica.

El arte copto de Egipto tomó un camino diferente; después de que la Iglesia Copta se separó a mediados del siglo V, nunca más fue apoyada por el estado, y las influencias nativas egipcias dominaron para producir un estilo completamente no realista y algo ingenuo de figuras de ojos grandes flotando en un espacio en blanco. Esto fue capaz de una gran expresividad y llevó el componente "oriental" del arte bizantino a sus lógicas conclusiones. La decoración copta utiliza intrincados diseños geométricos, a menudo anticipándose al arte islámico. Debido a la excepcionalmente buena conservación de los entierros egipcios, sabemos más sobre los textiles utilizados por los menos acomodados en Egipto que en cualquier otro lugar. Estos a menudo estaban elaboradamente decorados con diseños figurativos y estampados. Otras tradiciones locales en Armenia , Siria , Georgia y otros lugares mostraron en general menos sofisticación, pero a menudo más vigor que el arte de Constantinopla y, a veces, especialmente en arquitectura , parecen haber tenido influencia incluso en Europa Occidental. Por ejemplo, la escultura monumental figurativa en el exterior de las iglesias aparece aquí algunos siglos antes de que se vea en Occidente.

Período de migración a través de la cristianización

Cierre de hombro de Sutton Hoo , anglosajón, c. 620. Las serpientes que muerden entrelazadas y los jabalíes enfrentados (secciones de los extremos) se representan de forma totalmente esquemática.

El arte del Período de Migración describe el arte de los pueblos " bárbaros " germánicos y de Europa del Este que estaban en movimiento, y luego se establecieron dentro del antiguo Imperio Romano, durante el Período de Migración de aproximadamente 300-700; el término manta cubre una amplia gama de estilos étnicos o regionales, incluyendo principios de arte anglosajón , arte visigodo , el arte de Viking , y arte merovingio , todo lo cual hizo uso del estilo de los animales , así como motivos geométricos derivados de arte clásico. En este período, el estilo animal había alcanzado una forma mucho más abstracta que en el arte escita anterior o el estilo de La Tène . La mayoría de las obras de arte eran pequeñas y portátiles y las que sobreviven son en su mayoría joyas y trabajos en metal, con el arte expresado en diseños geométricos o esquemáticos, a menudo bellamente concebidos y hechos, con pocas figuras humanas y ningún intento de realismo. Los primeros ajuares funerarios anglosajones de Sutton Hoo se encuentran entre los mejores ejemplos.

A medida que los pueblos "bárbaros" fueron cristianizados , estas influencias interactuaron con la tradición artística cristiana mediterránea posclásica y con nuevas formas como el manuscrito iluminado y, de hecho , las monedas , que intentaron emular las monedas provinciales romanas y los tipos bizantinos . Las primeras monedas como el sceat muestran a los diseñadores que no están acostumbrados a representar una cabeza de perfil lidiando con el problema de diferentes maneras.

En cuanto a obras más grandes, hay referencias a estatuas paganas de madera anglosajonas, todas ahora perdidas, y en el arte nórdico la tradición de las piedras rúnicas talladas se mantuvo después de su conversión al cristianismo. Los pictos celtas de Escocia también tallaron piedras antes y después de la conversión, y la distintiva tradición anglosajona e irlandesa de grandes cruces talladas al aire libre puede reflejar obras paganas anteriores. El arte vikingo de siglos posteriores en Escandinavia y partes de las Islas Británicas incluye obras tanto de origen pagano como cristiano, y fue uno de los últimos florecimientos de este amplio grupo de estilos.

Arte insular

Libro de Lindisfarne , Northumbria , c. 715; La decoración invade el texto del comienzo de Mateo : "Liber generationis Jesu Christi filii David, filii Abraham".

El arte insular se refiere al estilo distintivo que se encuentra en Irlanda y Gran Bretaña desde aproximadamente el siglo VII hasta aproximadamente el siglo X, que duró más tarde en Irlanda y partes de Escocia. El estilo vio una fusión entre las tradiciones del arte celta , el arte del período de migración germánica de los anglosajones y las formas cristianas del libro, las cruces altas y la orfebrería litúrgica.

Decoración animal extremadamente detallada, geométrica, entrelazada y estilizada, con formas derivadas de la metalurgia secular como broches , repartidas audazmente en manuscritos, generalmente libros de evangelios como el Libro de Kells , con páginas enteras de alfombras dedicadas a tales diseños, y el desarrollo de grandes diseños decorados. e inicial historiada . Había muy pocas figuras humanas (la mayoría de las veces eran retratos de evangelistas) y eran toscas, incluso si seguían de cerca los modelos de la antigüedad tardía.

