Arte persa - Persian art

Arte persa
Relieves rupestres de la dinastía Qajar en Tangeh Savashi , de la era Fath Ali Shah , c. 1800, un renacimiento de un antiguo tipo persa.
La mitad de una "alfombra de salazón", safávida, en lana, seda e hilo de metal, hacia 1600

El arte persa o el arte iraní ( persa : هنر ایرانی) tiene una de las herencias artísticas más ricas de la historia mundial y ha sido fuerte en muchos medios, incluida la arquitectura , la pintura , el tejido , la cerámica , la caligrafía , la metalurgia y la escultura . En diferentes épocas, las influencias del arte de las civilizaciones vecinas han sido muy importantes y, últimamente, el arte persa dio y recibió importantes influencias como parte de los estilos más amplios del arte islámico . Este artículo cubre el arte de Persia hasta 1925 y el final de la dinastía Qajar ; para el arte posterior, vea el arte moderno y contemporáneo iraní , y para la artesanía tradicional, vea las artes de Irán . El arte rupestre en Irán es su arte sobreviviente más antiguo. La arquitectura iraní está cubierta en ese artículo.

Desde el Imperio aqueménida de 550 a. C.-330 a. C. durante la mayor parte del tiempo, un gran estado de habla iraní ha gobernado áreas similares a las fronteras modernas de Irán y, a menudo, áreas mucho más amplias, a veces llamadas Gran Irán , donde se produjo un proceso de perianización cultural. dejó resultados duraderos incluso cuando el gobierno se separó. Las cortes de las sucesivas dinastías generalmente han liderado el estilo del arte persa, y el arte patrocinado por la corte ha dejado muchas de las supervivencias más impresionantes.

En la antigüedad, los monumentos supervivientes del arte persa son notables por una tradición que se concentra en la figura humana (en su mayoría masculina y, a menudo, real) y los animales. El arte persa continuó poniendo mayor énfasis en las figuras que el arte islámico de otras áreas, aunque por razones religiosas ahora generalmente se evitan los grandes ejemplos, especialmente en la escultura. El estilo islámico general de decoración densa, geométricamente distribuida, se desarrolló en Persia en un estilo sumamente elegante y armonioso que combinaba motivos derivados de plantas con motivos chinos como la banda de nubes y, a menudo, animales que están representados en una escala mucho menor que la elementos vegetales que los rodean. Durante la dinastía safávida en el siglo XVI, este estilo se utilizó en una amplia variedad de medios y se difundió entre los artistas de la corte del sha, la mayoría de los cuales eran principalmente pintores.

Arte temprano

Vasija de cerámica, cuarto milenio antes de Cristo

La evidencia de una civilización de cerámica pintada alrededor de Susa se remonta al 5000 a. C. Susa estaba firmemente dentro de la esfera cultural sumeria Uruk durante el período Uruk . En Susa se encuentra una imitación de todo el aparato estatal de Uruk, protoescritura , sellos cilíndricos con motivos sumerios y arquitectura monumental. Susa pudo haber sido una colonia de Uruk. Como tal, la periodización de Susa corresponde a Uruk; Los períodos Susa II temprano, medio y tardío (3800-3100 a. C.) corresponden a los períodos Uruk temprano, medio y tardío.

Poco después de que Susa se asentara por primera vez hace 6000 años, sus habitantes erigieron un templo en una plataforma monumental que se elevaba sobre el paisaje llano circundante. La naturaleza excepcional del sitio aún se reconoce hoy en el arte de las vasijas de cerámica que se colocaron como ofrendas en mil o más tumbas cerca de la base de la plataforma del templo. Se recuperaron casi dos mil vasijas del cementerio, la mayoría de ellas ahora en el Louvre . Las vasijas encontradas son testimonio elocuente de los logros artísticos y técnicos de sus creadores, y contienen pistas sobre la organización de la sociedad que las encargó. Las vasijas de cerámica pintadas de Susa en el primer estilo más antiguo son una versión regional tardía de la tradición cerámica Ubaid mesopotámica que se extendió por el Cercano Oriente durante el quinto milenio antes de Cristo.

El relieve rocoso de Anubanini , alrededor del 2300 a. C.

El estilo Susa I fue en gran medida un producto del pasado y de las influencias de las industrias cerámicas contemporáneas en las montañas del oeste de Irán. La recurrencia en estrecha asociación de recipientes de tres tipos (una copa o vaso de precipitados, un plato para servir y un frasco pequeño) implica el consumo de tres tipos de alimentos, aparentemente considerados tan necesarios para la vida en el más allá como en el más allá. Éste. Las cerámicas de estas formas, que fueron pintadas, constituyen una gran proporción de las vasijas del cementerio. Otros son tinajas y cuencos tipo plato de cocina con simples bandas pintadas y probablemente fueron el ajuar funerario de los ciudadanos más humildes, así como de los adolescentes y, tal vez, de los niños. La cerámica está cuidadosamente hecha a mano. Aunque se pudo haber empleado una rueda lenta, la asimetría de las vasijas y la irregularidad del trazado de las líneas y bandas circundantes indican que la mayor parte del trabajo se hizo a mano alzada.

Relieves de roca de Lullubi

Los relieves rupestres del reino montañoso de Lullubi , especialmente el relieve rupestre de Anubanini , son relieves rupestres de alrededor del 2300 a. C. o principios del segundo milenio a. C., los primeros relieves rupestres de Irán. Están ubicados en la provincia de Kermanshah . Se cree que estos relieves influyeron en los relieves Achaemenid Behistun posteriores , aproximadamente un milenio y medio después.

Elam

El arte elamita , del sur y el oeste del Irán moderno, compartía muchas características con el arte vecino de Mesopotamia , aunque a menudo era menos sofisticado. Se encuentran sellos cilíndricos , pequeñas figuras de adoradores, dioses y animales, relieves superficiales y algunas grandes estatuas de gobernantes. Hay un pequeño número de vasijas de oro muy finas con figuras en relieve.

Bronces de Luristan

Carrillera de mordida de caballo con motivo del " Amo de los animales ", alrededor del 700 a. C.

Los bronces de Luristan (raramente "Lorestān", "Lorestāni", etc. en fuentes en inglés) son pequeños objetos fundidos decorados con esculturas de bronce de la Edad del Hierro Temprana que se han encontrado en grandes cantidades en la provincia de Lorestān y Kermanshah en el centro-oeste de Irán . Incluyen una gran cantidad de adornos, herramientas, armas, herrajes para caballos y un número menor de vasijas, incluidas las situlae , y las que se encuentran en las excavaciones registradas se encuentran generalmente en los entierros. El origen étnico de las personas que los crearon sigue sin estar claro, aunque es posible que hayan sido persas , posiblemente relacionados con los Lur modernos que han dado su nombre a la zona. Probablemente datan de entre 1000 y 650 a. C.

