Metatheatre - Metatheatre
Metatheatre , y el término metadrama estrechamente relacionado , describe los aspectos de una obra que llaman la atención sobre su naturaleza como drama o teatro , o sobre las circunstancias de su representación.
Estos pueden incluir: el discurso directo de la audiencia (especialmente en soliloquios , apartes , prólogos y epílogos ); expresión de una conciencia de la presencia de la audiencia (ya sea que se dirijan directamente o no); un reconocimiento del hecho de que las personas que actúan son actores (y no en realidad los personajes que están interpretando); un elemento cuyo significado depende de la diferencia entre el tiempo y lugar representados del drama (el mundo de ficción) y el tiempo y lugar de su presentación teatral (la realidad del evento teatral); juegos dentro de juegos (o máscaras, espectáculos u otras formas de actuación dentro del drama); referencias a la actuación , el teatro, la escritura dramática, el espectador y la metáfora frecuentemente empleada según la cual " todo el mundo es un escenario " ( Theatrum mundi ); escenas de escuchas u otras situaciones en las que uno o varios personajes observan a otro u otros, de manera que los primeros se relacionan con el comportamiento de los segundos como si se tratara de una representación teatralizada para su beneficio.
Las palabras "metateatre" y "metadrama" combinan teatro o drama con el prefijo griego "meta—", que implica "un nivel más allá" del tema que califica.
En la historia del drama
Grecia y Roma
La metateatralidad ha sido una dimensión del drama desde su invención en el teatro de la Grecia clásica hace 2.500 años. Uno de los objetivos principales de esta metateatralidad era mantener a los espectadores alejados de la total implicación o creencia en el desarrollo de la trama presentada. La comedia griega antigua, en particular, hizo un uso frecuente de ella (aunque también se pueden encontrar ejemplos en la tragedia ).
Teatro moderno temprano
En el teatro inglés moderno temprano , los personajes a menudo adoptan una posición en el escenario en estrecho contacto con la audiencia y comentan las acciones de otros con sarcasmo o críticas, mientras que los otros actores asumen la convención de que el primero permanece sin ser escuchado ni visto mientras lo hace. Siguiendo el trabajo de Robert Weimann y otros, los estudios de teatro utilizan los términos locus y platea (relacionados con "ubicación" y "lugar", tomados del teatro medieval ) para describir este efecto de actuación: el lugar se localiza dentro del drama de tal manera que sus personajes están absortos en su ficción y desconocen la presencia del público; mientras que la platea es un espacio neutro en estrecho contacto con el espectador que existe en el límite entre la ficción y la realidad del espectador.
Cuando la derrotada Cleopatra , interpretada por un niño intérprete en el quinto acto de Antonio y Cleopatra de Shakespeare , teme ser humillada en los teatros de Roma en obras representadas para ridiculizarla, dice: "Y veré a un niño Cleopatra chillando mi grandeza en el postura de puta ". Si bien el actor no está necesariamente involucrado en este punto en el discurso directo de la audiencia, la realidad del intérprete masculino debajo del personaje femenino se reconoce abierta y cómicamente (calificando de manera importante, respaldada más en la escena y la obra como en su conjunto, el trágico acto de su inminente suicidio). La metateatralidad de este tipo se encuentra en la mayoría de las obras de ese período.
En Hamlet , se produce el siguiente intercambio entre Hamlet y Polonio :
Hamlet: ... Mi señor, usted jugó una vez en la universidad, dice.
Polonio: Eso lo hice mi señor, y me consideraban un buen actor.
Hamlet: ¿Y qué promulgaste?
Polonio: promulgué Julio César . Me mataron en Capitol. Brutus me mató.
Hamlet: Fue una parte brutal de él matar a un becerro tan capital allí.- Hamlet (3.2.95–100).
Si el único significado de este intercambio radica en su referencia a personajes dentro de otra obra, podría llamarse un momento metadramático (o " intertextual "). Sin embargo, dentro de su contexto escénico original, hay una referencia metateatral más específica. Los historiadores suponen que Hamlet y Polonio fueron interpretados por los mismos actores que habían interpretado los papeles mencionados en Julio César de Shakespeare un año o dos antes en el mismo escenario. Aparte de la vinculación dramática del personaje de Hamlet con el asesino Brutus (presagiando el asesinato de Polonio por Hamlet más adelante en la obra), la conciencia de la audiencia de las identidades de los actores y sus papeles anteriores se hace referencia de manera cómica.
Otro ejemplo de Shakespeare es el Acto V de Sueño de una noche de verano . Los rudos mecánicos presentan a Pyramus y Thisbe a los nobles atenienses, quienes comentan abiertamente sobre la actuación a medida que se desarrolla. La historia de Pyramus y Thisbe se asemeja mucho a la historia de Lisandro y Hermia, lo que sugiere que la suya podría haber terminado trágicamente. Entonces Puck, que ha roto la cuarta pared varias veces para compartir un lado con la audiencia, sale de la acción de la obra para dirigirse directamente a la audiencia. Su discurso final se despide de los miembros de la audiencia y les pide que piensen en la obra como solo un sueño si ha ofendido. Esto se relaciona con la forma en que Bottom racionaliza su experiencia en el bosque como solo un sueño. Estas capas metateatrales sugieren que todos habitamos los roles de observador y observado en el escenario mundano y que es posible descartar experiencias extrañas como sueños.