El estilo del manuscrito insular fue transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa , y su energía anticlásica fue extremadamente importante en la formación de estilos medievales posteriores. En la mayoría de los manuscritos de la Antigüedad tardía, el texto y la decoración se mantenían claramente separados, aunque algunas iniciales comenzaron a ampliarse y elaborarse, pero los principales manuscritos insulares a veces toman una página completa para una sola inicial o las primeras palabras (ver ilustración) al comienzo de los evangelios o otras secciones de un libro. Permitir a la decoración un "derecho a deambular" iba a ser muy influyente en el arte románico y gótico en todos los medios.

Los edificios de los monasterios para los que se hicieron los libros del evangelio insulares eran entonces pequeños y podrían llamarse primitivos, especialmente en Irlanda. Había cada vez más otras decoraciones para las iglesias, cuando era posible en metales preciosos, y un puñado de estos sobreviven, como el Cáliz de Ardagh , junto con un mayor número de piezas de joyería secular de alto nivel extremadamente ornamentadas y finamente hechas, los broches celtas probablemente usados principalmente por hombres, de los cuales el Broche Tara es el más espectacular.

"Franco-Sajón" es un término para una escuela de iluminación carolingia tardía en el noreste de Francia que usaba decoración de estilo insular, incluidas iniciales supergrandes, a veces en combinación con imágenes figurativas típicas de los estilos franceses contemporáneos. El "más tenaz de todos los estilos carolingios", continuó hasta el siglo XI.

Iniciales gigantes

La influencia del arte islámico

El portal románico de Moissac —ver texto. Detalle del tímpano aquí

El arte islámico durante la Edad Media queda fuera del alcance de este artículo, pero fue ampliamente importado y admirado por las élites europeas, y su influencia debe mencionarse. El arte islámico cubre una amplia variedad de medios que incluyen caligrafía, manuscritos ilustrados, textiles, cerámica, trabajos en metal y vidrio, y se refiere al arte de los países musulmanes en el Cercano Oriente, la España islámica y el norte de África, aunque de ninguna manera siempre artistas musulmanes o artesanos. La producción de vidrio , por ejemplo, siguió siendo una especialidad judía durante todo el período, y el arte cristiano, como en el Egipto copto , continuó, especialmente durante los siglos anteriores, manteniendo algunos contactos con Europa. Hubo una etapa formativa temprana desde 600-900 y el desarrollo de estilos regionales desde 900 en adelante. El arte islámico temprano utilizó mosaicos y escultores entrenados en las tradiciones bizantina y copta. En lugar de pinturas murales, el arte islámico usó azulejos pintados , desde 862-3 (en la Gran Mezquita de Kairouan en la moderna Túnez ), que también se extendieron a Europa. De acuerdo con John Ruskin , el Palacio Ducal de Venecia contiene "tres elementos en proporciones exactamente iguales -. El romano, el Lombard, y árabes Es el edificio central del mundo ... la historia de la arquitectura gótica es la historia de la. refinamiento y espiritualización del trabajo del Norte bajo su influencia ".

Los gobernantes islámicos controlaban en varios puntos partes del sur de Italia y la mayor parte de la España y Portugal modernas, así como los Balcanes , todos los cuales conservaban grandes poblaciones cristianas. Los cruzados cristianos gobernaron igualmente a las poblaciones islámicas. El arte cruzado es principalmente un híbrido de estilos católico y bizantino, con poca influencia islámica, pero el arte mozárabe de los cristianos en Al Andaluz parece mostrar una influencia considerable del arte islámico, aunque los resultados se parecen poco a las obras islámicas contemporáneas. La influencia islámica también se puede rastrear en la corriente principal del arte medieval occidental, por ejemplo en el portal románico de Moissac en el sur de Francia, donde se muestra en ambos elementos decorativos, como los bordes festoneados de la entrada, las decoraciones circulares en el dintel de arriba, y también en tener a Cristo en Majestad rodeado de músicos, que se convertiría en una característica común de las escenas celestiales occidentales, y probablemente se deriva de las imágenes de los reyes islámicos en su diwan . La caligrafía , la ornamentación y las artes decorativas en general fueron más importantes que en Occidente.

La cerámica hispano-morisca de España se produjo por primera vez en Al-Andaluz, pero los alfareros musulmanes parecen haber emigrado a la zona de la Valencia cristiana , donde produjeron obras que se exportaron a las élites cristianas de toda Europa; otros tipos de artículos de lujo islámicos, en particular textiles de seda y alfombras, procedían del mismo mundo islámico oriental, generalmente más rico (los conductos islámicos hacia Europa al oeste del Nilo , sin embargo, no eran más ricos), y muchos pasaban por Venecia. Sin embargo, la mayor parte de los productos de lujo de la cultura de la corte, como sedas, marfil, piedras preciosas y joyas, se importaban a Europa solo en forma inacabada y se fabricaban en el producto final etiquetado como "oriental" por artesanos medievales locales. No tenían representaciones de escenas religiosas y normalmente estaban decoradas con adornos , lo que las hacía fáciles de aceptar en Occidente; de ​​hecho, a finales de la Edad Media había una moda de imitaciones pseudo-cúficas de la escritura árabe que se usaban decorativamente en el arte occidental.

