Primavera (Botticelli) - Primavera (Botticelli)

Primavera
Botticelli-primavera.jpg
Artista Sandro Botticelli
Año finales de la década de 1470 o principios de la década de 1480
Medio Temple sobre tabla
Dimensiones 202 cm × 314 cm (80 pulgadas × 124 pulgadas)
Localización Galería de los Uffizi , Florencia

Primavera ( pronunciación italiana:  [primaˈvɛːra] , que significa "Primavera"), es una gran pintura al temple en pintura al temple por elpintor renacentista italiano Sandro Botticelli, realizada a finales de la década de 1470 o principios de la de 1480 (las fechas varían). Ha sido descrita como "una de las pinturas más escritas y controvertidas del mundo", y también "una de las pinturas más populares del arte occidental".

La pintura representa a un grupo de figuras de la mitología clásica en un jardín, pero no se ha encontrado ninguna historia que reúna a este grupo en particular. La mayoría de los críticos están de acuerdo en que la pintura es una alegoría basada en el exuberante crecimiento de la primavera, pero los relatos de cualquier significado preciso varían, aunque muchos involucran el neoplatonismo renacentista que entonces fascinó a los círculos intelectuales de Florencia . El tema fue descrito por primera vez como Primavera por el historiador de arte Giorgio Vasari que lo vio en Villa Castello , a las afueras de Florencia, en 1550.

Aunque ahora se sabe que los dos no son una pareja, la pintura se discute inevitablemente con la otra pintura mitológica muy grande de Botticelli, El nacimiento de Venus , también en los Uffizi. Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo e iconos del Renacimiento italiano ; de los dos, el Birth es incluso más conocido que el Primavera . Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, prácticamente no tenían precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica.

La historia de la pintura no se conoce con certeza; puede haber sido encargado por uno de los miembros de la familia Medici , pero se desconoce la certeza de su encargo. Se basa en una serie de fuentes literarias clásicas y renacentistas, incluidas las obras del antiguo poeta romano Ovidio y, menos ciertamente, de Lucrecio , y también puede aludir a un poema de Poliziano , el poeta de la casa Medici que pudo haber ayudado a Botticelli a idear la composición. . Desde 1919, la pintura forma parte de la colección de la Galería de los Uffizi en Florencia , Italia.

Composición

Venus de pie en su arco.

La pintura presenta seis figuras femeninas y dos masculinas, junto con un cupido, en un huerto de naranjos. El movimiento de la composición es de derecha a izquierda, por lo que siguiendo esa dirección la identificación estándar de las figuras es: en el extremo derecho " Céfiro , el viento cortante de marzo, secuestra y posee a la ninfa Cloris , con quien luego se casa y transforma en una deidad; se convierte en la diosa de la primavera, eterna portadora de la vida, y está esparciendo rosas por el suelo ". Cloris, la ninfa, se superpone a Flora , la diosa en la que se transforma.

En el centro (pero no exactamente así) y algo apartada de las otras figuras se encuentra Venus, una mujer vestida de azul con un vestido rojo. Como la recolectora de flores, devuelve la mirada al espectador. Los árboles detrás de ella forman un arco roto para llamar la atención. En el aire sobre ella, un Cupido con los ojos vendados apunta su arco hacia la izquierda. A la izquierda del cuadro las Tres Gracias , un grupo de tres mujeres también vestidas de blanco diáfano, se dan la mano en un baile. En el extremo izquierdo Mercurio , vestido de rojo con una espada y un casco, alza su caduceo o vara de madera hacia unas tenues nubes grises.

Las interacciones entre las figuras son enigmáticas. Zephyrus y Chloris se miran. Flora y Venus miran al espectador, Cupido tiene los ojos vendados y Mercurio les ha dado la espalda a los demás y mira hacia las nubes. La Gracia central mira hacia él, mientras que los otros dos parecen mirarse. La sonrisa de Flora era muy inusual en la pintura en esta fecha.

