Barbara Takenaga - Barbara Takenaga

Barbara Takenaga (nacida en 1949) es una artista estadounidense conocida por sus pinturas abstractas con remolinos que han sido descritas como psicodélicas y cósmicas, además de científicas, debido a sus patrones obsesivos y muy detallados. Obtuvo un amplio reconocimiento en la década de 2000, cuando críticos como David Cohen y Kenneth Baker la colocaron entre la vanguardia de los artistas que renovaban la abstracción con pinturas que enfatizaban la belleza y el exceso visual, la técnica meticulosa y los efectos ópticos. Su trabajo sugiere posibilidades que van desde paisajes imaginados y mapas aéreos hasta fenómenos astronómicos y meteorológicos, pasando por vistas microscópicas de células, criaturas acuáticas o secciones transversales de minerales. En una revisión de 2018, The New Yorker describió a Takenaga como "un abstraccionista con un interés místico en cómo el éxtasis puede emerger de lo laborioso".

Barbara Takenaga, Forte , acrílico sobre lino, 54 "x 135", 2011. Cortesía de DC Moore Gallery, Nueva York.

Takenaga ha tenido exposiciones individuales en MASS MoCA Hunter Center, Huntington Museum of Art , Neuberger Museum of Art Space 42 y Art in General , y una encuesta de veinte años en Williams College Museum of Art en 2017. Ha participado en exposiciones colectivas en el Frist Art Museum , Bemis Center for Contemporary Arts , Pennsylvania Academy of Fine Arts , deCordova Museum y San Jose Museum of Art , entre otros. En 2020, recibió una beca Guggenheim y ha sido reconocida por la Academia Nacional de Diseño y la Academia Estadounidense de Artes y Letras . Takenaga vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y es profesora emérita de arte Mary A. & William Wirt Warren en Williams College .

Trabajo maduro y recepción crítica

Los escritores caracterizan a Takenaga como una pintora abstracta a pesar de las cualidades ilusionistas y sugerentes de su arte, señalando que la obra surge de la imaginación, la reflexión y un proceso intuitivo que combina el azar, el orden y el trabajo repetitivo, más que de la observación . A menudo comienza con motivos ostentosos, de falso expresionismo abstracto , antes de aplicar metódica pero intuitivamente formas pintadas a mano para crear patrones; el proceso se basa en su experiencia inicial en grabado y emplea un enfoque gráfico plano que incluye calcar, transferir, delinear y combinar pintura.

Barbara Takenaga, Gold + Red , acrílico sobre panel de madera, 42 "x 36", 2005. Colección de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania.

Las diversas influencias de Takenaga incluyen mandalas tántricos , los grabados en madera de Utagawa Kuniyoshi , el artista gráfico japonés- pop Tadanori Yokoo , Sol LeWitt , Roger Brown y el movimiento Pattern and Decoration . Escritores como John Yau y Debra Bricker Balken atribuyen su énfasis en la decoración y el detalle, la ambigüedad espacial y cualidades viscerales, ópticas a sus intereses en el éxtasis, las cualidades agradables de no occidental y Op arte, cada uno de los cuales ofrecen las alternativas al expresionismo abstracto de angustia existencial autoexpresiva y autorreferencialidad plana y reductora del minimalismo . Formalmente, Takenaga involucra elementos opuestos de superficie y profundidad, planitud y dimensión, estasis y movimiento. En términos conceptuales, los críticos identifican temas persistentes (aunque sumergidos) en su trabajo que involucran historia personal, asombro y pavor, duelo y mortalidad, junto con una sensación de ligereza que ella ha llamado "tontería seria".

Pintura (2001-2009)

A principios de la década de 2000, Takenaga se comprometió con la abstracción, trabajando variaciones modestamente escaladas en un formato establecido: patrones centrípetos o centrífugos que irradian o se enrollan desde un punto focal ligeramente descentrado, formando campos que evocan cielos nocturnos y formas celestes (p. Ej. , Night Painting , 2001). El crítico del New York Times , Ken Johnson, describió estas pinturas como "ópticamente fascinantes y trascendentalmente sugestivas [de] un enjambre, sensación espacial como viajar a la velocidad de la luz a través de una galaxia o un centro psíquico de iluminación". Su obra de finales de 2001 fue creada a la sombra del dolor tras la muerte de su madre; inmortalizó la memoria de sus padres en las obras etéreas Shizue y Toshiwo : constelaciones brillantes e irradiadas de puntos concéntricos y espirales en campos azules nebulosos que transmiten tanto mortalidad como euforia visual.

Barbara Takenaga, Ozma , acrílico sobre lino, 70 "x 60", 2009.