Arte prerrománico

Detalle de una corona votiva de la España visigoda , antes de 672. Parte del Tesoro de Guarrazar .

Prerrománico es un término para la arquitectura y, en cierta medida, el arte pictórico y portátil que se encuentra inicialmente en el sur de Europa (España, Italia y el sur de Francia) entre el período de la Antigüedad tardía y el comienzo del período románico en el siglo XI. El arte del norte de Europa forma parte gradualmente del movimiento posterior a la cristianización a medida que asimila los estilos posclásicos. El arte carolingio del Imperio franco , especialmente la Francia y Alemania modernas, de aproximadamente 780-900 toma su nombre de Carlomagno y es un arte del círculo de la corte y algunos centros monásticos bajo el patrocinio imperial, que conscientemente buscaba revivir los estilos "romanos". y estándares como correspondía al nuevo Imperio de Occidente . Algunos centros de producción carolingia también fueron pioneros en estilos expresivos en obras como el Salterio de Utrecht y los Evangelios de Ebbo . La escultura monumental cristiana se registra por primera vez, y la representación de la figura humana en escenas narrativas adquirió confianza por primera vez en el arte del norte. La arquitectura carolingia produjo edificios más grandes de lo que se había visto desde la época romana, y el trabajo del oeste y otras innovaciones.

Tras el colapso de la dinastía hubo un paréntesis antes de que una nueva dinastía trajera un resurgimiento en Alemania con el arte otoniano , nuevamente centrado en la corte y los monasterios, con un arte que avanzaba hacia una gran expresividad a través de formas simples que logran monumentalidad incluso en pequeñas obras como el marfil. relieves y miniaturas manuscritas , sobre todo de la escuela de Reichenau , como las Pericopes de Enrique II (1002-1012). El arte anglosajón posterior en Inglaterra, de alrededor del 900, fue expresivo de una manera muy diferente, con figuras agitadas e incluso cortinas que tal vez se muestren mejor en los muchos dibujos a pluma de los manuscritos. El arte mozárabe de la España cristiana tuvo una fuerte influencia islámica y un total desinterés por el realismo en sus miniaturas de colores brillantes, donde las figuras se presentan como patrones completamente planos. Ambos iban a influir en la formación en Francia del estilo románico.

Arte románico

Tímpano en Saint-Julien-de-Jonzy , mediados del siglo XII. Cristo en Majestad arriba, la Última Cena abajo.

El arte románico se desarrolló en el período comprendido entre aproximadamente 1000 y el auge del arte gótico en el siglo XII, junto con el auge del monaquismo en Europa occidental. El estilo se desarrolló inicialmente en Francia, pero se extendió a la España cristiana, Inglaterra, Flandes, Alemania, Italia y otros lugares para convertirse en el primer estilo medieval encontrado en toda Europa, aunque con diferencias regionales. La llegada del estilo coincidió con un gran aumento en la construcción de iglesias y en el tamaño de las catedrales y las iglesias más grandes; muchos de estos fueron reconstruidos en períodos posteriores, pero a menudo alcanzaron aproximadamente su tamaño actual en el período románico. La arquitectura románica está dominada por muros gruesos, estructuras macizas concebidas como una forma orgánica única, con techos abovedados y ventanas y arcos de cabeza redonda.

La escultura figurativa, originalmente pintada de colores vivos, juega un papel integral e importante en estos edificios, en los capiteles de las columnas, así como alrededor de impresionantes portales , generalmente centrados en un tímpano sobre las puertas principales, como en la Abadía de Vézelay y la Catedral de Autun . Los relieves son mucho más comunes que las estatuas independientes en piedra, pero el relieve románico se hizo mucho más alto, con algunos elementos completamente separados de la pared trasera. También cobraron importancia las grandes tallas, especialmente crucifijos de madera pintados como la Cruz de Gero desde el comienzo del período, y figuras de la Virgen María como la Madonna de Oro de Essen . La realeza y el alto clero comenzaron a encargar efigies de tamaño natural para los monumentos funerarios . Algunas iglesias tenían pares macizos de puertas de bronce decoradas con paneles en relieve narrativos, como las Puertas Gniezno o las de Hildesheim , "las primeras puertas de bronce decoradas fundidas en una sola pieza en Occidente desde la época romana", y posiblemente las mejores antes del Renacimiento.