Los bronces tienden a ser planos y usan calados , como el trabajo en metal relacionado con el arte escita . Representan el arte de un pueblo nómada o trashumante , para quien todas las posesiones debían ser ligeras y portátiles, y los objetos necesarios como armas, remates (quizás para los postes de las tiendas), herrajes para arneses de caballos, alfileres, tazas y pequeños herrajes son muy decorado en su pequeña superficie. Las representaciones de animales son comunes, especialmente cabras u ovejas con grandes cuernos, y las formas y estilos son distintivos e inventivos. El motivo del " Amo de los animales ", que muestra a un humano posicionado entre dos animales enfrentados y agarrándolos , es común pero típicamente muy estilizado. Se ven algunas hembras "dueñas de animales".

El tesoro de Ziwiye de aproximadamente 700 a. C. es una colección de objetos, en su mayoría de metal, quizás no todos de hecho encontrados juntos, de aproximadamente la misma fecha, probablemente mostrando el arte de las ciudades persas de la época. En Hasanlu se han encontrado delicadas piezas de metal de la época de la Edad del Hierro II y aún antes en Marlik .

Aqueménidas

Colosal cabeza de toro de piedra caliza restaurada capitel persa de Persépolis , aqueménida , 486-425 a. C.

El arte aqueménida incluye frisos en relieve, trabajos en metal, decoración de palacios, mampostería de ladrillo vidriado, artesanía fina (mampostería, carpintería, etc.) y jardinería. La mayoría de las supervivencias del arte de la corte son esculturas monumentales, sobre todo los relieves , capiteles de columnas persas con dos cabezas de animales y otras esculturas de Persépolis (ver más abajo los pocos pero impresionantes relieves de roca aqueménida).

Aunque los persas tomaron artistas, con sus estilos y técnicas, de todos los rincones de su imperio, produjeron no simplemente una combinación de estilos, sino una síntesis de un nuevo estilo persa único. De hecho, Ciro el Grande tenía una extensa herencia iraní antigua a sus espaldas; el rico trabajo en oro aqueménida, que las inscripciones sugieren que pudo haber sido una especialidad de los medos, estaba, por ejemplo, en la tradición de sitios anteriores.

El vaso de ritón , que tiene forma de cuerno y suele terminar en forma de animal, es el tipo de trabajo de metal grande más común que ha sobrevivido, como en un buen ejemplo en Nueva York . Hay una serie de pequeñas piezas de joyería muy finas o incrustaciones en metales preciosos, en su mayoría con animales, y el Tesoro de Oxus tiene una amplia selección de tipos. La élite cosía piezas pequeñas, típicamente en oro, a la ropa, y han sobrevivido varios torques de oro .

Relieves de roca

El triunfo de Sapor I sobre el emperador romano Valeriano y Felipe el árabe , Naqsh-e Rustam .
Taq Bostan ; el "caballero" es probablemente Khosrow Parviz montado en Shabdiz

El gran relieve de roca tallada , generalmente colocado en lo alto de un camino y cerca de una fuente de agua, es un medio común en el arte persa, que se usa principalmente para glorificar al rey y proclamar el control persa sobre el territorio. Comienza con relieves de roca de Lullubi y Elamite , como los de Sarpol-e Zahab (alrededor de 2000 aC), Kul-e Farah y Eshkaft-e Salman en el suroeste de Irán, y continúa bajo los asirios. El relieve y la inscripción de Behistun , realizados alrededor del año 500 a. C. para Darío el Grande , están en una escala mucho mayor, y reflejan y proclaman el poder del imperio aqueménida . Los gobernantes persas generalmente se jactaban de su poder y logros, hasta que la conquista musulmana eliminó las imágenes de tales monumentos; mucho más tarde hubo un pequeño renacimiento bajo la dinastía Qajar .

Behistun es inusual por tener una inscripción grande e importante, que como la piedra de Rosetta egipcia repite su texto en tres idiomas diferentes, aquí todos usando escritura cuneiforme : persa antiguo, elamita y babilónico (una forma posterior de acadio ). Esto fue importante en la comprensión moderna de estos idiomas. Otros relieves persas generalmente carecen de inscripciones, y los reyes involucrados a menudo solo pueden identificarse tentativamente. El problema se ve ayudado en el caso de los sasánidas por su costumbre de mostrar un estilo diferente de corona para cada rey, que se puede identificar a partir de sus monedas.

Naqsh-e Rustam es la necrópolis de la dinastía aqueménida (500-330 a. C.), con cuatro grandes tumbas excavadas en lo alto del acantilado. Estos tienen decoración principalmente arquitectónica, pero las fachadas incluyen grandes paneles sobre los portales, cada uno de contenido muy similar, con figuras del rey investidas por un dios, sobre una zona con filas de figuras más pequeñas que rinden tributo, con soldados y oficiales. Las tres clases de figuras están marcadamente diferenciadas en tamaño. La entrada a cada tumba está en el centro de cada cruz, que se abre a una pequeña cámara, donde el rey yacía en un sarcófago . Se cree que la viga horizontal de cada una de las fachadas de la tumba es una réplica de la entrada del palacio de Persépolis .

Solo uno tiene inscripciones y la comparación de los otros reyes con las tumbas es algo especulativa; las figuras en relieve no pretenden ser retratos individualizados. El tercero desde la izquierda, identificado por una inscripción, es la tumba de Darío I el Grande ( c. 522-486 a. C.). Se cree que los otros tres son los de Jerjes I ( hacia 486-465 aC), Artajerjes I ( hacia 465-424 aC) y Darío II ( hacia 423-404 aC), respectivamente. Un quinto inacabado podría ser el de Artajerjes III, que reinó durante los dos años más largos, pero es más probable el de Darío III ( c. 336-330 a. C.), último de los dinastías aqueménidas. Las tumbas fueron saqueadas tras la conquista del Imperio aqueménida por Alejandro Magno .

Muy por debajo de las tumbas aqueménidas, cerca del nivel del suelo, hay relieves de roca con grandes figuras de reyes sasánidas , algunos reuniéndose con dioses, otros en combate. El más famoso muestra al rey sasánida Shapur I a caballo, con el emperador romano Valeriano inclinándose ante él en sumisión, y Felipe el Árabe (un emperador anterior que pagó tributo a Shapur) sosteniendo el caballo de Shapur, mientras que el emperador Gordiano III muerto, asesinado en batalla. , se encuentra debajo de él (se han sugerido otras identificaciones). Esto conmemora la batalla de Edesa en el 260 d.C., cuando Valeriano se convirtió en el único emperador romano que fue capturado como prisionero de guerra, una humillación duradera para los romanos. La colocación de estos relieves sugiere claramente la intención sasánida de vincularse con las glorias del antiguo Imperio aqueménida . Hay otras tres tumbas reales aqueménidas con relieves similares en Persépolis , una sin terminar.

Los siete relieves sasánidas, cuyas fechas aproximadas van del 225 al 310 d.C., muestran temas que incluyen escenas de investidura y batallas. El primer relieve en el sitio es Elamite , de aproximadamente 1000 a. C. Aproximadamente a un kilómetro de distancia se encuentra Naqsh-e Rajab , con otros cuatro relieves de roca de Sasán, tres reyes celebrando y uno un sumo sacerdote. Otro sitio importante de Sasán es Taq Bostan con varios relieves que incluyen dos investiduras reales y una famosa figura de un catafracto o jinete pesado persa, aproximadamente el doble de su tamaño natural, probablemente representando al rey Khosrow Parviz montado en su caballo favorito Shabdiz ; la pareja continuó celebrándose en la literatura persa posterior. Firuzabad, Fars y Bishapur tienen grupos de relieves sasánidas, el primero incluido el más antiguo, una gran escena de batalla, ahora muy desgastada. En Barm-e Delak, un rey ofrece una flor a su reina.