El paisaje pastoral es elaborado. Hay 500 especies de plantas identificadas representadas en la pintura, con alrededor de 190 flores diferentes, de las cuales al menos 130 pueden identificarse específicamente. La apariencia general y el tamaño de la pintura son similares a los de los tapices flamencos millefleur ("mil flores") que eran decoraciones populares para los palacios en ese momento.

Estos tapices no se habían adaptado en la década de 1480 a los desarrollos artísticos del Renacimiento italiano, y la composición de la pintura tiene aspectos que pertenecen a este estilo todavía gótico. Las figuras están distribuidas en una línea aproximada a lo largo del frente del espacio de la imagen, "colocadas una al lado de la otra como perlas en una cuerda". Ahora se sabe que en el escenario para el que se diseñó la pintura, la parte inferior estaba a la altura de los ojos, o ligeramente por encima de ella, lo que explica en parte "el plano suavemente ascendente" en el que se encuentran las figuras.

Los pies de Venus son considerablemente más altos que los de los demás, lo que muestra que está detrás de ellos, pero está a la misma escala, si no más grande, que las otras figuras. La superposición de otras figuras por la espada de Mercury y las manos de Chloris muestra que están ligeramente por delante de Grace y Flora izquierdas respectivamente, lo que podría no ser obvio de otra manera, por ejemplo, desde sus pies. Se ha argumentado que las flores no se hacen más pequeñas en la parte posterior del espacio del cuadro, sin duda una característica de los tapices millefleur.

Los trajes de las figuras son versiones de la vestimenta de la Florencia contemporánea, aunque el tipo de "trajes cuasi teatrales diseñados para mascaradas del tipo que escribió Vasari fueron inventados por Lorenzo de 'Medici para festivales cívicos y torneos". La falta de una narrativa obvia puede estar relacionada con el mundo de los concursos y tableaux vivants , así como con las alegorías góticas típicamente estáticas.

Sentido

Las tres gracias

Se han establecido varias interpretaciones de las figuras, pero en general se acepta que, al menos en un nivel, la pintura es "una elaborada alegoría mitológica de la floreciente fertilidad del mundo". Se cree que Botticelli ayudó a idear la composición de la pintura y los significados que se pretendía que tuviera, ya que parece que la pintura refleja un conocimiento profundo de la literatura y la filosofía clásicas que es poco probable que Botticelli poseyera. Generalmente se piensa que Poliziano estuvo involucrado en esto, aunque también se ha mencionado a menudo a Marsilio Ficino , otro miembro del círculo de Lorenzo de 'Medici y una figura clave en el neoplatonismo renacentista .

Un aspecto de la pintura es una representación del progreso de la temporada de primavera, leyendo de derecha a izquierda. El viento de principios de primavera sopla sobre la tierra y produce crecimiento y flores, presidido por Venus, diosa de abril, con Mercurio a la izquierda, el dios del mes de mayo en un calendario romano temprano, ahuyentando las últimas nubes antes. verano. Además de ser parte de una secuencia a lo largo de la temporada, Mercury, al disipar las nubes, actúa como guardia del jardín, explicando en parte su vestimenta militar y su orientación hacia el exterior del espacio de la imagen. Un pasaje de Virgilio 's Eneida lo describe la limpieza de los cielos con su caduceo. Una visión neoplatónica más positiva de las nubes es que son "los velos benéficos a través de los cuales el esplendor de la verdad trascendente puede llegar al espectador sin destruirlo".

Venus preside el jardín, un campo de naranjos (símbolo de los Medici). También es el Jardín de las Hespérides del mito clásico, del que proceden las manzanas de oro utilizadas en el Juicio de París ; los griegos helenísticos habían decidido que se trataba de frutas cítricas , exóticas para ellos. Según Claudian , no se permitieron nubes allí. Venus se encuentra frente a las hojas oscuras de un arbusto de mirto . Según Hesíodo , Venus había nacido del mar después de que el semen de Urano cayera sobre las aguas. Al llegar a la orilla en un caparazón, había vestido su desnudez de mirto, por lo que la planta se convirtió en algo sagrado para ella. Venus aparece aquí en su carácter de diosa del matrimonio, vestida y con el cabello modestamente cubierto, como se esperaba que las mujeres casadas aparecieran en público.