La mayoría de las iglesias tenían muchos frescos; un esquema típico tenía a Cristo en Majestad en el extremo este (altar), un Juicio Final en el extremo oeste sobre las puertas y escenas de la Vida de Cristo frente a escenas del Antiguo Testamento que coinciden tipológicamente en las paredes de la nave . El "mayor monumento de pintura mural románica que se conserva", muy reducido de lo que había originalmente, se encuentra en la iglesia abacial de Saint-Savin-sur-Gartempe, cerca de Poitiers , donde la bóveda de cañón redondeada de la nave , la cripta , el pórtico y otros Las áreas conservan la mayoría de sus pinturas. Un ciclo equivalente en Sant'Angelo in Formis en Capua en el sur de Italia por pintores italianos entrenados por griegos ilustra el predominio continuo del estilo bizantino en gran parte de Italia.

Inicial historiada francesa con hombres matando a un monstruo, de un manuscrito teológico. 1110-1115

La escultura y la pintura románicas suelen ser extremadamente vigorosas y expresivas, y muy inventivas en términos de iconografía: los temas elegidos y su tratamiento. Aunque muchas características absorbidas del arte clásico forman parte del estilo románico, los artistas románicos rara vez intentaron lograr algún tipo de efecto clásico, excepto quizás en el arte mosano . A medida que el arte fue visto por un sector más amplio de la población, y debido a los desafíos de las nuevas herejías , el arte se volvió más didáctico y la iglesia local se convirtió en la " Biblia del hombre pobre ". Al mismo tiempo, las bestias grotescas y los monstruos, y las peleas con ellos o entre ellos, eran temas populares, a los que se podían atribuir vagamente significados religiosos, aunque esto no impresionó a San Bernardo de Clairvaux , quien denunciaba tales distracciones en los monasterios:

Pero en el claustro, a la vista de los monjes lectores, ¿qué sentido tiene una monstruosidad tan ridícula, esa extraña clase de forma sin forma? ¿Por qué estos monos antiestéticos, por qué estos leones feroces, por qué los centauros monstruosos, por qué semihumanos, por qué tigres manchados, por qué soldados luchando, por qué cazadores pregonando? ... En resumen, hay tal variedad y tal diversidad de formas extrañas en todas partes que podemos preferir leer las canicas en lugar de los libros.

Bien podría haber conocido la miniatura de la izquierda, que se produjo en la abadía de Císter antes de que el joven Bernardo fuera trasladado de allí en 1115.

Durante el período, la tipología se convirtió en el enfoque dominante en la literatura teológica y el arte para interpretar la Biblia, con incidentes del Antiguo Testamento vistos como prefiguraciones de aspectos de la vida de Cristo, y mostrados junto con su correspondiente episodio del Nuevo Testamento. A menudo, la iconografía de la escena del Nuevo Testamento se basaba en tradiciones y modelos originarios de la Antigüedad tardía, pero la iconografía del episodio del Antiguo Testamento tuvo que inventarse en este período, por falta de precedentes. Se idearon nuevos temas, como el Árbol de Isaí , y las representaciones de Dios Padre se volvieron más aceptables. La gran mayoría del arte que sobrevive es religioso. El arte de Mosan era un estilo regional especialmente refinado, en el que sobrevivían muchos trabajos en metal soberbios, a menudo combinados con esmalte , y elementos de clasicismo raros en el arte románico, como en la pila bautismal de la iglesia de San Bartolomé, en Lieja , o en el Santuario de los Tres Reyes en Colonia. , una de las obras supervivientes de Nicolás de Verdún , cuyos servicios se buscaron en todo el noroeste de Europa.

Las vidrieras se convirtieron en una forma de arte importante en el período, aunque sobreviven pocos vidrios románicos. En los manuscritos iluminados, la Biblia se convirtió en un nuevo foco de decoración intensiva, y el salterio también siguió siendo importante. El fuerte énfasis en el sufrimiento de Cristo y otras figuras sagradas entró en el arte occidental en este período, una característica que lo distingue fuertemente del arte bizantino y clásico durante el resto de la Edad Media y más allá. La Cruz de Gero de 965-970, en la cúspide del arte otoniano y románico, ha sido llamada la primera obra en exhibir esto. El final del período románico vio el comienzo de un mayor énfasis en la Virgen María en la teología, la literatura y, por lo tanto, también en el arte, que alcanzaría su máxima extensión en el período gótico.

Arte gótico

Catedral de Chartres c. 1220; la mejor escultura del gótico alto había redescubierto en gran medida el arte de la representación de figuras naturalistas.