Los relieves sasánidas se concentran en los primeros 80 años de la dinastía, aunque un conjunto importante es del siglo VI y en relativamente pocos sitios, principalmente en el corazón de Sasán. Los últimos en particular sugieren que se basan en una tradición ahora perdida de relieves similares en palacios en estuco . Los relieves de roca probablemente estaban cubiertos de yeso y pintados.

Los relieves rupestres de los sélucidas y partos persas precedentes son generalmente más pequeños y toscos, y no todos son encargos reales directos como claramente lo fueron los sasánidas. En Behistun, un relieve anterior que incluía un león se adaptó a un Heracles reclinado en un estilo completamente helenístico ; se reclina sobre una piel de león. Esto solo se descubrió debajo de los escombros hace relativamente poco tiempo; una inscripción lo remonta al 148 a. C. Otros relieves en Irán incluyen el rey asirio en relieve superficial en Shikaft-e Gulgul ; no todos los sitios con relieves persas se encuentran en el Irán moderno. Al igual que otros estilos sasánidas, la forma disfrutó de un pequeño resurgimiento bajo el Qajar, cuyos relieves incluyen un panel grande y animado que muestra la caza en el coto de caza real de Tangeh Savashi , y un panel, todavía en gran parte con su colorido intacto, en Taq Bostan que muestra el sha sentado con los asistentes.

El catálogo estándar de relieves persas preislámicos enumera los ejemplos conocidos (como en 1984) de la siguiente manera: Lullubi # 1-4; Elam # 5-19; Asirio # 20-21; Achaemenid # 22-30; Tardío / pos-aqueménida y seléucida # 31–35; Parthian # 36-49; Sasánida # 50-84; otros # 85–88.

Panorama de Naqsh-e Rustam . Tumbas aqueménidas arriba, relieves sasánidas abajo. Las tumbas, de izquierda a derecha, probablemente pertenezcan a: Darío II , Artajerjes I , Darío I , Jerjes I

Partos

Estatua de bronce de un noble parto del santuario de Shami en Elymais

El arte de los partos fue una mezcla de estilos iraní y helenístico . El Imperio parto existió desde el 247 a. C. hasta el 224 d. C. en lo que ahora es el Gran Irán y varios territorios fuera de él. Los lugares partos a menudo se pasan por alto en las excavaciones, y las capas partas son difíciles de distinguir de las que las rodean. Por tanto, la situación de la investigación y el estado de los conocimientos sobre el arte parto sigue siendo muy desigual; la datación es difícil y los restos más importantes provienen de los márgenes del imperio, como en Hatra en el actual Irak , que ha producido la mayor cantidad de escultura parta excavada hasta el momento. Incluso después del período de la dinastía de los partos, el arte en su estilo continuó en las áreas circundantes durante algún tiempo. Incluso en las representaciones narrativas, las figuras miran frontalmente al espectador en lugar de las unas a las otras, una característica que anticipa el arte de la Antigüedad tardía , la Europa medieval y Bizancio . Se presta mucha atención a los detalles de la vestimenta, que en figuras de cuerpo entero se muestran decoradas con diseños elaborados, probablemente bordados, incluyendo figuras de gran tamaño.

Las excavaciones de Dura-Europos en el siglo XX proporcionaron muchos descubrimientos nuevos. El arqueólogo clásico y director de las excavaciones, Michael Rostovtzeff , se dio cuenta de que el arte de los primeros siglos d.C., Palmira , Dura Europos , pero también en Irán hasta la India budista, seguía los mismos principios. Llamó a esta obra de arte arte parto .

El rasgo más característico del arte "parto" es la frontalidad, que no es un rasgo especial del arte iraní o parto y apareció por primera vez en el arte de Palmira . Existen dudas sobre si este arte puede denominarse arte "parto" o si debe asociarse con algún área regional en particular; No hay evidencia de que este arte se haya creado fuera de la región del Eufrates medio y luego se haya llevado a Palmira, por ejemplo. Este arte se considera mejor como un desarrollo local común a la región del Eufrates medio. Los relieves de roca parta se cubren arriba.

En arquitectura, los patrones en yeso eran muy populares, casi todos ahora perdidos. Una vez que se desarrolló la técnica, estos cubrieron grandes superficies y quizás compartieron elementos de su diseño con alfombras y otros textiles, también ahora casi completamente perdidos. Rhyta parto continuó el estilo aqueménida, pero en el mejor de los casos los animales en el terminal (o protoma ) son más naturalistas, probablemente bajo influencia griega.

Sasánidas

La colosal estatua de Shapur I , r. 240-272 d. C.

Arte sasánida , o el arte sasánida, se producen bajo el Imperio sasánida que gobernó desde el 3 al 7 de siglos dC, antes de la conquista musulmana de Persia se completó alrededor de 651. En 224 dC, el último de los partos rey fue derrotado por Ardashir I . La dinastía Sasánida resultante duraría cuatrocientos años, gobernando el Irán moderno, Irak y gran parte del territorio al este y al norte del Irán moderno. En ocasiones, el Levante, gran parte de Anatolia y partes de Egipto y Arabia estaban bajo su control. Comenzó una nueva era en Irán y Mesopotamia , que en muchos sentidos se basó en las tradiciones aqueménidas , incluido el arte de la época. Sin embargo, también hubo otras influencias en el arte de la época que llegaron hasta China y el Mediterráneo.

El arte sobreviviente de los sasánidas se ve mejor en su arquitectura, relieves y trabajos en metal, y hay algunas pinturas sobrevivientes de lo que evidentemente fue una producción generalizada. Los relieves en piedra probablemente fueron superados en número por los interiores en yeso, de los que solo se han conservado fragmentos. Las esculturas independientes perdieron popularidad en este tiempo en comparación con el período bajo los partos, pero la Colosal Estatua de Sapor I (r. 240-272 dC) es una excepción importante, tallada en una estalagmita cultivada en una cueva; hay menciones literarias de otras colosales estatuas de reyes, ahora perdidas. Los importantes relieves de roca de Sasán se cubren arriba, y la tradición de los partos de decoración de estuco moldeado para los edificios continuó, incluyendo también grandes escenas figurativas.

Plato de plata, siglo VI
Decoración sasánida en la parte inferior de una vasija de plata, siglo VII.

El arte sasánida sobreviviente representa escenas cortesanas y caballerescas, con una considerable grandeza de estilo, que refleja la vida lujosa y la exhibición de la corte sasánida registrada por los embajadores bizantinos. Imágenes de gobernantes dominan muchos de los trabajos de la supervivencia, aunque ninguno es tan grande como la colosal estatua de Shapur I . Las escenas de caza y batalla gozaron de una popularidad especial, y las bailarinas y animadores vestidos con ropa liviana. Las representaciones a menudo se organizan como un escudo de armas, lo que a su vez puede haber tenido una fuerte influencia en la producción de arte en Europa y Asia Oriental. Aunque el arte parto prefirió la vista frontal, las representaciones narrativas del arte sasánida a menudo presentan figuras que se muestran en el perfil o en una vista de tres cuartos. Las vistas frontales ocurren con menos frecuencia.

