Michael Asher (artista) - Michael Asher (artist)

Michael Asher
Nació ( 07/15/1943 )15 de julio de 1943
Los Ángeles , California
Fallecido 15 de octubre de 2012 (2012-10-15)(69 años)
Los Angeles, California
Nacionalidad americano
Conocido por Artista conceptual

Michael Max Asher (15 de julio de 1943 - 15 de octubre de 2012) fue un artista conceptual , descrito por The New York Times como "uno de los santos patrones del filo del arte conceptual conocido como crítica institucional , una disección a menudo esotérica de los supuestos que gobiernan cómo percibimos el arte ". En lugar de diseñar nuevos objetos de arte, Asher típicamente alteró el entorno existente, reposicionando o quitando obras de arte, paredes, fachadas, etc.

Asher también fue un profesor de arte de gran prestigio, que pasó décadas en la facultad del Instituto de Artes de California . Citado por numerosos artistas de éxito como una influencia importante en su desarrollo, la enseñanza de Asher ha sido descrita por la periodista británica Sarah Thornton como su trabajo "más influyente".

Temprana edad y educación

Nacido en Los Ángeles , California, Asher es hijo de la galerista Betty Asher y el Dr. Leonard Asher. Estudió en la Universidad de California, Irvine , donde recibió su licenciatura en bellas artes en 1966.

Vida y carrera

Comenzó a enseñar en el Instituto de Artes de California en 1973, junto con otros artistas-profesores influyentes como John Baldessari , Judy Chicago y Allan Kaprow . Su curso de "arte posterior al estudio" consistió en críticas grupales intensivas que pueden enfocarse en un solo trabajo durante ocho horas o más. Sus Escritos, 1973-1983, sobre obras 1969-1979, en coautoría del historiador del arte Benjamin HD Buchloh , fue publicado por The Press del Nova Scotia College of Art and Design.

El capítulo 2 de Seven Days in the Art World de Sarah Thornton se desarrolla en la clase Post-Studio Crit de Asher. Thornton describe el Crit como un "rito de iniciación" para los estudiantes y como el trabajo "más influyente" del artista: "una crítica institucional que revela los límites del resto del plan de estudios".

Con licencia médica de CalArts desde 2008, Asher murió el domingo 14 de octubre de 2012 después de una larga enfermedad. Tenía 69 años.

Obras

El trabajo de Asher toma la forma de "intervenciones sutiles pero deliberadas - adiciones, sustracciones o alteraciones - en entornos particulares". Sus piezas siempre fueron específicas del sitio; siempre eran temporales, y todo lo que se hacía o movía para ellos era destruido o devuelto después de las exposiciones.

Gran parte del trabajo de Asher, especialmente en la década de 1970, se centró en las idiosincrasias específicas de la galería como espacio artístico. Asher concibió las elecciones espaciales y curatoriales de la galería como sus propias obras minimalistas, centradas conceptualmente en torno a la percepción del espectador.

Su trabajo a finales de los sesenta y principios de los setenta consistió en dividir los espacios de las galerías mediante tabiques y cortinas, y diseñar ambientes que reflejaran o absorbieran el sonido. Para su primera exposición individual en el Museo de Arte de La Jolla , Asher instaló un generador de tonos en una de las paredes de la galería que efectivamente canceló todas las ondas de sonido en la habitación, creando una zona muerta en el centro de la galería. En 1969, para la exposición colectiva "Anti-Illusion: Procedimientos / Materiales" en el Whitney Museum of American Art , ocultó un ventilador sobre una puerta para crear una losa de aire por la que pasaban los visitantes cuando pasaban de una galería a la siguiente. . En la década de 1970 comenzó a eliminar elementos de los espacios, por ejemplo, puliendo con chorro de arena capas de pintura (en Galleria Toselli, Milán, en 1973) o eliminando las paredes divisorias que separaban un espacio de exposición de la oficina de la galería. Más dramáticamente, en su pieza Instalación (1970) en Pomona College , creó una obra reconfigurando el espacio interior de una galería y luego dejando la galería abierta, sin puerta, las 24 horas del día, introduciendo la luz y el ruido de la calle. en la galería como elementos experienciales. Para otro trabajo temprano en la Galería Claire Copley en Los Ángeles, en 1974, eliminó una pared crucial que protegía el espacio de la oficina de la vista, enmarcando las operaciones comerciales detrás de escena de la galería de arte como algo que vale la pena verse en sí mismo. En 1977 se llevó a cabo una exploración más profunda del funcionamiento de la galería como institución, donde realizó una exposición en las galerías Claire Copley y Morgan Thomas. La exposición asumió la función de transposición, colocando a ambos galeristas en el espacio del otro, mostrando sus propias elecciones curatoriales únicas. En 1979 comienza a reposicionar objetos en colecciones de museos. A veces, Asher recopila hechos, como la lista que publicó de todas las obras de arte que el Museo de Arte Moderno haya desacreditado . Para una exposición en el Museo de Arte de Santa Mónica en 2008, decidió recrear las 44 paredes de entramado que se han construido para cada exposición desde que el museo se trasladó a Bergamot Station en mayo de 1998. Planos arquitectónicos de esas 44 exposiciones, subtitulados con el título y las fechas de cada uno, se muestran en una pequeña galería en la entrada de la muestra, proporcionando una clave de lo que los visitantes están a punto de ver.

Su obra sin título de 1991, que presenta una fuente de agua de granito pulida y funcional yuxtapuesta con un asta de bandera, fue su primer trabajo público permanente al aire libre en los Estados Unidos. Parte de la Colección Stuart de arte público en el campus de la Universidad de California, San Diego , esta fuente para beber es una réplica exacta de las fuentes comerciales de metal que se encuentran típicamente en oficinas comerciales y edificios gubernamentales. En lugar de su contexto habitual como mobiliario de oficina interior, la fuente se coloca como un monumento como en una isla de césped en el centro del campus. Marca el sitio como el antiguo Camp Matthews , una instalación de entrenamiento militar de 1917 a 1964. La pieza fue destruida por un vándalo empuñando un mazo el 13 de enero de 2015.

Exposiciones y premios

Asher expuso en la documenta (1972, 1982), el MoMA (1979) y la Bienal de Venecia (1976), y sus exposiciones individuales en museos incluyen el Centro Pompidou (1991), el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2003), el Instituto de Arte de Chicago (2005) y Museo de Arte de Santa Mónica (2008).

Asher ganó el premio Bucksbaum de 2010. El jurado estuvo integrado por: Adam D. Weinberg , el director Alice Pratt Brown de Whitney; Donna De Salvo, directora adjunta de programas y curadora en jefe de Whitney; los comisarios de 2010 Francesco Bonami y Gary Carrion-Murayari; y tres panelistas invitados, Hou Hanru ( San Francisco Art Institute ), Yasmil Raymond ( Dia Art Foundation ) y James Rondeau ( Art Institute of Chicago ). El ganador recibió $ 100,000 y una exposición individual en el Whitney Museum of American Art. Su proyecto para la Bienal Whitney 2010 implicó que el museo permaneciera abierto las 24 horas del día durante una semana (aunque el museo lo acortó a tres días debido a “limitaciones presupuestarias y de recursos humanos”).

A mediados de la década de 1970, después de una disputa con el galerista Heiner Friedrich , Asher decidió utilizar acuerdos contractuales para controlar la producción, difusión y propiedad de sus proyectos de arte. Utilizando el contrato de Seth Siegelaub y Robert Projanksy, el Acuerdo de venta y transferencia de derechos reservados de los artistas , como modelo, Asher elaboró ​​su propio contrato con la ayuda del abogado de Los Ángeles, Arthur Alef.

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos

  1. ^ Buchloh, Benjamin HD (1983). Michael Asher: Escritos 1973-1983 sobre Obras 1969-1979 . Facultad de Arte y Diseño de Nueva Escocia / Museo de Arte Contemporáneo. ISBN 978-0919616271.
  2. ^ Moller, Whitney (2006). George Washington en el Art Institute of Chicago 1979 y 2005 . Instituto de Arte de Chicago. ISBN 978-0300119428.
  3. ^ Peltomäki, Kirsi (2010). Estética de la situación: el trabajo de Michael Asher . Prensa del MIT. ISBN 978-0262013680.
  4. ^ Rorimer, Anne (2013). Michael Asher: Kunsthaller Bern 1992 . Después de todo. ISBN 978-1846380938.