El arte gótico es un término variable según el oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica que se desarrolló en Francia desde aproximadamente 1137 con la reconstrucción de la iglesia de la abadía de St Denis . Al igual que en la arquitectura románica, esta incluyó la escultura como parte integral del estilo, con portales aún mayores y otras figuras en las fachadas de las iglesias, ubicación de la escultura más importante, hasta el período tardío, cuando grandes retablos tallados y retablos , generalmente en madera pintada y dorada, se convirtió en un foco importante en muchas iglesias. La pintura gótica no apareció hasta alrededor del 1200 (esta fecha tiene muchas matizaciones), cuando se apartó del estilo románico. Un estilo gótico en escultura se origina en Francia alrededor de 1144 y se extiende por toda Europa, convirtiéndose en el siglo XIII en el estilo internacional, reemplazando al románico, aunque en escultura y pintura la transición no fue tan aguda como en arquitectura.

La mayoría de las catedrales románicas y las grandes iglesias fueron reemplazadas por edificios góticos, al menos en aquellos lugares que se beneficiaron del crecimiento económico de la época; la arquitectura románica ahora se ve mejor en áreas que posteriormente estuvieron relativamente deprimidas, como muchas regiones del sur de Francia e Italia , o el norte de España. La nueva arquitectura permitió ventanas mucho más grandes, y las vidrieras de una calidad nunca sobresaliente es quizás el tipo de arte más asociado en la mente popular con el gótico, aunque las iglesias con casi todo su vidrio original, como la Sainte-Chapelle en París, son extremadamente raros en cualquier lugar y desconocidos en Gran Bretaña.

La mayoría de las pinturas murales góticas también han desaparecido; estos siguieron siendo muy comunes, aunque en las iglesias parroquiales a menudo se ejecutaban de forma bastante tosca. Los edificios seculares también tenían a menudo pinturas murales, aunque la realeza prefería los tapices mucho más caros, que se llevaban consigo mientras viajaban entre sus muchos palacios y castillos, o se llevaban con ellos en campañas militares: la mejor colección de arte textil de finales de la Edad Media viene del botín suizo en la batalla de Nancy , cuando derrotaron y mataron a Carlos el Temerario , duque de Borgoña , y capturaron todo su tren de equipajes.

Panel central del enorme retablo de Maestà de Duccio para la catedral de Siena , con fondo dorado .

Como se mencionó en la sección anterior, el período gótico coincidió con un énfasis mucho mayor en la Virgen María, y fue en este período que la Virgen y el Niño se convirtieron en un sello distintivo del arte católico. Los santos también fueron retratados con mucha más frecuencia, y aparecieron por primera vez muchos de los atributos desarrollados para identificarlos visualmente para un público todavía mayoritariamente analfabeto.

Durante este período , la pintura sobre tabla para retablos, a menudo polípticos y obras más pequeñas, adquirieron una nueva importancia. Anteriormente, los íconos en los paneles eran mucho más comunes en el arte bizantino que en Occidente, aunque muchas pinturas de paneles ahora perdidas hechas en Occidente están documentadas de períodos mucho más antiguos, e inicialmente los pintores occidentales sobre paneles estaban en gran parte bajo el dominio de los modelos bizantinos. especialmente en Italia, de donde provienen la mayoría de las pinturas de paneles occidentales. El proceso de establecimiento de un estilo occidental distinto fue iniciado por Cimabue y Duccio , y completado por Giotto , a quien tradicionalmente se considera el punto de partida para el desarrollo de la pintura renacentista. Sin embargo, la mayoría de la pintura sobre paneles siguió siendo más conservadora que la pintura en miniatura, en parte porque fue vista por un gran público.

Reconstrucción del templo de Jerusalén , miniatura de Borgoña, c. 1460.

International Gothic describe el arte gótico cortesano desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico comienza a fusionarse con el arte renacentista que había comenzado a formarse en Italia durante el Trecento , con un retorno a los principios clásicos de composición y realismo, con el escultor Nicola. Pisano y el pintor Giotto como figuras especialmente formativas. Las Très Riches Heures du Duc de Berry es una de las obras más conocidas del gótico internacional. La transición al Renacimiento ocurrió en diferentes momentos en diferentes lugares: la pintura neerlandesa temprana se encuentra entre los dos, al igual que el pintor italiano Pisanello . Fuera de Italia, los estilos renacentistas aparecieron en algunas obras en cortes y algunas ciudades ricas, mientras que otras obras, y todas las obras más allá de estos centros de innovación, continuaron con los estilos góticos tardíos durante un período de algunas décadas. La Reforma protestante a menudo proporcionó un punto final para la tradición gótica en áreas que se volvieron protestantes, ya que se asoció con el catolicismo.