Los críticos tales como Art in America 's Robert Kushner identificaron una expansión del vocabulario de Takenaga en espectáculos en McKenzie bellas artes (2003, 2005), que produjo arreglos sorprendentes, más dinámicos dentro de sus parámetros ajustados autoimpuestas. Remolinos de plumas en Wave (2002) sugieren estudios de sistemas autónomos ornamentados que evocan imágenes tanto científicas como culturales decorativas; los trabajos posteriores se asemejan a formas celulares o de burbujas vibrantes ( Rubazu ), microorganismos bulbosos en espiral ( Tarazed # 1 ) y patrones de mandala o Paisley con joyas ( Gold + Red ). En trabajos posteriores, exploró paletas tenues que evocan la pérdida (grises, blancos, negros, verdes pálidos y turquesas, y dorados y plateados metálicos) y formas que sugieren entornos ambiguos y de otro mundo ( Ghost Triptych 2007–8), marcos moleculares o la ventosa. envés de estrellas de mar y pulpos ( Ozma , 2009), y cuadrículas y celosías inclinadas y torcidas como mapas topográficos tridimensionales de agujeros negros que se acercan al Op art, como Angel (rosa) (2008) y Zardo (2009).

Pintura posterior a 2009

En 2010, Takenaga realizó dos cambios significativos en su trabajo: comenzó a incorporar un elemento plano y lineal que sirve como horizonte y división espacial, y renunció a cierto control, permitiendo elementos aleatorios y patrones más sueltos (remolinos de puntos, constelaciones onduladas y espirales explosivos). ) para emerger en composiciones más atrevidas. Los críticos sugieren que la línea del horizonte, normalmente un elemento estabilizador, interrumpió su trabajo típicamente ordenado, permitiendo que evolucionara una gama pictórica más amplia que aludía a paisajes imaginarios y reinos acuáticos y galácticos.

Los cambios aparecieron por primera vez en pinturas que se inspiraron en la educación del medio oeste de Takenaga . Nebraska Painting EL1 (2010) y Whiteout (2011), en gran parte gris y azul, sugieren campos invernales ilimitados que se desvanecen en grandes cielos, mientras que los más coloridos Sparkler (Red Line) (2010) y Red Funnel (2013) aluden a fuegos artificiales, luces de carnaval y tornados. Renovó su interés en el trabajo horizontal de escala ambiciosa en los trípticos panorámicos Rise / Fall y Forte (2011), Diptych (Ikat) (2012), y más tarde, Nebraska (2015, MASS MoCA), un mural de 110 pies que repetía un vertiginoso patrón de papel pintado pintado a mano que recuerda a un campo nevado y surcado bajo un cielo azul distante. John Yau identifica una disonancia e inestabilidad que compara con sistemas disímiles que invaden el territorio del otro en este trabajo (p. Ej., Ronin , 2011). Él atribuye esto a su enfoque más relajado y al uso de pinturas metálicas sobrenaturales (que cambian con el ángulo de la luz), notando un efecto colectivo e inquietante que interpreta como reconocimiento de un universo indiferente. Art in America' s Carol Diehl , sin embargo, discierne un sentido de orden más allá de la fácil comprensión en la suspensión del trabajo entre el exceso visual y el rigor; se compara su cualidad mística a Van Gogh 's la noche estrellada .

En su trabajo posterior, Takenaga ha admitido más espacio abierto y ha expuesto las gotas, los charcos y las salpicaduras de sus pinturas base moduladas como un elemento de composición (por ejemplo, la luz verde parecida a una linterna , 2013). También ha seguido ampliando su rango asociativo para incluir auroras boreales, lluvias de meteoritos ( Night Painting (JFM) , 2016), geodas y fractales, en un trabajo que Ken Johnson describe como visto más "a través de las percepciones extáticas, posiblemente con ayuda farmacéutica de un soñador hippie "que" los ojos tecnológicamente asistidos de un científico ".

Barbara Takenaga, Manifold 5 , acrílico sobre lino, 70 "x 225", 2018.

Las pinturas de Takenaga en las exposiciones "Outset" (2018) y "Manifold" (2019) en la DC Moore Gallery emplean paletas austeras y contemplativas (negro, blanco iridiscente, gris plateado y azul) y relaciones figura-fondo más audaces y cambiantes con grandes y oscuros formas como agujeros en las imágenes (por ejemplo, Aeaea ; Hola ). Sus formas misteriosas se basan ampliamente en el arte japonés clásico , las imágenes científicas y la abstracción de mediados de siglo, y dejan atrás sus campos, tarmacs y líneas del horizonte para referencias más conflictivas y turbulentas a explosiones, viajes espaciales, masas de tierra a la deriva y microbiología, evocando una mundo de presión constante y cambio implacable. Obras como el extenso Manifold 5 de cinco paneles utilizan imágenes de siluetas abstractas (un río, nubes, túnicas, elefantes, velas votivas, formas de géiser) tomadas de pantallas japonesas y otras fuentes orientales; funcionan como patrones o fondos oscuros que se mueven entre formas positivas y espacio negativo. La Serrulata contrastante (en traducción, cerezo) superpone y presiona múltiples procesos (patrones, vertidos, manchas de tinta Sumi y gotas de azul oscuro, negro y gris) creando patrones en un fondo rosa concha para sugerir flores de cerezo y temas. de disrupción, dispersión, decadencia y fugacidad.

Biografía y carrera temprana

Takenaga nació en North Platte, Nebraska en 1949. Obtuvo un BFA (Arte e Inglés, 1972) y un MFA (1978) de la Universidad de Colorado Boulder . Sus estudios de posgrado se centraron en el grabado y se llevaron a cabo en un contexto de concienciación pospsicodélica de los años 70 , interés en el pensamiento oriental y el feminismo de la segunda ola ; culminaron en una instalación mural cuadriculada de 52 pies, Here to Here, Sense and Nonsense (1978), compuesta por varias docenas de litografías con patrones abstractos.

Después de recibir su MFA, Takenaga enseñó en la Universidad de Washington y la Universidad de Denver , antes de mudarse a la ciudad de Nueva York y unirse a la facultad de Williams College en Massachusetts en 1985. Durante este tiempo, produjo instalaciones a gran escala combinando elementos como rocas y cortes y papel estampado que aludía a jardines con rastrillos zen ; su equilibrio de elementos asimétricos , ambigüedad espacial, marcas gráficas negras y colores sutiles exploraron el papel de la identidad cultural japonesa-estadounidense en su arte. Takenaga se presentó en exposiciones individuales en AIR Gallery y Art in General, y en exposiciones colectivas en el Boston Center for the Arts , Asian American Arts Center y Asian Art Museum (San Francisco) , entre otros.

En la década de 1990, Takenaga recurrió a enormes pinturas acrílicas (a menudo de seis metros de largo) construidas con puertas de madera huecas, que utilizaban enigmáticas formas abstractas y símbolos extraídos de la ciencia, la lógica y el arte oriental clásico. The Long Resonance (1991) es una obra representativa; presenta una extensión en forma de nube que se rompe en un suelo rectangular oscuro decorado con iconos, siluetas (animales o figuras japonesas) y guirnaldas de líneas punteadas rojas que presagian sus pinturas futuras. En trabajos posteriores, redujo drásticamente su escala a abstracciones íntimas (12 "x 9") eliminando la señalización y los elementos reconocibles. Nevus (1997) y Tortuca (1998) emplean espirales caprichosas e intrincadas superpuestas sobre fondos modulados de beige y marrón. Inspirada por una observación casual de mechones de pelo en espiral en su perro, estas formas evolucionaron hasta convertirse en el trabajo maduro de Takenaga cuando comenzó a pintar variaciones sobre fondos oscuros, evocando fenómenos celestiales.

A principios de la década de 2000, Takenaga expuso en instituciones como McKinney Avenue Contemporary, el CU Art Museum (ambos en solitario), el Tang Teaching Museum y el Museum of Contemporary Art Denver , entre otros.

Reconocimiento y cobros públicos

Takenaga ha recibido una beca Guggenheim (2020), ha sido elegido académico de la Academia Nacional de Diseño (2013) y ha sido reconocido con premios de la Fundación For-Site , el Museo de la Academia Nacional , la Academia Estadounidense de Artes y Letras, la Fundación de Nueva Inglaterra. para las Artes y el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York ; ha recibido residencias del Programa Espacial de la Fundación de Arte Marie Walsh Sharpe , el taller de grabado de Smith College y Dieu Donne Papermill.

Su trabajo está representado en las colecciones permanentes de la Biblioteca del Congreso , Frederick R. Weisman Art Foundation , Crocker Art Museum , Ackland Art Museum , Arkansas Art Center , deCordova Museum , Henry Art Gallery , Museum of Outdoor Arts , Museum of Nebraska Art , Museo Estatal de Nueva Jersey , Museo de Arte Neuberger , Academia de Bellas Artes de Pensilvania , Museo de Arte de San José, Museo de Arte Sheldon , Museo de Enseñanza Tang y Embajada de los Estados Unidos , así como muchas colecciones universitarias y corporativas. Ha expuesto en DC Moore Gallery (Nueva York, desde 2009), Gregory Lind Gallery (San Francisco, 2003-19) y Robischon Gallery (Denver), y sus editoriales impresas incluyen Shark's Ink (Colorado) y Wingate Studios (New Hampshire). .

Referencias

enlaces externos

• Sitio web oficial de Barbara Takenaga
• Barbara Takenaga , podcast de sonido y visión , 2018
• Página de artista de Barbara Takenaga , DC Moore Gallery
• Página de artista de Barbara Takenaga , Galería Gregory Lind
• Página de artista de Barbara Takenaga , Galería Robischon