Uno de los pocos sitios donde las pinturas murales sobrevivieron en cantidad es Panjakent en la actual Tayikistán , y la antigua Sogdia , que apenas estaba, si es que estaba, bajo el control del poder central sasánida. La ciudad vieja fue abandonada en las décadas posteriores a que los musulmanes finalmente tomaran la ciudad en 722 y ha sido extensamente excavada en los tiempos modernos. Grandes áreas de pinturas murales sobrevivieron del palacio y las casas privadas, que en su mayoría se encuentran ahora en el Museo del Hermitage o Tashkent . Cubrieron estancias enteras y fueron acompañadas de gran cantidad de relieves en madera. Los temas son similares a otros arte sasánidas, con reyes entronizados, fiestas, batallas y mujeres hermosas, y hay ilustraciones de epopeyas persas e indias, así como una compleja mezcla de deidades. En su mayoría datan de los siglos VII y VIII. En Bishapur han sobrevivido mosaicos de piso en un estilo ampliamente grecorromano, y estos probablemente estaban muy extendidos en otros entornos de élite, tal vez hechos por artesanos del mundo griego.

Han sobrevivido varias vasijas de plata sasánidas, especialmente platos o cuencos bastante grandes que se utilizan para servir comida. Estos tienen una decoración grabada o en relieve de alta calidad de un repertorio cortesano de reyes o héroes montados, y escenas de caza, combate y banquete, a menudo parcialmente doradas . Ewers, presumiblemente para vino, puede presentar bailarinas en relieve. Estos se exportaron a China y también al oeste.

El vidrio de Sasán continuó y desarrolló la tecnología del vidrio romano. En formas más simples, parece haber estado disponible para una amplia gama de la población, y fue una exportación de lujo popular a Bizancio y China, incluso apareciendo en entierros de élite del período en Japón. Técnicamente, se trata de una producción de vidrio de sílice-soda-cal caracterizada por vasijas gruesas sopladas de vidrio relativamente sobrias en la decoración, evitando los colores lisos en favor de la transparencia y con vasijas trabajadas en una sola pieza sin enmiendas demasiado elaboradas. Así, la decoración suele consistir en motivos sólidos y visuales del molde (relieves), con facetas acanaladas y profundamente cortadas, aunque se practicaban otras técnicas como los motivos de arrastre y aplicados. La cerámica sasánida no parece haber sido utilizada por las élites, y es principalmente utilitaria.

Evidentemente, las alfombras podrían alcanzar un alto nivel de sofisticación, como lo demuestran los elogios prodigados por los conquistadores musulmanes sobre la alfombra real Baharestan perdida . Pero los únicos fragmentos sobrevivientes que podrían tener su origen en Sasanid Persia son producciones más humildes, probablemente hechas por tribus nómadas. Los textiles sasánidas eran famosos y han sobrevivido fragmentos, en su mayoría con diseños basados ​​en animales en compartimentos, con un estilo duradero.

Sogdianos

El arte sogdiano se refiere al arte, la arquitectura y las formas artísticas producidas por los sogdianos, un pueblo iraní que vivía principalmente en Sogdia , pero que también tenía una gran diáspora esparcida por Asia, especialmente en China, donde su arte era muy apreciado e influenciado. el chino. Esta influencia sobre los chinos varió desde la metalurgia hasta la música. Hoy en día, los sogdianos son más conocidos por sus pinturas, pero también tenían una escultura y una arquitectura distintivas. Los sogdianos eran especialmente talentosos en el trabajo de los metales, y su trabajo en este campo inspiró a los chinos, que estaban entre sus patrocinadores junto con los turcos. El trabajo en metal de Sogdian puede confundirse con el trabajo en metal de Sasán, y algunos estudiosos todavía los confunden hoy en día. Sin embargo, se diferencian en técnica y forma, así como en iconografía. Gracias al trabajo del arqueólogo Boris Marshak , se han establecido varias características de la orfebrería sogdiana: con respecto a las vasijas sasánidas, las producciones sogdianas son menos masivas, su forma difiere de la sasánida, al igual que las técnicas empleadas en su producción. Además, los diseños de las producciones sogdianas son más dinámicos.

Los sogdianos vivían en moradas arquitectónicamente complejas que se parecían a sus templos. Estos lugares estaban decorados con pinturas notables, un arte en el que sobresalieron los sogdianos. De hecho, prefirieron producir pinturas y tallas de madera para decorar sus propias casas. Las pinturas murales sogdianas son brillantes, vigorosas y de notable belleza, pero también hablan de la vida sogdiana. Reproducen, por ejemplo, el vestuario del día, el equipo de juego y el arnés. También representan historias y epopeyas basadas en temas iraníes, del Cercano Oriente (maniqueos, nestorianos) e indios. El arte religioso sogdiano refleja las afiliaciones religiosas de los sogdianos, y este conocimiento se deriva principalmente de pinturas y osarios . A través de estos artefactos, es posible "experimentar la vitalidad de la vida y la imaginación sogdianas".

Debido a que los artistas y mecenas sogdianos estaban muy atentos a la vida social, exhibiéndola en sus obras, los banquetes, la caza y el entretenimiento son recurrentes en sus representaciones. Los sogdianos eran narradores de historias: les encantaba contar historias. Por lo tanto, sus pinturas son de naturaleza narrativa.

Los sogdianos buscaron retratar tanto el mundo sobrenatural como el natural. Este deseo "se extendió a retratar su propio mundo". Sin embargo, no "representaron sus actividades mercantiles, una fuente importante de su riqueza, sino que eligieron mostrar su disfrute, como las escenas de banquetes en Panjikent. En estas pinturas vemos cómo los sogdianos se veían a sí mismos".

Muchas pinturas sogdianas fueron destruidas durante las diversas invasiones que sufrieron en su tierra. De las obras que sobrevivieron, algunas de las más conocidas son los murales de Afrasiab y los murales de Penjikent .

Período islámico temprano

Cuenco con inscripción cúfica , siglo X, 35,2 cm de ancho
Cuenca, Cobre con oro y plata, c. 1350-1400, Fars
Parte de un panel de cerámica del siglo XV de Samarcanda con fondo arabesco a una inscripción

Antes de la conquista de los mongoles

Persia logró mantener su identidad cultural después de la conquista musulmana de Persia , que se completó en 654, y los conquistadores árabes pronto abandonaron los intentos de imponer el idioma árabe a la población, aunque se convirtió en el idioma utilizado por los estudiosos. Los pueblos turcos se volvieron cada vez más importantes en el Gran Irán, especialmente en las partes orientales, lo que llevó a una tradición cultural turco-persa . La estructura política era compleja, con el poder efectivo a menudo ejercido por gobernantes locales.

Nishapur durante la Edad de Oro islámica , especialmente los siglos IX y X, fue uno de los grandes centros de alfarería y artes afines. La mayoría de los artefactos de cerámica descubiertos en Nishapur se conservan en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York y en los museos de Teherán y Mashhad . La cerámica producida en Nishapur mostró vínculos con el arte sasánida y el arte de Asia Central .