La invención de un sistema integral de perspectiva lineal basado en las matemáticas es un logro definitorio del Renacimiento italiano de principios del siglo XV en Florencia , pero la pintura gótica ya había hecho un gran progreso en la representación naturalista de la distancia y el volumen, aunque generalmente no consideraba los consideraba características esenciales de una obra si otros objetivos entraban en conflicto con ellos, y la escultura del gótico tardío era cada vez más naturalista. En la miniatura borgoñona de mediados del siglo XV (derecha), el artista parece dispuesto a mostrar su habilidad para representar edificios y bloques de piedra de forma oblicua y gestionar escenas a diferentes distancias. Pero su intento general de reducir el tamaño de elementos más distantes no es sistemático. Las secciones de la composición tienen una escala similar, con la distancia relativa mostrada por la superposición, el escorzo y otros objetos más altos que los más cercanos, aunque los trabajadores de la izquierda muestran un ajuste de tamaño más fino. Pero esto se abandona a la derecha donde la figura más importante es mucho más grande que el albañil.

La muerte viene para el cardenal , de un blockbook impreso con color a mano, c. 1455–58, un ejemplo temprano de la Danza de la Muerte .

El final del período incluye nuevos medios como impresiones ; junto con las pinturas de pequeños paneles, estos se utilizaron con frecuencia para el emotivo andachtsbilder ("imágenes devocionales") influenciadas por las nuevas tendencias religiosas de la época. Se trataba de imágenes de momentos desprendidos de la narración de la Pasión de Cristo pensada para la meditación de sus sufrimientos, o los de la Virgen: el Varón de los Dolores , Piedad , Velo de la Verónica o Arma Christi . El trauma de la Peste Negra a mediados del siglo XIV fue, al menos en parte, responsable de la popularidad de temas como la Danza de la Muerte y Memento mori . En los libros de bloque baratos con texto (a menudo en lengua vernácula ) e imágenes recortadas en un solo grabado en madera , obras como la ilustrada (izquierda), el Ars Moriendi (El arte de morir ) y resúmenes de versos tipológicos de la Biblia como el Speculum Humanae Salvationis ( Mirror of Human Salvation ) fueron los más populares.

El humanismo renacentista y el surgimiento de una clase media urbana adinerada, liderada por comerciantes, comenzaron a transformar el antiguo contexto social del arte, con el resurgimiento del retrato realista y la aparición del grabado y el autorretrato , junto con el declive de formas como vidrieras y el manuscrito iluminado. Los retratos de los donantes , en el período medieval temprano en gran parte el coto de los papas, reyes y abades, ahora mostraban hombres de negocios y sus familias, y las iglesias se estaban llenando de monumentos funerarios de los ricos.

Apertura de las Horas de Catalina de Cleves , c. 1440, con Catalina arrodillada ante la Virgen y el Niño, rodeada por la heráldica de su familia. Enfrente está el inicio de maitines en el pequeño oficio , ilustrado por la Anunciación a Joaquín . Los típicos márgenes exuberantemente decorados descienden del arte insular y no se parecen a nada en la tradición bizantina.

El libro de horas , un tipo de manuscrito normalmente propiedad de los laicos, o incluso más a menudo, de mujeres laicas, se convirtió en el tipo de manuscrito más ilustrado a menudo desde el siglo XIV en adelante, y también en este período, el liderazgo en la producción de miniaturas había pasado a artistas laicos, también muy a menudo mujeres. En los centros de iluminación más importantes, París y en el siglo XV las ciudades de Flandes , existían grandes talleres, que exportaban a otras partes de Europa. Otras formas de arte, como pequeños relieves de marfil, vidrieras, tapices y alabastros de Nottingham (paneles tallados baratos para retablos) se produjeron en condiciones similares, y los artistas y artesanos de las ciudades solían estar cubiertos por el sistema de gremios: el gremio de orfebres . estaba típicamente entre los más ricos de una ciudad, y los pintores eran miembros de un gremio especial de San Lucas en muchos lugares.

Las obras seculares, a menudo utilizando temas relacionados con el amor cortés o el heroísmo caballeresco , se produjeron como manuscritos iluminados, espejos de marfil tallado, tapices y elaborados centros de mesa de oro como nefs . Empieza a ser posible distinguir un número mucho mayor de artistas individuales, algunos de los cuales tenían reputación internacional. Comienzan a aparecer coleccionistas de arte, de manuscritos entre los grandes nobles, como Juan, duque de Berry (1340-1416) y de grabados y otras obras entre los de riqueza moderada. En las zonas más ricas, los grabados en madera religiosos, pequeños y baratos, llevaron el arte en una aproximación del último estilo incluso a los hogares de los campesinos a finales del siglo XV.

Virgen María

Reputación posterior

El asalto al Castillo del Amor , atacado por caballeros y defendido por damas, fue un tema popular para los espejos góticos de marfil. París, siglo XIV.