Las Tres Gracias son hermanas y tradicionalmente acompañan a Venus. En el arte clásico (pero no en la literatura) normalmente están desnudos, y típicamente se quedan quietos mientras se toman de la mano, pero la representación aquí es muy cercana a una que adapta Séneca de Leon Battista Alberti en su De pictura (1435), que Botticelli ciertamente conocía. Desde la izquierda, Edgar Wind los identifica como Voluptas , Castitas y Pulchritudo (Placer, castidad y belleza), aunque se encuentran otros nombres en la mitología, y es notable que muchos escritores, incluidos Lightbown y los Ettlinger, se abstienen de nombrar a Botticelli. Gracias en absoluto.

Pallas y el centauro de Botticelli (1482) se ha propuesto como pieza complementaria de Primavera .

La flecha de Cupido está dirigida a la Gracia del medio, la castidad, según Wind, y el impacto del amor en la castidad, que lleva a un matrimonio, aparece en muchas interpretaciones. Chastity mira hacia Mercurio, y algunas interpretaciones, especialmente aquellas que identifican las figuras como modelos de individuos reales, ven a esta pareja como una que coincide con Chloris y Zephyrus en el otro lado de la pintura.

En otra interpretación, el amor carnal terrenal representado por Céfiro a la derecha es renunciado por la figura central de las Gracias, quien le ha dado la espalda a la escena, indiferente a la amenaza que le representa Cupido. Su atención se centra en Mercurio, quien mira más allá del lienzo lo que muchos creen colgado como pieza complementaria de Primavera : Pallas y el Centauro , en el que "el amor orientado hacia el conocimiento" (encarnado por Pallas Atenea ) resulta triunfante sobre la lujuria (simbolizada por el centauro ).

La identificación básica de las figuras está ahora ampliamente aceptada, pero en el pasado se han utilizado a veces otros nombres para las mujeres de la derecha, que son dos etapas de la misma persona en la interpretación habitual. La mujer del vestido de flores puede llamarse Primavera (una personificación de la primavera), siendo Flora la figura perseguida por Zephyrus. Un erudito sugirió en 2011 que la figura central no es Venus en absoluto, sino Perséfone .

Además de su significado manifiesto, la pintura ha sido interpretada como una ilustración del ideal de amor neoplatónico popularizado entre los Medicis y sus seguidores por Marsilio Ficino. Los filósofos neoplatónicos vieron a Venus gobernando tanto el amor terrenal como el divino y argumentaron que ella era el equivalente clásico de la Virgen María; a esto se alude por la forma en que está enmarcada en un escenario similar a un altar que es similar a las imágenes contemporáneas de la Virgen María. El gesto de bienvenida de Venus, probablemente dirigido al espectador, es el mismo que utilizó María al Arcángel Gabriel en las pinturas contemporáneas de la Anunciación .

Las alusiones agudas a los nombres de los Medici probablemente incluyen las bolas doradas de las naranjas, recordando las del escudo de armas de los Medici, los laureles a la derecha, ya sea para Lorenzo, y las llamas en el traje de ambos Mercurio (para quienes son un atributo regular ) y Venus, que también son un atributo de San Lorenzo (Lorenzo en italiano). Mercurio era el dios de la medicina y los "doctores", medici en italiano. Tales juegos de palabras para los Medici, y en Venus y Marte, los Vespucci, recorren todas las pinturas mitológicas de Botticelli.