La decoración arquitectónica geométrica islámica en estuco, baldosas, ladrillo y madera y piedra talladas se volvió elaborada y refinada, y junto con los textiles usados ​​por los ricos fue probablemente el principal tipo de arte que pudo ser visto por toda la población, con otros tipos esencialmente restringidos a las esferas privadas de los ricos. Las alfombras se registran en varios relatos de la vida en ese momento, pero no queda ninguna; quizás eran principalmente un arte popular rural en este período. Se produjo una orfebrería muy decorada en aleaciones de cobre ( latón o bronce ), aparentemente para un mercado urbano sofisticado. Al parecer, existían equivalentes de oro y plata, pero en su mayoría se han reciclado por sus materiales preciosos; las pocas supervivientes se intercambiaron principalmente en el norte por pieles y luego se enterraron como ajuar funerario en Siberia . La iconografía sasánida de héroes montados, escenas de caza y gobernantes sentados con asistentes siguió siendo popular en cerámica y trabajo en metal, ahora a menudo rodeada de elaborada decoración geométrica y caligráfica. Los ricos textiles de seda que fueron una exportación importante de Persia también continuaron utilizando las figuras animales, y a veces humanas, de sus predecesores sasánidas.

El período Samanid vio la creación de cerámica epigráfica. Estas piezas eran típicamente vasijas de barro con letras de engobe negro en escritura Kufi pintadas sobre una base de engobe blanco. Estos vasos típicamente estarían inscritos con bendiciones o proverbios y se usarían para servir comida. Samarqand y Nishapur fueron ambos centros de producción de este tipo de cerámica.

Los selyúcidas , nómadas de origen turco de la actual Mongolia, aparecieron en el escenario de la historia islámica hacia finales del siglo X. Se apoderaron de Bagdad en 1048, antes de desaparecer en 1194 en Irán, aunque la producción de obras "Seljuq" continuó hasta finales del siglo XII y principios del XIII bajo los auspicios de soberanos y mecenas más pequeños e independientes. Durante su tiempo, el centro de la cultura, la política y la producción artística se trasladó de Damasco y Bagdad a Merv , Nishapur , Rayy e Isfahan , todos en Irán. Los centros del palacio selyúcida a menudo presentaban figuras de estuco selyúcidas .

El mecenazgo popular se expandió debido a una economía en crecimiento y una nueva riqueza urbana. Las inscripciones en arquitectura tendían a centrarse más en los patrocinadores de la pieza. Por ejemplo, los sultanes, visires o funcionarios de menor rango recibirían menciones frecuentes en las inscripciones de las mezquitas. Mientras tanto, el crecimiento en la producción y venta de arte en el mercado masivo lo hizo más común y accesible para comerciantes y profesionales. Debido al aumento de la producción, han sobrevivido muchas reliquias de la era selyúcida y se pueden fechar fácilmente. Por el contrario, la datación de obras anteriores es más ambigua. Por lo tanto, es fácil confundir el arte selyúcida con nuevos desarrollos en lugar de una herencia de las fuentes clásicas iraníes y turcas.

Las innovaciones en la cerámica de este período incluyen la producción de cerámica mina'i , pintada en esmaltes con figuras sobre un fondo blanco. Esta es la cerámica más antigua del mundo en utilizar pintura de esmalte sobrecruzado , que solo comenzó en China un poco más tarde y en Europa en el siglo XVIII. Este y otros tipos de cerámica fina utilizan fritware , una pasta a base de silicona , en lugar de arcilla. Los trabajadores metalúrgicos destacaron sus intrincados diseños martillados con incrustaciones de metales preciosos. A lo largo de la era selyúcida, desde Irán hasta Irak, se puede ver una unificación de la pintura de libros. Estas pinturas tienen figuras animales que transmiten un fuerte significado simbólico de fidelidad, traición y coraje.

Los persas adoptaron gradualmente las escrituras árabes después de la conquista, y la caligrafía persa se convirtió en un medio artístico importante, a menudo utilizado como parte de la decoración de otras obras en la mayoría de los medios.

Ilkhanids

Durante el siglo XIII, los mongoles bajo el liderazgo de Genghis Khan arrasaron el mundo islámico. Después de su muerte, su imperio se dividió entre sus hijos, formando muchas dinastías: el Yuan en China, los Ilkhanids en Irán y la Horda Dorada en el norte de Irán y el sur de Rusia, las dos últimas convirtiéndose al Islam en unas pocas décadas.

Una rica civilización se desarrolló bajo estos "pequeños khans", que originalmente estaban subordinados al emperador Yuan, pero que rápidamente se independizaron. La actividad arquitectónica se intensificó a medida que los mongoles se volvieron sedentarios y conservaron rastros de sus orígenes nómadas, como la orientación norte-sur de los edificios. Al mismo tiempo se llevó a cabo un proceso de "iranización" y se retomó la construcción según los tipos previamente establecidos, como las mezquitas del "plan iraní". El arte del libro persa también nació bajo esta dinastía, y fue alentado por el patrocinio aristocrático de grandes manuscritos como el Jami 'al-tawarikh compilado por Rashid-al-Din Hamadani , y el Demotte o Gran Shahnameh mongol , probablemente encargado por su hijo. Aparecieron nuevas técnicas en cerámica, como la lajvardina (una variación de la cerámica lustre ), y la influencia china es perceptible en todas las artes.

Timúridos

Durante el reinado de los timúridas , comenzó la edad de oro de la pintura persa y la influencia china continuó, ya que los artistas timúridos refinaron el arte persa del libro, que combina papel, caligrafía, iluminación, ilustración y encuadernación en un todo brillante y colorido. Desde el principio se utilizó papel, en lugar de pergamino como en Europa. Fue la etnia mongol de los Chaghatayid y Timurid Khans la fuente de la representación estilística de la figura humana en el arte persa durante la Edad Media. Estos mismos mongoles se casaron con los persas y turcos de Asia Central, adoptando incluso su religión e idiomas. Sin embargo, su simple control del mundo en ese momento, particularmente en los siglos XIII y XV, se reflejó en la apariencia idealizada de los persas como mongoles. Aunque la composición étnica se mezcló gradualmente con las poblaciones locales iraníes y mesopotámicas , el estilo mongol continuó mucho después y cruzó a Asia Menor e incluso al norte de África.

Alfombras

Detalle de una alfombra animal persa, período safávida, siglo XVI

El tejido de alfombras es una parte esencial de la cultura y el arte persa . Dentro del grupo de alfombras orientales producidas por los países del llamado "cinturón de alfombras", la alfombra persa se destaca por la variedad y elaboración de sus diseños.