El arte medieval tenía poco sentido de su propia historia del arte, y este desinterés continuó en períodos posteriores. El Renacimiento generalmente lo descartó como un producto "bárbaro" de la " Edad Media ", y el término "gótico" fue inventado como deliberadamente peyorativo, utilizado por primera vez por el pintor Rafael en una carta de 1519 para caracterizar todo lo que se había interpuesto entre la desaparición del arte clásico y su supuesto "renacimiento" en el Renacimiento . El término fue posteriormente adoptado y popularizado a mediados del siglo XVI por el artista e historiador florentino Giorgio Vasari , quien lo utilizó para denigrar la arquitectura del norte de Europa en general. Los anticuarios continuaron coleccionando manuscritos iluminados , o se quedaron sin ser vistos en bibliotecas monásticas o reales, pero las pinturas eran principalmente de interés si tenían asociaciones históricas con la realeza u otros. El largo período de maltrato del Retablo de Westminster por la Abadía de Westminster es un ejemplo; hasta el siglo XIX solo se consideraba una pieza útil de madera. Pero su gran retrato de Ricardo II de Inglaterra estaba bien cuidado, como otro retrato de Ricardo, el Díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, a menudo otros objetos han sobrevivido principalmente porque se los consideraba reliquias .

No había un equivalente para el arte pictórico de la " supervivencia gótica " que se encuentra en la arquitectura, una vez que el estilo finalmente se extinguió en Alemania, Inglaterra y Escandinavia , y el Renacimiento gótico se centró durante mucho tiempo en la arquitectura gótica en lugar del arte. La comprensión de la sucesión de estilos era todavía muy débil, como sugiere el título del libro pionero de Thomas Rickman sobre arquitectura inglesa: Un intento de discriminar los estilos de la arquitectura inglesa de la conquista a la reforma (1817). Esto comenzó a cambiar con fuerza a mediados del siglo XIX, cuando la apreciación de la escultura medieval y su pintura, conocida como "Primitivos" italianos o flamencos, se puso de moda bajo la influencia de escritores como John Ruskin , Eugène Viollet-le-Duc , y Pugin , así como la romántica medievalismo de obras literarias como Sir Walter Scott 's Ivanhoe (1819) y Victor Hugo ' s el jorobado de Notre Dame (1831). Los primeros coleccionistas de los "Primitivos", entonces todavía relativamente baratos, incluían al Príncipe Alberto .

Diseño de William Burges para la sala de fumadores de verano en el castillo de Cardiff , década de 1860.

Entre los artistas, el movimiento nazareno alemán de 1809 y la hermandad prerrafaelita inglesa de 1848 rechazaron los valores de al menos el Renacimiento posterior, pero en la práctica, y a pesar de que a veces representan escenas medievales, su trabajo se inspira principalmente en el Renacimiento temprano en lugar de el gótico o períodos anteriores, siendo la primera obra gráfica de John Millais una excepción. William Morris , también un coleccionista exigente de arte medieval, absorbió el estilo medieval más a fondo en su trabajo, al igual que William Burges .

Joseph's Dream de los frescos bizantinescos de Castelseprio , objeto de mucha controversia desde su descubrimiento en 1944, y que ahora generalmente data del siglo X.

A finales del siglo XIX, muchos ilustradores de libros y productores de arte decorativo de diversos tipos habían aprendido a utilizar con éxito los estilos medievales de los nuevos museos como el Victoria & Albert Museum creado para este propósito. Al mismo tiempo, el nuevo campo académico de la historia del arte , dominado por Alemania y Francia, se concentró en gran medida en el arte medieval y pronto fue muy productivo en la catalogación y datación de las obras supervivientes y en el análisis del desarrollo de los estilos y la iconografía medievales; aunque la Antigüedad tardía y el período precarolingio siguieron siendo una "tierra de nadie" menos explorada hasta el siglo XX.

Franz Theodor Kugler fue el primero en nombrar y describir el arte carolingio en 1837; como muchos historiadores del arte de la época, buscó encontrar y promover el espíritu nacional de su propia nación en la historia del arte, una búsqueda iniciada por Johann Gottfried Herder en el siglo XVIII. El alumno de Kugler, el gran historiador del arte suizo Jacob Burckhardt , aunque no puede ser llamado un especialista en arte medieval, fue una figura importante en el desarrollo de la comprensión del mismo. El arte medieval ahora se coleccionaba en gran medida, tanto por museos como por coleccionistas privados como George Salting , la familia Rothschild y John Pierpont Morgan .

Después del declive del Renacimiento gótico y el uso del Renacimiento celta de los estilos insulares, los elementos antirrealistas y expresivos del arte medieval todavía han demostrado ser una inspiración para muchos artistas modernos.

Los historiadores del arte de habla alemana continuaron dominando la historia del arte medieval, a pesar de figuras como Émile Mâle (1862-1954) y Henri Focillon (1881-1943), hasta el período nazi, cuando un gran número de figuras importantes emigraron, principalmente a Gran Bretaña o América. , donde aún se estaba desarrollando el estudio académico de la historia del arte. Estos incluyeron al anciano Adolph Goldschmidt y figuras más jóvenes como Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer y muchos otros. Meyer Schapiro había inmigrado de niño en 1907.