Fuentes

De las muchísimas fuentes literarias que pueden haber influido en la pintura, la más clara fue la primera que señaló en los tiempos modernos Aby Warburg en 1893, en su disertación seminal sobre la pintura. El grupo de la derecha del cuadro se inspiró en una descripción del poeta romano Ovidio de la llegada de la primavera ( Fasti , Libro 5, 2 de mayo). En esto, la ninfa del bosque, Cloris, relata cómo sus encantos desnudos atrajeron el primer viento de la primavera, Céfiro. Zephyr la persiguió y cuando fue violada, flores brotaron de su boca y se transformó en Flora, diosa de las flores. En la obra de Ovidio se le dice al lector que "hasta entonces la tierra había sido de un solo color". Por el nombre de Chloris, se puede suponer que el color era verde (la palabra griega para verde es khloros , la raíz de palabras como clorofila ) y puede ser la razón por la que Botticeli pintó a Zephyr en tonos de verde azulado.

Otros elementos específicos pueden haber sido derivados de un poema de Poliziano . Como el poema de Poliziano, "Rusticus", se publicó en 1483 y se cree que la pintura se terminó alrededor de 1482, algunos estudiosos han argumentado que la influencia se invirtió, teniendo en cuenta que en general se cree que Poliziano ayudó a diseñar el alegoría en la pintura.

Otra inspiración para la pintura parece haber sido el poema de Lucrecio " De rerum natura ", que incluye las líneas, "La primavera y Venus vienen, y el niño de Venus, / El presagio alado, pisa antes, / Y con fuerza Las huellas de Zephyr Madre Flora, / Rociando los caminos delante de ellos, lo llena todo / Con colores y olores excelentes ".

Donde hay una plétora de fuentes literarias, la mayoría de ellas probablemente no conocidas directamente por Botticelli, o que le fueron presentadas por asesores, las fuentes visuales son un asunto diferente:

Pero, ¿de dónde, en el sentido visual más que en el literario, vino la visión? Ese es el misterio del genio. De sarcófagos antiguos, de algunas gemas y relieves, y quizás algunos fragmentos de cerámica de Aretine ; de aquellos dibujos de restos clásicos de artistas contemporáneos que circulaban en los talleres florentinos, como los libros de patrones de los arquitectos del siglo XVIII; A partir de un material tan escaso y mediocre, Botticelli ha creado una de las evocaciones de la belleza física más personales de todo el arte, las Tres Gracias de la Primavera . ( Kenneth Clark )

Historia

Mercurio puede haber sido modelado a partir de Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici , o posiblemente su primo Giuliano de' Medici .

El origen de la pintura no está claro. Botticelli estuvo ausente en Roma durante muchos meses en 1481/82, pintando en la Capilla Sixtina , y las fechas sugeridas son en los últimos años en su mayoría posteriores a esto, pero a veces aún antes. El pensamiento ha cambiado algo con la publicación en 1975 de un inventario de 1499 de la colección de Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici.

El inventario de 1499 lo registra colgado en el palacio de la ciudad de Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici y su hermano Giovanni "Il Popolano" . Eran los primos de Lorenzo de 'Medici ("Lorenzo il Magnifico"), quien era efectivamente el gobernante de Florencia, y después de la temprana muerte de su padre había estado bajo su tutela. Colgaba sobre una gran lechuga , un elaborado mueble que incluía una base elevada, un asiento y un tablero, probablemente rematado con una cornisa . La parte inferior de la pintura probablemente estaba a la altura de los ojos del espectador, por lo que es bastante más alta de lo que se cuelga hoy.

En la misma sala estaba el Pallas y el Centauro de Botticelli , y también un gran tondo con la Virgen y el Niño . El tondo ahora no está identificado, pero es un tipo de pintura especialmente asociado con Botticelli. Este recibió el valor más alto de las tres pinturas, con 180 liras. Un inventario adicional de 1503 registra que el Primavera tenía un gran marco blanco.

En la primera edición de su Vida de Botticelli , publicada en 1550, Giorgio Vasari dijo que había visto esta pintura, y el Nacimiento de Venus , colgados en el país de los Medici, Villa di Castello . Antes de que se conociera el inventario, generalmente se creía que ambas pinturas se hicieron para la villa, probablemente poco después de que fuera adquirida en 1477, ya sea por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco o tal vez entregadas por su primo mayor y tutor Lorenzo de 'Medici . Curiosamente, Vasari dice que ambas pinturas contenían desnudos femeninos, que no es estrictamente el caso aquí.

Chloris y Zephyrus

La mayoría de los estudiosos ahora relacionan la pintura con el matrimonio de Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici . Las pinturas y los muebles a menudo se regalaban en la celebración de bodas. El matrimonio fue el 19 de julio de 1482, pero se pospuso tras la muerte de la madre del mayor Lorenzo el 25 de marzo. Originalmente estaba planeado para mayo. Las fechas recientes tienden a preferir a principios de la década de 1480, después del regreso de Botticelli de Roma, lo que sugiere que se encargó directamente en relación con esta boda, una opinión que muchos apoyan.

Otra teoría más antigua, asumiendo una fecha temprana, sugiere que el mayor Lorenzo encargó el retrato para celebrar el nacimiento de su sobrino Giulio di Giuliano de 'Medici (quien más tarde se convirtió en Papa ), pero cambió de opinión después del asesinato del padre de Giulo, su hermano Giuliano. en 1478, que se completó en su lugar como regalo de bodas para Lorenzo di Pierfrancesco.

Con frecuencia se sugiere que Lorenzo di Pierfrancesco es el modelo de Mercurio en el retrato, y que su novia Semirande está representada como Flora (o Venus). En teorías más antiguas, ubicando la pintura en la década de 1470, se propuso que el modelo de Venus era Simonetta Vespucci , esposa de Marco Vespucci y, según la leyenda popular, la amante de Giuliano de 'Medici (quien a veces también se dice que fue el modelo para Mercurio); estas identificaciones dependen en gran medida de una fecha temprana, en la década de 1470, ya que ambos estaban muertos en 1478. Simonetta era la tía de Semirande, la novia de Lorenzo. Resumiendo las muchas interpretaciones de la pintura, Leopold Ettlinger incluye "descender a lo lúdico: una pantomima wagneriana representada en memoria del asesinado Giuliano de 'Medici y su amada Simonetta Vespucci con las nornas germánicas disfrazadas de las gracias mediterráneas".

Siempre que esta pintura y el nacimiento de Venus se unieron en Castello, han permanecido juntos desde entonces. Permanecieron en Castello hasta 1815, cuando fueron trasladados a los Uffizi. Durante algunos años, hasta 1919, se guardaron en la Galleria dell'Accademia , otro museo gubernamental de Florencia. Desde 1919 está colgado en la Galería Uffizi de Florencia. Durante la campaña italiana de la Segunda Guerra Mundial, la imagen se trasladó al castillo de Montegufoni a unas diez millas al suroeste de Florencia para protegerla de los bombardeos de la guerra.

Fue devuelto a la Galería Uffizi donde permanece hasta nuestros días. En 1978, la pintura fue restaurada . El trabajo se ha oscurecido considerablemente con el paso del tiempo.

  • Flora , la diosa de las flores y la temporada de primavera.

  • Detalle del vestido de Flora.

Notas

Referencias

  • Lucrecio. Sobre la naturaleza de las cosas , William Ellery Leonard, trnsl. en el Proyecto Gutenberg
  • Snow-Smith, Joanne (1993). La Primavera de Sandro Botticelli: una interpretación neoplatónica . Editores Académicos Internacionales Peter Lang. ISBN 978-0820417363.
  • Steinmann, Ernst (1901). Botticelli . Velhagen y Klasing. pag. 78 . Consultado el 16 de julio de 2010 .
  • Vasari , seleccionado y ed. George Bull, Artists of the Renaissance , Penguin 1965 (números de página de BCA edn, 1979). Vasari Life en línea (en una traducción diferente)
  • Viento, Edgar , Misterios paganos en el Renacimiento , edición de 1967, Peregrine Books

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