Las tribus nómadas, los talleres de pueblos y ciudades, y las fábricas de la corte real tejían en paralelo alfombras persas de diversos tipos. Como tales, representan diferentes líneas de tradición simultáneas y reflejan la historia de Irán y sus diversos pueblos. Las alfombras tejidas en las fábricas de la corte safávida de Isfahán durante el siglo XVI son famosas por sus colores elaborados y su diseño artístico, y en la actualidad se encuentran atesoradas en museos y colecciones privadas de todo el mundo. Sus patrones y diseños han establecido una tradición artística para las fábricas de la corte que se mantuvo viva durante toda la duración del Imperio Persa hasta la última dinastía real de Irán. Las alfombras Safavid individuales excepcionales incluyen Ardabil Carpet (ahora en Londres y Los Ángeles) y Coronation Carpet (ahora en Copenhague ). Mucho antes, la Alfombra Baharestan es una alfombra sasánida perdida para el palacio real de Ctesiphon , y la alfombra significativa más antigua, la Alfombra Pazyryk, posiblemente se hizo en Persia.

Las alfombras tejidas en ciudades y centros regionales como Tabriz , Kerman , Mashhad , Kashan , Isfahan , Nain y Qom se caracterizan por sus técnicas de tejido específicas y el uso de materiales, colores y patrones de alta calidad. Las fábricas de la ciudad como las de Tabriz han desempeñado un papel histórico importante en la reactivación de la tradición del tejido de alfombras después de períodos de declive. Las alfombras tejidas por los pueblos y varias tribus de Irán se distinguen por su lana fina, colores brillantes y elaborados y patrones tradicionales específicos. Los tejedores nómadas y de pueblos pequeños a menudo producen alfombras con diseños más atrevidos y, a veces, más toscos, que se consideran las alfombras más auténticas y tradicionales de Persia, a diferencia de los diseños artísticos y planificados previamente de los lugares de trabajo más grandes. Las alfombras Gabbeh son el tipo de alfombra más conocido de esta línea de tradición.

La alfombra de caza hecha por Ghyath ud-Din Jami. Lana, algodón y seda, 1542-3

El arte y la artesanía del tejido de alfombras ha pasado por períodos de declive durante tiempos de agitación política o bajo la influencia de demandas comerciales. Particularmente sufrió por la introducción de tintes sintéticos durante la segunda mitad del siglo XIX. El tejido de alfombras todavía juega un papel importante en la economía del Irán moderno. La producción moderna se caracteriza por el resurgimiento del teñido tradicional con tintes naturales , la reintroducción de los patrones tribales tradicionales, pero también por la invención de diseños modernos e innovadores, tejidos con la técnica centenaria. Las alfombras y tapices persas tejidas a mano fueron consideradas objetos de alto valor artístico y utilitario y prestigio desde la primera vez que fueron mencionadas por los escritores griegos antiguos, hasta la actualidad.

Aunque el término "alfombra persa" se refiere con mayor frecuencia a los tejidos de pelo, las alfombras de tejido plano y las alfombras como Kilim , Soumak y las telas bordadas como Suzani forman parte de la rica y variada tradición del tejido persa. Persia era famosa por sus textiles al menos desde sus inicios como por sus alfombras.

En 2010, las "habilidades tradicionales de tejido de alfombras" en Fārs y Kashan se inscribieron en las Listas del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO .

Miniatura persa

Behzad 's Consejo de la ascética (c. 1500-1550). Como en los manuscritos iluminados occidentales , los bordes exquisitamente decorados eran una parte integral de la obra de arte.

Una miniatura persa es una pequeña pintura sobre papel, ya sea una ilustración de un libro o una obra de arte separada destinada a guardarse en un álbum de tales obras llamado muraqqa . Las técnicas son ampliamente comparables a las tradiciones occidentales y bizantinas de miniaturas en manuscritos iluminados . Aunque existe una tradición persa más antigua de pintura mural, la tasa de supervivencia y el estado de conservación de las miniaturas es mejor, y las miniaturas son la forma más conocida de pintura persa en Occidente, y muchos de los ejemplos más importantes se encuentran en Occidente. , o museos turcos. La pintura en miniatura se convirtió en un género persa significativo en el siglo XIII, recibiendo la influencia china después de las conquistas mongolas , y el punto más alto de la tradición se alcanzó en los siglos XV y XVI. La tradición continuó, bajo alguna influencia occidental, después de esto, y tiene muchos exponentes modernos. La miniatura persa fue la influencia dominante en otras tradiciones islámicas en miniatura, principalmente la miniatura otomana en Turquía y la miniatura mogol en el subcontinente indio.

La tradición creció a partir de la ilustración de libros, ilustrando muchas escenas narrativas, a menudo con muchas figuras. Las convenciones de representación que se desarrollaron son efectivas pero diferentes de la perspectiva gráfica occidental . Las figuras más importantes pueden ser algo más grandes que las que las rodean, y las escenas de batalla pueden estar muy concurridas. La recesión (profundidad en el espacio de la imagen) se indica colocando figuras más distantes más arriba en el espacio. Se presta mucha atención al fondo, ya sea de un paisaje o de un edificio, y el detalle y la frescura con que se muestran las plantas y los animales, las telas de las carpas, los tapices o alfombras, o los patrones de los azulejos es uno de los grandes atractivos de la forma. La vestimenta de las figuras se muestra igualmente con gran cuidado, aunque los artistas, comprensiblemente, a menudo evitan representar la tela estampada que muchos habrían usado. Los animales, especialmente los caballos que aparecen con mucha frecuencia, se muestran en su mayoría de lado; incluso las historias de amor que constituyen gran parte del material clásico ilustrado se llevan a cabo en gran parte en la silla de montar, en lo que respecta al príncipe-protagonista. Los paisajes son muy a menudo montañosos (rara vez se intentan las llanuras que componen gran parte de Persia), lo que se indica por un horizonte ondulado alto y afloramientos de roca desnuda que, como las nubes en el área normalmente pequeña del cielo que queda sobre el paisaje, se representan en convenciones derivadas del arte chino. Incluso cuando se muestra una escena en un palacio, el punto de vista a menudo parece estar desde un punto a algunos metros en el aire.

El arte persa bajo el Islam nunca había prohibido por completo la figura humana, y en la tradición de las miniaturas, la representación de figuras, a menudo en grandes cantidades, es fundamental. Esto se debió en parte a que la miniatura es un formulario privado, guardado en un libro o álbum y solo se muestra a aquellos que el propietario elija. Por lo tanto, era posible ser más libre que en las pinturas murales u otras obras vistas por un público más amplio. El Corán y otras obras puramente religiosos no se sabe que se han ilustrado de esta manera, aunque las historias y otras obras de la literatura pueden incluir escenas religiosamente relacionados, incluyendo aquellos que representaban al profeta Mahoma , por lo general después de 1500 sin mostrar su rostro.

Además de las escenas figurativas en miniaturas y cenefas, existía un estilo paralelo de decoración ornamental no figurativa que se encontraba en cenefas y paneles en páginas en miniatura, y espacios al comienzo o al final de una obra o sección, y a menudo en su totalidad. páginas que actúan como frontispicios. En el arte islámico esto se conoce como "iluminación", y los manuscritos del Corán y otros libros religiosos a menudo incluían un número considerable de páginas iluminadas. Los diseños reflejaron el trabajo contemporáneo en otros medios, en períodos posteriores especialmente cercanos a las cubiertas de libros y las alfombras persas, y se cree que muchos diseños de alfombras fueron creados por artistas de la corte y enviados a los talleres de las provincias.

Safavids

Plato de influencia china decorado con dos granadas , v. 1500, Louvre

El arte safávida es el arte de la dinastía safawí persa desde 1501 hasta 1722. Fue un punto culminante para el arte del libro y la arquitectura; y también incluye cerámica, metal, vidrio y jardines. Las artes del período safávida muestran un desarrollo mucho más unitario que en cualquier otro período del arte persa, con el mismo estilo, difundido desde la corte, apareciendo en alfombras, azulejos arquitectónicos, cerámicas e iluminación de manuscritos.

Cuando los safávidas tomaron el trono, el arte persa se dividió en dos estilos: en el este, una continuación de los estilos timúridos, y en el oeste, un estilo turcomano . Dos gobernantes de la nueva dinastía lograron alentar nuevos estilos que se extendieron por todos sus territorios: Shah Tahmasp I , que reinó entre 1524 y 1576 pero perdió interés en el arte después de aproximadamente 1555, y Shah Abbas I (r. 1588-1629).

Los dibujos de imitación chinos surgieron en el arte persa del siglo XV. Los eruditos han notado que las obras existentes del período post-mongol contienen una abundancia de motivos comunes al arte chino como dragones, simurgh , bandas de nubes, troncos de árboles nudosos y flores de loto y peonía . Chinoiserie fue popular durante este período. Los temas que se habían convertido en estándar en el arte persa en los siglos XVI y XVII incluían escenas de caza, paisajes con animales y jinetes luchando contra leones. Las escenas literarias que representan fábulas de animales y dragones también aparecen en las obras de arte de este período. Los estudiosos no han encontrado evidencia de dibujo persa antes de las invasiones mongolas, pero se cree que la caza, el combate entre hombres y animales y las fábulas de animales son temas persas o de Asia central.

Artes del libro

Bajo los safávidas, el arte del libro, especialmente la pintura persa en miniatura , constituyó la fuerza impulsora esencial de las artes. El ketab khaneh , la biblioteca-taller real, proporcionó la mayoría de las fuentes de motivos para objetos como alfombras, cerámicas o metal. Se copiaron, iluminaron, encuadernaron y, en ocasiones, se ilustraron varios tipos de libros: libros religiosos - Corán , pero también comentarios sobre el texto sagrado y obras teológicas - y libros de literatura persa - Shahnameh , Nizami 's Khamsa , Jami al-Tawarikh de Rashid -al-Din Hamadani , y relatos más breves del Mi'raj , o "Viaje Nocturno" del Profeta.

Una señorita reclinada después de un baño , Herat 1590, una única miniatura para el mercado de muraqqa

Siempre se utilizó papel español musulmán que llegó temprano a Irán (siglo XIII). Hay un uso frecuente de papeles de colores. Hacia 1540 apareció también un papel jaspeado que, sin embargo, volvió a desaparecer rápidamente. La mayoría de las encuadernaciones eran de cuero marroquí tintado de muy buena calidad. Pueden estar dorados y estampados con motivos geométricos, florales o figurativos, o estampados en azul. En la segunda mitad del siglo XVI, perforaron las cubiertas de cuero para dejar ver las páginas de papel de colores o seda. En el mismo período, en Shiraz , aparecieron encuadernaciones lacadas, que siguen siendo, sin embargo, muy raras y muy valoradas en Irán. La decoración de los márgenes de las páginas se realizó de diversas formas: en ocasiones se insertaron en un papel diferente, (tradición que apareció en el siglo XV); salpicado de oro, siguiendo una costumbre china; o pintado con colores u oro. El estilo de las ilustraciones variaba mucho de un manuscrito a otro, según el período y el centro de producción.

Tahmasp I fue durante los primeros años de su reinado un generoso patrocinador del taller real, que fue responsable de varios de los manuscritos persas más magníficos, pero desde la década de 1540 se sintió cada vez más preocupado por los escrúpulos religiosos, hasta que en 1556 finalmente emitió un " Edicto de sincero arrepentimiento "que intenta prohibir la pintura en miniatura, la música y otras artes. Esto interrumpió enormemente las artes, con muchos pintores como Abd al-Samad y Mir Sayyid Ali mudándose a la India para desarrollar la miniatura de Mughal en su lugar; estos dos fueron los pioneros, perseguidos por el emperador mogol Humayun cuando estaba exiliado en 1546. Otros encontraron trabajo en los tribunales provinciales de las relaciones de Tahmasp.

A partir de esta dispersión del taller real, hubo un cambio en el énfasis de los grandes libros ilustrados para la corte a la producción de hojas sueltas diseñadas para ser puestas en un muraqqa o álbum. Esto permitió a los coleccionistas con presupuestos más modestos adquirir obras de pintores destacados. A finales de siglo, las escenas narrativas complicadas con muchas figuras eran menos populares, reemplazadas por láminas con figuras individuales, a menudo solo parcialmente pintadas y con un fondo de jardín dibujado en lugar de pintado. El maestro de este estilo fue Reza Abbasi, cuya carrera coincidió en gran medida con el reinado de Abbas I, su principal empleador. Aunque pintó figuras de ancianos, sus temas más comunes eran hermosos hombres jóvenes y (con menos frecuencia) mujeres o parejas de amantes.

Cerámica

Matraz, segunda mitad del siglo XVII

El estudio y la datación de la cerámica bajo Shah Ismail y Shah Tahmasp es difícil porque hay pocas piezas que estén fechadas o que mencionen el lugar de producción. La porcelana china fue recolectada por la élite y más valorada que las producciones locales; Shah Abbas I donó gran parte de la colección real a los santuarios de Ardabil y Mashad , renovando una habitación en Ardabil para exhibir piezas en nichos. Se han identificado muchas ubicaciones de talleres, aunque no con certeza, en particular: Nishapur , Kubachi ware , Kerman (piezas monocromáticas moldeadas) y Mashhad . Se revivió Lustreware , utilizando una técnica diferente a la producción anterior, y típicamente produciendo piezas pequeñas con un diseño en un color cobre oscuro sobre un fondo azul oscuro. A diferencia de otras mercancías, estas utilizan formas y decoración tradicionales de Oriente Medio en lugar de las de inspiración china .

En general, los diseños tienden a imitar los de la porcelana china, con la producción de piezas azules y blancas con forma y motivos chinos, con motivos como nubes chi y dragones. El azul persa se distingue del azul chino por sus matices más numerosos y sutiles. A menudo, las cuartetas de los poetas persas, a veces relacionadas con el destino de la pieza (alusión al vino para una copa, por ejemplo) aparecen en los patrones de volutas. Un tipo de diseño completamente diferente, mucho más raro, lleva una iconografía muy específica del Islam (zodíaco islámico, escamas de yemas, arabescos) y parece influenciado por el mundo otomano, como lo demuestran los himnos con bordes de plumas (adornos de madreselva) ampliamente utilizados en Turquía. . Aparecieron nuevos estilos de figuras, influenciados por el arte del libro: coperos jóvenes y elegantes, mujeres jóvenes con siluetas curvas, o aún cipreses enredados en sus ramas, que recuerdan las pinturas de Reza Abbasi .

Se produjeron numerosos tipos de piezas: copas, platos, frascos de cuello largo, escupideras, etc. Una forma común son los frascos con cuellos muy pequeños y cuerpos aplanados por un lado y muy redondeados por el otro. Son características las formas tomadas de la orfebrería islámica con una decoración inspirada en gran medida en la porcelana china. Con el cierre del mercado chino en 1659, la cerámica persa se disparó a nuevas alturas, para satisfacer las necesidades europeas. La aparición de falsas marcas de talleres chinos en los lomos de algunas cerámicas marcó el gusto que se desarrolló en Europa por la porcelana del lejano oriente, satisfecho en gran parte por la producción Safavid. Este nuevo destino propició un uso más amplio de la iconografía china y exótica (elefantes) y la introducción de nuevas formas, a veces asombrosas ( narguiles , platos octogonales, objetos con forma de animales).

Jarra de bronce, siglo XVI

Metalistería

La metalistería experimentó un declive gradual durante la dinastía safávida y sigue siendo difícil de estudiar, especialmente debido al pequeño número de piezas fechadas. Bajo Shah Ismail, hay una perpetuación de las formas y decoraciones de las incrustaciones timúridas: motivos de glorias en forma de almendra, de shamsa (soles) y de nubes de chi se encuentran en los tinteros en forma de mausoleos o los cántaros globulares que recuerdan a Ulugh. Suplica el jade uno. Bajo Shah Tahmasp, las incrustaciones desaparecieron rápidamente, como lo atestigua un grupo de candelabros en forma de pilares.

Las incrustaciones de pasta de colores (rojo, negro, verde) comienzan a reemplazar las incrustaciones anteriores de plata y oro. Aparecen paneles calados en acero, para usos como elementos de puertas, placas con inscripciones y las cabezas de 'alams, los estandartes que se llevan en las procesiones religiosas chiítas. A los santuarios importantes se les dieron puertas y rejas jali en plata e incluso en oro.

Tallas de piedra dura

Las tallas de piedra dura persa , que alguna vez se pensó que datan principalmente de los siglos XV y XVI, ahora se cree que se extienden a lo largo de un período más amplio. El jade fue cada vez más apreciado desde el período Ilkhanid. Además de las copas de vino, hay una serie de cántaros con vientres globulares, montados sobre una pequeña base anular y de cuellos anchos y cortos. Dos de estos (uno en jade negro con incrustaciones de oro, el otro en jade blanco) están inscritos con el nombre de Ismail I. El mango tiene forma de dragón, lo que delata una influencia china, pero este tipo de cántaro viene en hecho directamente del período anterior: su prototipo es el cántaro de Ulugh Beg. También conocemos hojas y mangos de cuchillos en jade, a menudo con incrustaciones de alambre de oro y grabados. La piedra dura también sirve para hacer joyas para incrustar en objetos metálicos, como la gran botella de zinc con incrustaciones de oro, rubíes y turquesas que data del reinado de Ismail y se conserva en el museo de Topkapi en Estambul .

Qajars

Fath Ali Shah en 1798, pintado por Mihr 'Ali .

El arte Qajar se refiere al arte, la arquitectura y las formas de arte de la dinastía Qajar del último Imperio Persa , que duró desde 1781 hasta 1925. El auge de la expresión artística que se produjo durante la era Qajar fue el afortunado efecto secundario del período de relativa paz que acompañó al gobierno de Agha Muhammad Khan y sus descendientes. Con su ascensión, la sangrienta agitación que había sido el siglo XVIII en Persia llegó a su fin, e hizo posible que las artes en tiempos de paz florecieran nuevamente. La influencia europea fue fuerte y produjo nuevos géneros como la decoración de esmalte pintado sobre metal, típicamente con flores que claramente se inspiran en estilos franceses y otros europeos. La laca sobre madera se utiliza de forma similar.

Pintura Qajar

La pintura adoptó ahora la técnica europea de la pintura al óleo . Se produjeron grandes murales de escenas de juerga y escenas históricas como murales para palacios y cafeterías, y muchos retratos tienen una parte superior arqueada que muestra que estaban destinados a incrustarse en las paredes. El arte Qajar tiene un estilo distintivo de retrato. Las raíces de la pintura tradicional Qajar se pueden encontrar en el estilo de pintura que surgió durante el imperio safávida precedente . Durante este tiempo, hubo una gran influencia europea en la cultura persa , especialmente en las artes de la realeza y las clases nobles. Aunque se utiliza algo de modelado, predominan la aplicación intensa de pintura y grandes áreas de colores planos, oscuros, ricos y saturados .

Mientras que la representación de objetos inanimados y naturalezas muertas se considera muy realista en la pintura de Qajar, la representación de seres humanos está decididamente idealizada . Esto es especialmente evidente en la representación de la realeza Qajar, donde los sujetos de las pinturas están colocados de manera muy formulada con características estandarizadas. Sin embargo, el impacto de la fotografía aumentó en gran medida la individualidad de los retratos a finales del siglo XIX.

Kamal-ol-molk (1845-1940) provenía de una familia de pintores de la corte, pero también se formó con un pintor que había estudiado en Europa. Después de una carrera en la corte, visitó Europa en 1898, a la edad de 47 años, permaneciendo unos cuatro años. Fue uno de los artistas que introdujo un estilo más europeo en la pintura persa.

Retrato real

Las obras de arte más famosas de Qajar son los retratos que se hicieron de los diversos Shah persas . Cada gobernante, y muchos de sus hijos y otros parientes, encargaron retratos oficiales de sí mismos para uso privado o exhibición pública. Los más famosos son los innumerables retratos que se pintaron de Fath Ali Shah Qajar , quien, con su cintura estrecha, su larga barba negra bifurcada y sus ojos más profundos, ha llegado a ejemplificar la imagen romántica del gran gobernante oriental. Muchas de estas pinturas fueron del artista Mihr 'Ali . Si bien los retratos se ejecutaron en varios momentos a lo largo de la vida del Sha , se adhieren a un canon en el que se enfatizan las características distintivas del gobernante.

Hay retratos de Fath Ali Shah en una variedad muy amplia de escenarios, desde el rey guerrero con armadura hasta el caballero que huele a flores, pero todos son similares en su descripción del Shah, difiriendo solo ligeramente, generalmente debido al artista específico. del retrato. Es apropiado que este Sha en particular sea tan inmortalizado en este estilo, ya que fue bajo su gobierno como el segundo Shah Qajar que el estilo realmente floreció. Una razón de esto fueron los lazos diplomáticos cada vez más fuertes que los gobernantes Qajar estaban alimentando con las potencias europeas.

Ver también

Notas

Referencias

Otras lecturas

  • Roxburgh, David J .. 2003. "Micrographia: Toward a Visual Logic of Persianate Painting". RES: Antropología y Estética, n. 43. [Presidente y miembros del Harvard College, Museo Peabody de Arqueología y Etnología]: 12–30. https://www.jstor.org/stable/20167587 .
  • Soucek, Priscilla P .. 1987. "Artistas persas en Mughal India: influencias y transformaciones". Muqarnas 4. BRILL: 166–81. doi: 10.2307 / 1523102. https://www.jstor.org/stable/1523102 .

enlaces externos