Teatro moderno
La cuarta pared
En la era moderna, el surgimiento del realismo y el naturalismo llevó al desarrollo de una convención de interpretación conocida como la " cuarta pared ". La metáfora sugiere una relación con la puesta en escena detrás de un arco de proscenio . Cuando una escena se desarrolla en el interior y tres de las paredes de su sala se presentan en el escenario, la "cuarta" de ellas correría a lo largo de la línea que divide la sala del auditorio (técnicamente llamado el "proscenio"). La cuarta pared es, por tanto, una pared invisible e imaginaria que separa a los actores del público. Si bien la audiencia puede ver a través de este "muro", asume la convención, los actores actúan como si no pudieran. En este sentido, la "cuarta pared" es una convención de actuación , más que de escenografía . Se puede crear independientemente de la presencia de paredes reales en el escenario, o la disposición física del edificio del teatro o el espacio de actuación, o la distancia o proximidad de los actores a la audiencia.
"Rompiendo la cuarta pared" es cualquier caso en el que esta convención de interpretación, habiendo sido adoptada de manera más general en el drama, no se tiene en cuenta. La suspensión temporal de la convención de esta manera llama la atención sobre su uso en el resto de la actuación. Este acto de llamar la atención sobre las convenciones de interpretación de una obra es metateatral.
Se logra un efecto similar de metareferencia cuando se suspende temporalmente la convención de ejecución de evitar el contacto directo con la cámara, generalmente utilizada por los actores en un drama televisivo o una película. La frase "rompiendo la cuarta pared" se utiliza para describir tales efectos en esos medios.
Modernismo
En las obras de muchos de los dramaturgos realistas, como Henrik Ibsen , August Strindberg y Anton Chekhov, se producen casos de metateatralidad distintos de "romper la cuarta pared" . Como ocurre con el modernismo en general, la metareferencia en forma de metateatralidad llega a jugar un papel mucho más central y significativo en el teatro modernista, particularmente en la obra de Bertolt Brecht , Vsevolod Meyerhold , Luigi Pirandello , Thornton Wilder , Samuel Beckett y muchos otros. .
En tiempos más recientes, With the People from the Bridge de Dimitris Lyacos emplea técnicas metateatrales en las que una obra improvisada centrada en la leyenda del vampiro se ve desde el ángulo de un espectador que registra en su diario el escenario y los preparativos, así como la secuencia de la escena. soliloquios de actores intercalados con notas personales sobre el desarrollo de la actuación.
Origen del término
El término "metateatre" fue acuñado por Lionel Abel en 1963 y desde entonces ha entrado en un uso crítico común. Abel describió el metateatre como un reflejo de la comedia y la tragedia, al mismo tiempo, donde el público puede reírse del protagonista mientras se siente empático al mismo tiempo. Abel lo relaciona con el personaje de Don Quijote , a quien considera el personaje prototípico, metateatral y autorreferente. Don Quijote busca situaciones de las que quiere formar parte, no esperando que la vida lo obligue, sino sustituyendo la realidad por la imaginación cuando el mundo carece de sus deseos. El personaje es consciente de su propia teatralidad. El cruce del Meta-Teatro de Khalil-Ghibran engendra el término con el prefijo griego como antes, pero los matices poéticos transmiten el familiar sentimiento de conciencia.
Ver también
Referencias
Fuentes
- Abel, Lionel. 1963. Metatheatre: una nueva visión de la forma dramática. Hill y Wang.
- Abel, Lionel. 2003 [póstumo]. Tragedia y metateatro: ensayos sobre forma dramática . Nueva York: Holmes y Meier Publishers.
- Angus, Bill. 2016. Metadrama y el informador en Shakespeare y Jonson. Prensa de la Universidad de Edimburgo.
- Angus, Bill. 2018. Inteligencia y Metadrama en el teatro moderno temprano. Prensa de la Universidad de Edimburgo.
- Edwards, Philip. 1985. Introducción. Hamlet, príncipe de Dinamarca por William Shakespeare. El nuevo Cambridge Shakespeare Ser. Cambridge: Cambridge University Press. 1-71. ISBN 0-521-29366-9 .
- Hornby, Richard. 1986. Drama, Metadrama y Perception . Londres: Cranbury; Mississauga: Associated University Press.
- Weimann, Robert. 1978. Shakespeare y la tradición popular en el teatro: estudios en la dimensión social de la forma y función dramáticas. Baltimore y Londres: The Johns Hopkins University Press. ISBN 0-8018-3506-2 .