Representaciones judías en el arte cristiano medieval

La gran mayoría del arte narrativo religioso medieval representaba eventos de la Biblia, donde la mayoría de las personas mostradas eran judías. Pero la medida en que esto se enfatizó en sus representaciones varió mucho. Durante la Edad Media, parte del arte cristiano se utilizó como una forma de expresar prejuicios y puntos de vista negativos comúnmente sostenidos.

En la Europa medieval entre los siglos V y XV, muchos cristianos veían a los judíos como enemigos y forasteros debido a una variedad de factores. También tendían a odiarlos por ser cultural y religiosamente diferentes, así como por las enseñanzas religiosas que tenían puntos de vista negativos del pueblo judío, como las representaciones del Anticristo como judío. La posición económica del pueblo judío como prestamista, junto con las protecciones reales que se les otorgaron , creó una relación tensa entre judíos y cristianos. Esta tensión se manifestó de varias maneras, una de las cuales fue a través de la creación de arte y propaganda antisemita y antijudaísmo que sirvió para desacreditar tanto a los judíos como a sus creencias religiosas, así como a difundir estas creencias aún más en la sociedad. Las imágenes medievales tardías de Ecclesia y Synagoga representaban la doctrina cristiana del supersesionismo , mediante la cual el nuevo pacto cristiano había reemplazado al pacto mosaico judío Sara Lipton ha argumentado que algunas representaciones, como las representaciones de la ceguera judía en la presencia de Jesús, estaban destinadas a servir como una forma de autorreflexión en lugar de ser explícitamente antisemita.

En su libro de 2013 Sarracenos, demonios y judíos , Debra Higgs Strickland sostiene que las representaciones negativas de los judíos en el arte medieval se pueden dividir en tres categorías: arte que se centró en descripciones físicas, arte que presentaba signos de condenación e imágenes que mostraban a los judíos como monstruos. Las representaciones físicas del pueblo judío en el arte cristiano medieval eran a menudo hombres con sombreros judíos puntiagudos y barbas largas, lo que se hizo como un símbolo despectivo y para separar a los judíos de los cristianos de una manera clara. Esta representación se volvería más virulenta con el tiempo, sin embargo, las mujeres judías carecían de descripciones físicas distintivas similares en el arte cristiano de la alta Edad Media. Se cree que el arte que representaba a judíos en escenas que presentaban signos de condenación se derivaba de la creencia cristiana de que los judíos eran responsables del asesinato de Cristo, lo que ha llevado a algunas representaciones artísticas en las que aparecen judíos crucificando a Cristo. Los judíos a veces eran vistos como forasteros en sociedades dominadas por cristianos, que Strickland afirma desarrollaron la creencia de que los judíos eran bárbaros, lo que eventualmente se expandió a la idea de que los judíos eran monstruos que rechazaban la "Fe Verdadera". Algunas obras de arte de este período combinaron estos conceptos y transformaron las imágenes estereotipadas de la barba judía y el sombrero puntiagudo con la de los monstruos, creando un arte que convirtió al judío en sinónimo de monstruo.

Las razones de estas descripciones negativas de los judíos se remontan a muchas fuentes, pero principalmente se deben a que los judíos fueron acusados ​​de deicidio, sus diferencias religiosas y culturales con sus vecinos culturales, y cómo el anticristo a menudo se representaba como judío en los escritos medievales y textos. Recientemente se culpó a los judíos de la muerte de Cristo y, por lo tanto, los cristianos los describieron negativamente tanto en el arte como en las escrituras. Las tensiones entre judíos y cristianos eran increíblemente altas y esto provocó que se formaran varios estereotipos sobre los judíos y se convirtieran en algo común en su descripción artística. Algunos de los atributos que distinguen a los judíos de sus homólogos cristianos en las obras de arte son los sombreros puntiagudos, las narices ganchudas y torcidas y las barbas largas. Al incluir estos atributos en la representación de los judíos en el arte, los cristianos lograron "diferenciar" a los judíos más de lo que ya eran y los hicieron parecer aún más marginados y segregados de la población en general de lo que ya estaban. Estos atributos no solo se agregaron a las representaciones del pueblo judío, sino que generalmente se los describió como villanos y monstruosos debido a su supuesto asesinato de Cristo, así como a su rechazo de Cristo como el mesías. Esto, unido al hecho de que vivían en grupos mayoritariamente insulares, los separó mucho de sus vecinos cristianos y provocó una ruptura duradera entre los grupos que se reflejan en el arte medieval.

Ver también

Notas

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos