Historia del teatro - History of theatre


Intérprete interpretando Sugriva en la forma Koodiyattam del teatro sánscrito

La historia del teatro traza el desarrollo del teatro durante los últimos 2.500 años. Si bien los elementos performativos están presentes en todas las sociedades, se acostumbra reconocer una distinción entre el teatro como forma de arte y entretenimiento y los elementos teatrales o performativos en otras actividades. La historia del teatro se ocupa principalmente del origen y posterior desarrollo del teatro como actividad autónoma . Desde la Atenas clásica en el siglo VI a. C., las vibrantes tradiciones del teatro han florecido en culturas de todo el mundo.

Orígenes

A pesar de la semejanza del teatro con la realización de actividades rituales y de la importante relación que el teatro comparte con el ritual, no hay evidencia concluyente que demuestre que el teatro se originó a partir del ritual. Esta similitud del teatro temprano con el ritual es atestiguada negativamente por Aristóteles , quien en su Poética definió el teatro en contraste con las representaciones de misterios sagrados : el teatro no requería que el espectador ayunara, bebiera el kykeon o marchara en procesión; sin embargo, el teatro se parecía a los misterios sagrados en el sentido de que traía purificación y curación al espectador por medio de una visión, el theama . La ubicación física de tales actuaciones se denominó en consecuencia theatron .

Según los historiadores Oscar Brockett y Franklin Hildy, los rituales suelen incluir elementos que entretienen o dan placer, como disfraces y máscaras , así como artistas hábiles. A medida que las sociedades se volvieron más complejas, estos elementos espectaculares comenzaron a representarse en condiciones no rituales. Mientras esto ocurría, se estaban dando los primeros pasos hacia el teatro como actividad autónoma.

Teatro europeo

Teatro griego

El ejemplo mejor conservado de un teatro griego clásico, el Teatro de Epidauro , tiene una orquesta circular y probablemente da la mejor idea de la forma original del teatro ateniense, aunque data del siglo IV a. C.

El teatro griego, más desarrollado en Atenas , es la raíz de la tradición occidental; teatro es una palabra de origen griego. Formaba parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia a la City Dionysia como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, fue una parte importante de la ciudadanía . La participación cívica también implicó la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en representaciones en el tribunal de justicia o asamblea política , las cuales fueron entendidas como análogas al teatro y llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y el juego de sátiros .

La tragedia ateniense —la forma de tragedia más antigua que se conserva— es un tipo de danza- drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. Surgió en algún momento del siglo VI a.C., floreció durante el siglo V a.C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . No han sobrevivido tragedias del siglo VI y solo 32 de las más de mil que se realizaron durante el siglo V. Tenemos textos completos existentes por Esquilo , Sófocles y Eurípides . Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V se institucionalizó en concursos ( agon ) que se celebraban como parte de las festividades que celebraban a Dionysos (el dios del vino y la fertilidad ). Como concursantes en el concurso City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra de sátiro. La representación de tragedias en la ciudad de Dionysia puede haber comenzado ya en el 534 a. C. Los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo el juego del sátiro. La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega , aunque Los persas, que escenifica la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C., es la excepción notable en el drama sobreviviente. Cuando Esquilo ganó el primer premio en la Ciudad Dionisia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que ha sobrevivido. Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analiza la tragedia ateniense del siglo quinto en la obra más antigua sobreviviente de la teoría dramática -su Poética (c. 335 aC). La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos, "Comedia antigua", "Comedia intermedia" y "Comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en gran parte en la forma de las once obras de teatro supervivientes de Aristófanes , mientras que la comedia media se pierde en gran medida (se conserva solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis ). New Comedy se conoce principalmente por los importantes fragmentos de papiro de obras de Menander . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que involucra algún tipo de error o fealdad que no causa dolor ni destrucción.

Teatro romano

Teatro Romano en Benevento , Italia

El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos . Beacham sostiene que los romanos estaban familiarizados con las "prácticas pre-teatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. El teatro de la antigua Roma era una próspera y diversa forma de arte, que van desde festivales actuaciones de teatro de calle , bailando desnuda, y la acrobacia, a la puesta en escena de Plauto 's ampliamente apelando situación comedias , a la gran estilo , verbalmente elaborados tragedias de Séneca . Aunque Roma tenía una tradición escénica nativa, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y vigorizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario.

Tras la expansión de la República Romana (509-27 a. C.) en varios territorios griegos entre 270-240 a. C., Roma se encontró con el drama griego . Desde los últimos años de la república y por medio del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió hacia el oeste por Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; El teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. Si bien el drama griego continuó representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. Sin embargo, desde el comienzo del imperio, el interés por el drama de larga duración se redujo a favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales.

Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livius Andronicus escribió desde el 240 a. C. Cinco años después, Gnaeus Naevius también comenzó a escribir drama. No ha sobrevivido ninguna obra de ninguno de los dos escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros , Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Naevius por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. A principios del siglo II a. C., el teatro estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores ( collegium poetarum ).

Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plautus) y Publius Terentius Afer (Terence). Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro en la división del drama en episodios e introdujeron un acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos tercios en las de Terence). La acción de todas las escenas se desarrolla en la ubicación exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de las escuchas . Plauto, el más popular de los dos, escribió entre el 205 y el 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales son más conocidas sus farsas ; fue admirado por el ingenio de sus diálogos y su uso de una variedad de métricas poéticas . Las seis comedias que Terence escribió entre el 166 y el 160 a. C. han sobrevivido; la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, a veces fue denunciada, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada del comportamiento humano contrastante.

No sobrevive ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy apreciada en su día; los historiadores conocen a tres primeros trágicos: Quintus Ennius , Marcus Pacuvius y Lucius Accius . De la época del imperio, sobrevive la obra de dos trágicos: uno es un autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca . Sobreviven nueve de las tragedias de Séneca, todas ellas fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basa en Eurípides ' Hipólito . Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de la fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero en épocas anteriores se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia.

En contraste con el teatro de la Antigua Grecia, el teatro de la Antigua Roma permitía a las mujeres intérpretes. Si bien la mayoría se empleó para bailar y cantar, se sabe que una minoría de actrices ha realizado papeles de oratoria, y hubo actrices que lograron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola y Fabia Arete : también formaron su propio gremio de actores, los Sociae Mimae , que evidentemente eran bastante ricos.

Teatro de transición y principios de la Edad Media, 500–1050

A medida que el Imperio Romano Occidental cayó en decadencia durante los siglos IV y V, la sede del poder romano se trasladó a Constantinopla y al Imperio Romano de Oriente , hoy llamado Imperio Bizantino . Si bien la evidencia sobreviviente sobre el teatro bizantino es escasa, los registros existentes muestran que la mímica , la pantomima , las escenas o recitaciones de tragedias y comedias , bailes y otros entretenimientos eran muy populares. Constantinopla tenía dos teatros que estaban en uso hasta el siglo quinto. Sin embargo, la verdadera importancia de los bizantinos en la historia del teatro es su preservación de muchos textos griegos clásicos y la compilación de una enciclopedia masiva llamada Suda , de la cual se deriva una gran cantidad de información contemporánea sobre el teatro griego.

Desde el siglo V, Europa Occidental se sumergió en un período de desorden general que duró (con un breve período de estabilidad bajo el Imperio Carolingio en el siglo IX) hasta el siglo X. Como tal, la mayoría de las actividades teatrales organizadas desaparecieron en Europa Occidental . Si bien parece que pequeñas bandas nómadas viajaron por Europa durante todo el período, actuando dondequiera que pudieran encontrar una audiencia, no hay evidencia de que produjeran nada más que escenas crudas. Estos artistas fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Media, ya que eran vistos como peligrosos y paganos.

Hrosvitha de Gandersheim, el primer dramaturgo de la era posclásica.

En la Alta Edad Media , las iglesias en Europa comenzaron a presentar versiones dramatizadas de eventos bíblicos particulares en días específicos del año. Estas dramatizaciones se incluyeron para vivificar las celebraciones anuales. Objetos y acciones simbólicas - vestimentas , altares , incensarios y pantomimas realizadas por sacerdotes - recordaron los eventos que celebra el ritual cristiano. Estos eran conjuntos extensos de señales visuales que podrían usarse para comunicarse con una audiencia mayoritariamente analfabeta. Estas representaciones se convirtieron en dramas litúrgicos , el más antiguo de los cuales es el tropo de Pascua a quién buscas (Quem-Quaeritis) , que data de ca. 925. Dos grupos cantaron el drama litúrgico de manera receptiva y no involucró a actores que se hicieran pasar por personajes. Sin embargo, en algún momento entre 965 y 975, Æthelwold de Winchester compuso el Regularis Concordia (Acuerdo monástico) que contiene un playlet completo con instrucciones para la interpretación.

Hrosvitha (c. 935 - 973), una canonesa del norte de Alemania , escribió seis obras de teatro inspiradas en las comedias de Terence pero utilizando temas religiosos. Estas seis obras ( Abraham, Callimachus, Dulcitius, Gallicanus, Paphnutius y Sapientia ) son las primeras obras conocidas compuestas por una dramaturga y las primeras obras dramáticas occidentales identificables de la era posclásica. Se publicaron por primera vez en 1501 y tuvieron una influencia considerable en las obras religiosas y didácticas del siglo XVI. A Hrosvitha le siguió Hildegard de Bingen (m. 1179), una abadesa benedictina , que escribió un drama musical latino llamado Ordo Virtutum en 1155.

Teatro medieval alto y tardío, 1050-1500

Dibujo escénico de la obra moral vernácula del siglo XV El castillo de la perseverancia (como se encuentra en el macro manuscrito ).

Como los vikingos invasiones cesaron en el medio del siglo 11, drama litúrgico había extendido desde Rusia a Escandinavia a Italia . Solo en la Península Ibérica ocupada por musulmanes no se presentaron en absoluto dramas litúrgicos. A pesar de la gran cantidad de dramas litúrgicos que han sobrevivido de ese período, muchas iglesias solo habrían representado uno o dos por año y un gran número nunca realizó ninguno.

La fiesta de los tontos fue especialmente importante en el desarrollo de la comedia. El festival invirtió el estatus del clero menor y les permitió ridiculizar a sus superiores y la rutina de la vida de la iglesia. A veces se representaban obras de teatro como parte de la ocasión y una cierta cantidad de burlesque y comedia se colaba en estas representaciones. Aunque los episodios cómicos tuvieron que esperar realmente hasta la separación del drama de la liturgia, la Fiesta de los Locos sin duda tuvo un efecto profundo en el desarrollo de la comedia tanto en obras religiosas como seculares.

La representación de obras religiosas fuera de la iglesia comenzó en algún momento del siglo XII a través de un proceso tradicionalmente aceptado de fusionar dramas litúrgicos más cortos en obras más largas que luego fueron traducidas a la lengua vernácula y representadas por laicos. El misterio de Adán (1150) da crédito a esta teoría, ya que su detallada dirección escénica sugiere que se realizó al aire libre. Varias otras obras de la época sobreviven, como La Seinte Resurrection ( Norman ), The Play of the Magi Kings ( español ) y Sponsus ( francés ).

La importancia de la Alta Edad Media en el desarrollo del teatro fueron los cambios económicos y políticos que llevaron a la formación de gremios y al crecimiento de las ciudades. Esto conduciría a cambios significativos en la Baja Edad Media . En las Islas Británicas , se produjeron obras de teatro en unas 127 ciudades diferentes durante la Edad Media. Estas obras de misterio vernáculas se escribieron en ciclos de un gran número de obras: York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y Desconocido (42). Un mayor número de obras de teatro sobreviven de Francia y Alemania en este período y algún tipo de dramas religiosos se representaron en casi todos los países europeos a finales de la Edad Media . Muchas de estas obras contenían comedia , diablos , villanos y payasos .

La mayoría de los actores de estas obras provienen de la población local. Por ejemplo, en Valenciennes en 1547, se asignaron más de 100 roles a 72 actores. Las obras se organizaron en escenarios de vagones de desfiles , que eran plataformas montadas sobre ruedas que se usaban para mover el escenario. Los artistas aficionados en Inglaterra, que solían proporcionar sus propios disfraces, eran exclusivamente hombres, pero otros países tenían artistas femeninas. El escenario de la plataforma, que era un espacio no identificado y no un lugar específico, permitió cambios abruptos de ubicación.

Las obras de moralidad surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron hasta 1550. La obra de moralidad más interesante es El castillo de la perseverancia, que describe el progreso de la humanidad desde el nacimiento hasta la muerte. Sin embargo, la obra de moralidad más famosa y quizás el drama medieval más conocido es Everyman . Todo el mundo recibe la llamada de la Muerte , lucha por escapar y finalmente se resigna a la necesidad. En el camino, es abandonado por Kindred , Goods y Fellowship ; solo Good Deeds lo acompaña a la tumba.

También hubo una serie de representaciones seculares representadas en la Edad Media, la más antigua de las cuales es The Play of the Greenwood de Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material popular como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también aumentaron dramáticamente en popularidad después del siglo XIII. La mayoría de estas obras provienen de Francia y Alemania y son similares en tono y forma, enfatizando el sexo y las excreciones corporales. El dramaturgo de farsas más conocido es Hans Sachs (1494-1576), que escribió 198 obras dramáticas. En Inglaterra, The Second Shepherds 'Play of the Wakefield Cycle es la farsa temprana más conocida. Sin embargo, la farsa no apareció de forma independiente en Inglaterra hasta el siglo XVI con la obra de John Heywood (1497-1580).

Un precursor significativo del desarrollo del drama isabelino fueron las Cámaras de Retórica en los Países Bajos . Estas sociedades se preocupaban por la poesía , la música y el teatro y realizaban concursos para ver qué sociedad podía componer el mejor drama en relación con una cuestión planteada.

A finales de la Baja Edad Media , empezaron a aparecer actores profesionales en Inglaterra y Europa . Tanto Ricardo III como Enrique VII mantuvieron pequeñas empresas de actores profesionales. Sus obras se representaban en el Gran Salón de la residencia de un noble, a menudo con una plataforma elevada en un extremo para la audiencia y una "pantalla" en el otro para los actores. También fueron importantes las obras de teatro de Mummers , representadas durante la temporada navideña , y las máscaras de la corte . Estas máscaras fueron especialmente populares durante el reinado de Enrique VIII, quien mandó construir una Casa de los Deleites y establecer una Oficina de los Deleites en 1545.

El fin del drama medieval se produjo debido a una serie de factores, incluido el debilitamiento del poder de la Iglesia católica , la Reforma protestante y la prohibición de las obras religiosas en muchos países. Isabel I prohibió todas las obras religiosas en 1558 y las grandes obras del ciclo habían sido silenciadas en la década de 1580. Del mismo modo, las obras religiosas fueron prohibidas en los Países Bajos en 1539, los Estados Pontificios en 1547 y en París en 1548. El abandono de estas obras destruyó el teatro internacional que había existido y obligó a cada país a desarrollar su propia forma de teatro. También permitió a los dramaturgos dedicarse a temas seculares y el renovado interés por el teatro griego y romano les brindó la oportunidad perfecta.

Commedia dell'arte y Renacimiento

El personaje enmascarado de Pantalone commedia dell'arte codicioso y de alto estatus .

Las compañías de la Commedia dell'arte interpretaron animadas obras de teatro de improvisación en toda Europa durante siglos. Se originó en Italia en la década de 1560. La comedia es un teatro centrado en el actor, que requiere poca escenografía y muy pocos accesorios. Las obras no se originaron en el drama escrito sino en lazzi , marcos sueltos que brindan las situaciones, complicaciones y desenlace de la acción, alrededor de los cuales los actores improvisan. Las obras utilizan personajes comunes , que podrían dividirse en tres grupos: los amantes, los amos y los sirvientes. Los amantes tenían nombres y características diferentes en la mayoría de las obras y, a menudo, eran hijos del maestro. El papel de maestro se basa en uno de tres estereotipos: Pantalone , un comerciante veneciano de edad avanzada; Dottore , amigo o rival de Pantalone, médico o abogado pedante ; y Capitano , que alguna vez fue un personaje amante, pero se convirtió en un fanfarrón que se jacta de sus hazañas en el amor y la guerra, aunque es terriblemente inexperto en ambos. El personaje sirviente (llamado zanni ) tiene solo un papel recurrente: Arlecchino (también llamado Arlequín ). Es astuto e ignorante, pero un consumado bailarín y acróbata. Por lo general, lleva un palo de madera con una hendidura en el medio que hace un ruido fuerte al golpear algo. Esta "arma" nos dio el término " payasadas ".

Una compañía constaba típicamente de 13 a 14 miembros. A la mayoría de los actores se les pagó tomando una parte de las ganancias de la obra aproximadamente equivalente al tamaño de su papel. El estilo del teatro estuvo en su apogeo desde 1575 hasta 1650, pero incluso después de ese tiempo se escribieron y representaron nuevos escenarios. El dramaturgo veneciano Carlo Goldoni escribió algunos escenarios a partir de 1734, pero como consideraba vulgar el género, refinó los temas para que fueran más sofisticados. También escribió varias obras de teatro basadas en hechos reales, en las que incluyó personajes de la comedia .

La commedia dell'arte permitió que las mujeres profesionales actuaran desde el principio: Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores de 1564, ha sido referida como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras. primadonna y las actrices bien documentadas en Europa.

Teatro Isabelino Inglés

Un boceto de 1596 de una actuación en progreso en el escenario de empuje de The Swan , una típica casa de juegos isabelina con techo abierto.

El teatro renacentista se deriva de varias tradiciones teatrales medievales, como las obras de misterio que formaron parte de los festivales religiosos en Inglaterra y otras partes de Europa durante la Edad Media. Otras fuentes incluyen las " obras de moralidad " y el "drama universitario" que intentaba recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de la Commedia dell'arte , así como las elaboradas máscaras que se presentan con frecuencia en la corte, también contribuyeron a la configuración del teatro público.

Desde antes del reinado de Isabel I, las compañías de jugadores estaban vinculadas a los hogares de los principales aristócratas y actuaban estacionalmente en varios lugares. Estos se convirtieron en la base de los jugadores profesionales que actuaron en el escenario isabelino. Las giras de estos jugadores reemplazaron gradualmente las representaciones de las obras de misterio y moralidad de los actores locales, y una ley de 1572 eliminó las compañías restantes que carecían de patrocinio formal al etiquetarlas como vagabundos .

Las autoridades de la ciudad de Londres fueron generalmente hostiles a las representaciones públicas, pero su hostilidad fue superada por el gusto de la reina por las obras de teatro y el apoyo del Privy Council. Los teatros surgieron en los suburbios, especialmente en la libertad de Southwark, accesibles a través del Támesis para los habitantes de la ciudad, pero más allá del control de la autoridad. Las compañías mantenían la pretensión de que sus actuaciones públicas eran meros ensayos de las frecuentes actuaciones ante la Reina, pero si bien las segundas otorgaban prestigio, las primeras eran la verdadera fuente de ingresos de los jugadores profesionales.

Junto con la economía de la profesión, el carácter del drama cambió hacia el final del período. Con Elizabeth, el drama fue una expresión unificada en lo que a la clase social se refería: la corte miraba las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores de una audiencia de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I, se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban en las obras acumuladas de las décadas anteriores.

La oposición puritana al escenario (informada por los argumentos de los primeros Padres de la Iglesia que habían escrito solemnidades contra los entretenimientos decadentes y violentos de los romanos) argumentó no solo que el escenario en general era pagano , sino que cualquier obra que representara una figura religiosa era inherentemente idólatra . En 1642, al estallar la Guerra Civil Inglesa , las autoridades puritanas prohibieron la representación de todas las obras dentro de los límites de la ciudad de Londres. Un asalto radical contra las supuestas inmoralidades del teatro aplastó todo lo que quedaba en Inglaterra de la tradición dramática.

Teatro del Siglo de Oro español

Calderón de la Barca, figura clave en el teatro del Siglo de Oro español

Durante su Edad de Oro , aproximadamente de 1590 a 1681, España vio un aumento monumental en la producción de teatro en vivo , así como en la importancia del teatro dentro de la sociedad española. Era una forma de arte accesible para todos los participantes en la España del Renacimiento, ya que estaba muy patrocinada por la clase aristocrática y muy concurrida por las clases bajas. El volumen y la variedad de las obras de teatro españolas durante el Siglo de Oro no tenían precedentes en la historia del teatro mundial, superando, por ejemplo, la producción dramática del Renacimiento inglés por un factor de al menos cuatro. Aunque este volumen ha sido tanto una fuente de críticas como de elogios para el teatro del Siglo de Oro español, por enfatizar la cantidad antes que la calidad, un gran número de las 10.000 a 30.000 obras de este período siguen considerándose obras maestras.

Los principales artistas del período incluyeron a Lope de Vega , un contemporáneo de Shakespeare, a menudo y contemporáneamente, visto su paralelo para el escenario español, y Calderón de la Barca , inventor de la zarzuela y sucesor de Lope como el dramaturgo español preeminente. Gil Vicente , Lope de Rueda y Juan del Encina ayudaron a sentar las bases del teatro español a mediados del siglo XVI, mientras que Francisco de Rojas Zorrilla y Tirso de Molina hicieron importantes contribuciones en la segunda mitad del Siglo de Oro. Entre los intérpretes importantes figuraron Lope de Rueda (mencionado anteriormente entre los dramaturgos) y más tarde Juan Rana .

Las fuentes de influencia del emergente teatro nacional de España fueron tan diversas como el teatro que terminó produciendo esa nación. Las tradiciones narrativas que se originaron en la Commedia dell'arte italiana y la expresión exclusivamente española de los entretenimientos de juglares itinerantes de Europa occidental contribuyeron con una influencia populista en las narrativas y la música, respectivamente, del teatro español temprano. La crítica neoaristotélica y los dramas litúrgicos, por otro lado, aportaron perspectivas literarias y moralistas. A su vez, el teatro del Siglo de Oro español ha influido dramáticamente en el teatro de generaciones posteriores en Europa y en todo el mundo. El drama español tuvo un impacto inmediato y significativo en los desarrollos contemporáneos del teatro renacentista inglés . También ha tenido un impacto duradero en el teatro en todo el mundo de habla hispana. Además, se está traduciendo un número creciente de obras, lo que aumenta el alcance del teatro del Siglo de Oro español y fortalece su reputación entre la crítica y los mecenas del teatro.

Teatro clásico francés

Dramaturgos notables:

Comedia de restauración

El refinamiento se encuentra con el burlesco en la comedia de Restauración . En esta escena de George Etherege 's amor en una tina (1664), músicos y damas bien educadas rodean a un hombre que lleva una bañera porque ha perdido sus pantalones .

Después de que el régimen puritano prohibiera las representaciones teatrales públicas durante 18 años, la reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del teatro inglés. Con la restauración del monarca en 1660 se procedió a la restauración y reapertura del teatro. Las comedias inglesas escritas y representadas en el período de la Restauración de 1660 a 1710 se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". Comedia de la Restauración es notoria por su sexual explícito, una cualidad animada por Carlos II (1660-1685) y personalmente por el libertino noble espíritu de su corte . Por primera vez se permitió que las mujeres actuaran, poniendo fin a la práctica de que el jugador chico tomara el papel de la mujer. Las audiencias socialmente diversas incluían tanto a los aristócratas, sus sirvientes y parásitos, como a un segmento sustancial de la clase media. Al público de la Restauración le gustaba ver un buen triunfo en sus tragedias y la restauración del gobierno legítimo. En la comedia, les gustaba ver la vida amorosa de los jóvenes y de la moda, con una pareja central que llevaba su noviazgo a una conclusión exitosa (a menudo superando la oposición de los mayores para hacerlo). Las heroínas tenían que ser castas, pero de mentalidad independiente y franca; ahora que eran interpretadas por mujeres, el dramaturgo tenía más ventajas al disfrazarlas con ropas de hombre o darles un escape por poco de la violación. Estos espectadores se sintieron atraídos por las comedias por la escritura actual de actualidad, por tramas abarrotadas y bulliciosas , por la presentación de las primeras actrices profesionales y por el surgimiento de los primeros actores famosos. Para los que no iban al teatro, estas comedias eran consideradas como licenciosas y moralmente sospechosas, y suscitaban la admiración de las payasadas de una clase pequeña, privilegiada y decadente. Esta misma clase dominó el público del teatro Restauración. Este período vio a la primera dramaturga profesional, Aphra Behn .

Como reacción a la decadencia de las producciones de la era de Carlos II, la comedia sentimental ganó popularidad. Este género se centró en fomentar el comportamiento virtuoso al mostrar personajes de clase media superando una serie de pruebas morales. Dramaturgos como Colley Cibber y Richard Steele creían que los humanos eran intrínsecamente buenos pero capaces de descarriarse. A través de obras como The Conscious Lovers y Love's Last Shift, se esforzaron por apelar a los nobles sentimientos de la audiencia para que los espectadores pudieran reformarse.

Restauración espectacular

El espectáculo de la restauración , o elaborada puesta en escena "juego de la máquina", golpeó el Londres escena pública a finales del siglo 17 Restauración periodo, apasionante al público con la acción, la música, la danza, móvil paisaje , la pintura ilusionista barroca , magníficos trajes y efectos especiales tales como trucos de trampilla , actores "voladores" y fuegos artificiales . Estos programas siempre han tenido una mala reputación como una amenaza vulgar y comercial para el ingenioso y "legítimo" drama de la Restauración ; sin embargo, atrajeron a londinenses en un número sin precedentes y los dejaron deslumbrados y encantados.

Básicamente de cosecha propia y con raíces en la mascarada de la corte de principios del siglo XVII , aunque nunca se avergüenza de tomar prestadas ideas y tecnología escénica de la ópera francesa , los espectáculos a veces se denominan "ópera inglesa". Sin embargo, la variedad de ellos es tan desordenada que la mayoría de los historiadores del teatro desesperan de definirlos como un género . Sólo un puñado de obras de este período suelen recibir el término "ópera", ya que la dimensión musical de la mayoría de ellas está subordinada a la visual. Fue espectáculo y escenografía lo que atrajo a la multitud, como lo demuestran muchos comentarios en el diario del amante del teatro Samuel Pepys . El costo de montar producciones escénicas cada vez más elaboradas llevó a las dos compañías de teatro en competencia a una peligrosa espiral de enormes gastos y, en consecuencia, enormes pérdidas o ganancias. Un fiasco como John Dryden 's Albion y Albanius dejaría una empresa en grave deuda, mientras que los éxitos de taquilla como Thomas Shadwell ' s psique o de Dryden Rey Arturo se puso cómodamente en el negro durante mucho tiempo.

Teatro neoclásico

Un teatro neoclásico del siglo XVIII en Ostankino , Moscú

El neoclasicismo fue la forma dominante de teatro en el siglo XVIII. Exigía decoro y rigurosa adhesión a las unidades clásicas . Tanto el teatro neoclásico como la época se caracterizan por su grandiosidad. El vestuario y el paisaje eran intrincados y elaborados. La actuación se caracteriza por grandes gestos y melodrama. El teatro neoclásico abarca las edades de la Restauración, Augusta y Johnstiniana. En cierto sentido, la época neoclásica sigue directamente a la época del Renacimiento.

Teatros de principios del siglo XVIII: las farsas sexuales de la Restauración fueron reemplazadas por comedias políticamente satíricas, 1737 El Parlamento aprobó la Ley de Licencia de Escenarios que introdujo la censura estatal de las representaciones públicas y limitó el número de teatros en Londres a dos.

Teatro del siglo XIX

El teatro del siglo XIX se divide en dos partes: temprano y tardío. El primer período estuvo dominado por el melodrama y el romanticismo .

A partir de Francia , el melodrama se convirtió en la forma teatral más popular. August von Kotzebue 's Misantropía y arrepentimiento (1789) a menudo se considera la primera obra melodramática. Las obras de Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de principios del siglo XIX.

En Alemania , hubo una tendencia hacia la precisión histórica en el vestuario y la configuración , una revolución en la arquitectura del teatro y la introducción de la forma teatral del romanticismo alemán . Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XIX , los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados con su pasado teutónico y tenían un creciente sentido del nacionalismo . Las obras de Gotthold Ephraim Lessing , Johann Wolfgang von Goethe , Friedrich Schiller y otros dramaturgos de Sturm und Drang inspiraron una fe creciente en el sentimiento y el instinto como guías del comportamiento moral.

En Gran Bretaña , Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos más importantes de su época, aunque las obras de Shelley no se representaron hasta finales de siglo. En los teatros menores, la burletta y el melodrama fueron los más populares. Las obras de Kotzebue fueron traducidos al Inglés y Thomas Holcroft 's Una historia de misterio fue el primero de muchos melodramas inglés. Pierce Egan , Douglas William Jerrold , Edward Fitzball y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en lugar de los melodramas históricos o fantásticos habituales. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballeroso" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro con la aristocracia .

El último período del siglo XIX vio el surgimiento de dos tipos de drama en conflicto: el realismo y el no realismo, como el simbolismo y los precursores del expresionismo .

El realismo comenzó a principios del siglo XIX en Rusia que en otras partes de Europa y tomó una forma más intransigente. Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (que utilizó "detalles domésticos para revelar la confusión interior"), Aleksandr Ostrovsky (que fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuyo Un destino amargo (1859) anticipó el naturalismo ) y León Tolstoi (cuyo El poder de las tinieblas (1886) es "una de las obras naturalistas más eficaces"), una tradición de realismo psicológico en Rusia que culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko .

La fuerza teatral más importante en la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Georg II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble , bajo la dirección de Ludwig Chronegk . Las producciones del Ensemble a menudo se consideran las más históricamente precisas del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. El Meiningen Ensemble se encuentra al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría Gesamtkunstwerk ) y el ascenso del director (a expensas del actor ) como el artista dominante en la creación teatral.

Teatro del Festival de Bayreuth de Richard Wagner .

El naturalismo , un movimiento teatral que nace de Charles Darwin 's El origen de las especies (1859) y las condiciones políticas y económicas contemporáneas, encontró su principal impulsor de Émile Zola . La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces que escribieran drama naturalista. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre que solo estaba abierto a miembros y, por lo tanto, estaba exento de censura. Rápidamente obtuvo la aprobación de Zola y comenzó a escenificar obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras.

En Gran Bretaña, los melodramas, las comedias ligeras, las óperas, Shakespeare y el drama clásico inglés, el burlesque victoriano , las pantomimas , las traducciones de las farsas francesas y, desde la década de 1860, las operetas francesas, continuaron siendo populares. Tan exitosas fueron las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , como HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885), que ampliaron enormemente la audiencia del teatro musical. Esto, junto con el alumbrado público y el transporte mucho mejores en Londres y Nueva York, llevaron a un auge de la construcción de teatros de finales de la época victoriana y eduardiana en el West End y en Broadway. Posteriormente, el trabajo de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero inició un nuevo rumbo en la escena inglesa.

Si bien su trabajo allanó el camino, el desarrollo de un drama más significativo se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen . Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió veinticinco obras de teatro, las más famosas son La casa de muñecas (1879), Fantasmas (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). Además, sus obras Rosmersholm (1886) y When We Dead Awaken (1899) evocan un sentido de fuerzas misteriosas que actúan en el destino humano, que iba a ser un tema principal del simbolismo y el llamado " Teatro del Absurdo ".

Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con la obra de George Bernard Shaw , Oscar Wilde , John Galsworthy , William Butler Yeats y Harley Granville Barker . A diferencia de la mayor parte del trabajo sombrío e intensamente serio de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica . Las comedias musicales eduardianas fueron extremadamente populares, apelando a los gustos de la clase media en los años noventa gay y atendiendo la preferencia del público por el entretenimiento escapista durante la Primera Guerra Mundial.

Teatro del siglo XX

Si bien gran parte del teatro del siglo XX continuó y extendió los proyectos del realismo y el naturalismo , también hubo una gran cantidad de teatro experimental que rechazó esas convenciones. Estos experimentos forman parte de los movimientos modernistas y posmodernistas e incluyen formas de teatro político así como trabajos de orientación más estética. Los ejemplos incluyen: el teatro épico , el teatro de la crueldad y el llamado " teatro del absurdo ".

El término practicante de teatro llegó a usarse para describir a alguien que crea tanto representaciones teatrales como que produce un discurso teórico que informa su trabajo práctico. Un practicante de teatro puede ser un director , un dramaturgo , un actor o, característicamente, a menudo una combinación de estos roles tradicionalmente separados. La "práctica teatral" describe el trabajo colectivo que realizan varios profesionales del teatro. Se utiliza para describir teatro praxis de Konstantin Stanislavski 'desarrollo de su s' sistema 'a través de Vsevolod Meyerhold ' s biomecánica , Bertolt Brecht 's épica y Jerzy Grotowski ' s teatro pobre , hasta el día de hoy, con los profesionales de teatro contemporáneo que incluye Augusto Boal con su teatro del Oprimido , Darío Fo 's teatro popular , Eugenio Barba ' s teatro antropología y Anne Bogart 's puntos de vista .

Otras figuras clave del teatro del siglo XX incluyen: Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Chekhov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Gertrude Stein , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Heiner Müller y Caryl Churchill .

Varios movimientos estéticos continuaron o surgieron en el siglo XX, que incluyen:

Después de la gran popularidad de las comedias musicales eduardianas británicas , el teatro musical estadounidense llegó a dominar el escenario musical, comenzando con los musicales Princess Theatre , seguidos por las obras de los hermanos Gershwin, Cole Porter , Jerome Kern , Rodgers y Hart , y más tarde Rodgers y Hammerstein .

Teatro americano

1752 a 1895 Romanticismo

A lo largo de la mayor parte de la historia, las bellas letras inglesas y el teatro se han separado, pero estas dos formas de arte están interconectadas. Sin embargo, si no aprenden a trabajar de la mano, puede ser perjudicial para la forma de arte. La prosa de la literatura inglesa y las historias que cuenta deben ser representadas y el teatro tiene esa capacidad. Desde el principio, el teatro estadounidense ha sido único y diverso, reflejando la sociedad mientras Estados Unidos perseguía su identidad nacional. El primer juego realizado, en 1752 en Williamsburg Virginia, fue Shakespeare 's 'El mercader de Venecia'. Debido a una sociedad cristiana fuerte , el teatro fue prohibido desde 1774 hasta 1789. Este estándar social se debió a que la Biblia era sagrada y cualquier otra diversión (entretenimiento) se consideraba inapropiada, frívola (sin propósito) y sensual (placentera). Durante la prohibición, el teatro a menudo se escondía al titularse a sí mismo como conferencias morales. El teatro hizo una breve pausa debido a la guerra revolucionaria , pero se reanudó rápidamente después de que terminó la guerra en 1781. El teatro comenzó a extenderse hacia el oeste y, a menudo, las ciudades tenían teatros antes de tener aceras o alcantarillas. Hubo varias compañías de teatro profesionales líderes al principio, pero una de las más influyentes fue Filadelfia (1794-1815); sin embargo, la compañía tenía raíces inestables debido a la prohibición del teatro.

A medida que el país se expandió, también lo hizo el teatro; después de la guerra de 1812, el teatro se dirigió hacia el oeste. Muchos de los nuevos teatros eran administrados por la comunidad , pero en Nueva Orleans los franceses habían comenzado un teatro profesional en 1791. Varias compañías se separaron y establecieron un teatro en Cincinnati, Ohio . El primer teatro oficial del oeste se produjo en 1815 cuando Samuel Drake (1769–1854) llevó a su compañía de teatro profesional de Albany a Pittsburgh, al río Ohio y Kentucky . Junto con este circuito, a veces llevaba a la compañía a Lexington , Louisville y Frankfort . A veces, dirigía la compañía a Ohio , Indiana , Tennessee y Missouri . Si bien había compañías de circuitos, las comunidades de teatro más permanentes en el oeste a menudo se sentaban en los ríos para que hubiera fácil acceso en bote. Durante este período de tiempo, muy pocos teatros estaban sobre el río Ohio y, de hecho, Chicago no tuvo un teatro permanente hasta 1833. Debido a los tiempos turbulentos en Estados Unidos y la crisis económica que sucedió debido a las guerras, el teatro durante su época más expansiva, experimentó quiebra y cambio de dirección. También el teatro americano más temprano tuvo gran Europea influencia porque muchos de los actores habían nacido Inglés y entrenado . Entre 1800 y 1850 la filosofía neoclásica desapareció casi por completo bajo el romanticismo, que fue una gran influencia del teatro estadounidense del siglo XIX que idolatraba al " noble salvaje ". Debido a los nuevos descubrimientos psicológicos y métodos de actuación, eventualmente el romanticismo daría a luz al realismo . Esta tendencia hacia el realismo se produjo entre 1870 y 1895.

1895 a 1945 Realismo

En esta era del teatro, el héroe moral se traslada al hombre moderno que es producto de su entorno. Este gran cambio se debe en parte a la guerra civil porque Estados Unidos ahora estaba manchado con su propia sangre, habiendo perdido su inocencia .

1945 hasta 1990

Durante este período de teatro, Hollywood surgió y amenazó al teatro estadounidense. Sin embargo, el teatro durante este tiempo no disminuyó, pero de hecho fue reconocido y notado en todo el mundo. Tennessee Williams y Arthur Miller alcanzaron fama mundial durante este período.

Teatro africano

Teatro del norte de África

Eventos cuasi-teatrales del Antiguo Egipto

El evento cuasi-teatral más antiguo registrado se remonta al año 2000 a. C. con las " obras de la pasión " del Antiguo Egipto . La historia del dios Osiris se representaba anualmente en festivales de toda la civilización.

Teatro de África Occidental

Teatro de Ghana

El teatro moderno en Ghana surgió a principios del siglo XX. Surgió primero como un comentario literario sobre la colonización de África por Europa. Entre los primeros trabajos en los que se puede ver esto se encuentra The Blinkards escrito por Kobina Sekyi en 1915. The Blinkards es una sátira descarada sobre los africanos que abrazaron la cultura europea que les fue traída. En él, Sekyi degrada a tres grupos de individuos: cualquier europeo, cualquiera que imite a los europeos y el rico agricultor de cacao africano. Sin embargo, esta repentina rebelión fue solo el comienzo del teatro literario de Ghana.

Una obra que tiene similitudes en su punto de vista satírico es Anowa . Escrito por la autora ghanesa Ama Ata Aidoo , comienza con su heroína epónima Anowa rechazando las propuestas de matrimonio de sus muchos pretendientes arreglados. Ella insiste en tomar sus propias decisiones sobre con quién se va a casar. La obra enfatiza la necesidad de igualdad de género y respeto por las mujeres. Este ideal de independencia, así como de igualdad, lleva a Anowa por un sinuoso camino de felicidad y miseria. Anowa elige a un hombre para casarse. Anowa apoya a su esposo Kofi tanto física como emocionalmente. A través de su apoyo, Kofi prospera en riqueza, pero se vuelve pobre como ser espiritual. A través de su acumulación de riqueza, Kofi se pierde en ella. Su matrimonio una vez feliz con Anowa cambia cuando comienza a contratar esclavos en lugar de hacer el trabajo él mismo. Esto para Anowa no tiene sentido porque no hace que Kofi sea mejor que los colonos europeos a quienes detesta por la forma en que siente que han usado a la gente de África. Su matrimonio no tiene hijos, lo que se presume que fue causado por un ritual que Kofi ha realizado intercambiando su virilidad por riqueza. El hecho de que Anowa vea la riqueza obtenida por esclavos de Kofi y la incapacidad de tener un hijo la lleva a suicidarse. El nombre Anowa significa "Fuerza moral superior", mientras que Kofi significa solo "Nacido el viernes". Esta diferencia, incluso en la base de sus nombres, parece implicar la superioridad moral de las mujeres en una sociedad dirigida por hombres.

Otra obra de importancia es The Marriage of Anansewa , escrita en 1975 por Efua Sutherland . Toda la obra se basa en una tradición oral Akan llamada Anansesem (cuentos populares). El personaje principal de la obra es Ananse (la araña). Las cualidades de Ananse son una de las partes más prevalentes de la obra. Ananse es astuto, egoísta, tiene una gran comprensión de la naturaleza humana y animal, es ambicioso, elocuente e ingenioso. Al poner demasiado de sí mismo en todo lo que hace, Ananse arruina cada uno de sus planes y termina siendo pobre. Ananse se usa en la obra como una especie de hombre común. Está escrito en un sentido exagerado para forzar el proceso de autoexamen. Ananse se utiliza como una forma de iniciar una conversación para el cambio en la sociedad de cualquiera que lea. La obra cuenta cómo Ananse intenta casar a su hija Anansewa con cualquiera de una selección de jefes ricos, u otro tipo de pretendiente rico simultáneamente, para recaudar dinero. Finalmente, todos los pretendientes llegan a su casa a la vez, y él tiene que usar toda su astucia para calmar la situación. El narrador no solo narra, sino que también representa, reacciona y comenta la acción del cuento. Junto con esto, se utiliza Mbuguous, Mbuguous es el nombre que se le da a una secta muy especializada de la técnica teatral de Ghana que permite la participación del público. Lo Mbuguous de este cuento son canciones que embellecen el cuento o lo comentan. La espontaneidad a través de esta técnica, así como la improvisación, se utilizan lo suficiente para cumplir con cualquier estándar del teatro moderno.

Teatro yoruba

En su estudio pionero del teatro Yoruba , Joel Adedeji remonta sus orígenes a la mascarada del Egungun (el "culto al antepasado"). La ceremonia tradicional culmina en la esencia de la mascarada donde se considera que los antepasados ​​regresan al mundo de los vivos para visitar a sus descendientes. Además de su origen en el ritual, el teatro Yoruba puede rastrearse hasta la naturaleza 'teatrogénica' de varias deidades del panteón Yoruba , como Obatala, la divinidad suprema , Ogun , la divinidad de la creatividad, así como el Hierro y la tecnología. y Sango, la divinidad de la tormenta ", cuya reverencia está imbuida" de drama y teatro y de la relevancia general simbólica en términos de su interpretación relativa ".

La tradición teatral de Aláàrìnjó surgió de la mascarada de Egungun en el siglo XVI. El Aláàrìnjó era una compañía de artistas itinerantes cuyas formas enmascaradas llevaban un aire de mística. Crearon escenas cortas y satíricas que se basaron en una serie de personajes estereotipados establecidos. Sus actuaciones utilizaron mimo , música y acrobacias . La tradición de Aláàrìnjó influyó en el teatro itinerante popular, que fue la forma de teatro más prevalente y altamente desarrollada en Nigeria desde la década de 1950 hasta la de 1980. En la década de 1990, el popular teatro ambulante se trasladó a la televisión y al cine y ahora ofrece representaciones en vivo muy pocas veces.

El "teatro total" también se desarrolló en Nigeria en la década de 1950. Utilizó técnicas no naturalistas, imágenes físicas surrealistas y ejerció un uso flexible del lenguaje. Los dramaturgos que escribieron a mediados de la década de 1970 hicieron uso de algunas de estas técnicas, pero las articularon con "una apreciación radical de los problemas de la sociedad".

Los modos de actuación tradicionales han influido fuertemente en las principales figuras del teatro nigeriano contemporáneo. La obra de Hubert Ogunde (a veces referido como el "padre del teatro Yoruban contemporáneo") fue informada por la tradición de Aláàrìnjó y las mascaradas de Egungun. Wole Soyinka , quien es "generalmente reconocido como el dramaturgo vivo más grande de África", le da a la divinidad Ogun un significado metafísico complejo en su obra. En su ensayo "The Fourth Stage" (1973), Soyinka contrasta el drama yoruba con el drama clásico ateniense , relacionando ambos con el análisis del filósofo alemán del siglo XIX Friedrich Nietzsche sobre este último en The Birth of Tragedy (1872). Ogun, argumenta, es "una totalidad de las virtudes dionisíaca, apolínea y prometeica ".

Los proponentes del teatro ambulante en Nigeria incluyen a Duro Ladipo y Moses Olaiya (un acto cómico popular). Estos practicantes contribuyeron mucho al campo del teatro africano durante el período de mezcla y experimentación de lo indígena con el teatro occidental.

Teatro de la diáspora africana

Teatro afroamericano

La historia del teatro afroamericano tiene un origen dual. El primero tiene sus raíces en el teatro local donde los afroamericanos actuaban en cabañas y parques. Sus actuaciones (cuentos populares, canciones, música y danza) tenían sus raíces en la cultura africana antes de ser influenciadas por el entorno estadounidense. African Grove Theatre fue el primer teatro afroamericano establecido en 1821 por William Henry Brown ISBN  0521465850

Teatro asiático

Mani Damodara Chakyar como el rey Udayana en Swapnavasavadattam Koodiyattam de Bhasa , el único teatro antiguo en sánscrito que ha sobrevivido .

Teatro indio

Descripción general del teatro indio

La forma más antigua de teatro indio fue el teatro sánscrito . Surgió en algún momento entre el siglo XV a.C. y el siglo I y floreció entre el siglo I y el X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. El texto védico como el Rigveda proporciona evidencias de obras de teatro que se representan durante las ceremonias de Yajna . Los diálogos mencionados en los textos van desde el monólogo de una persona hasta el diálogo de tres personas, por ejemplo, el diálogo entre Indra, Indrani y Vrishakapi. Los diálogos no son solo religiosos en su contexto, sino también seculares, por ejemplo, un monólogo rigvédico trata sobre un jugador cuya vida se arruinó a causa de ello y ha alejado a su esposa y sus padres también lo odian. Panini en el siglo V aC menciona un texto dramático Natasutra escrito por dos dramaturgos indios Shilalin y Krishashva. Patanjali también menciona el nombre de obras que se han perdido, como kemsavadha y Balibandha. Las cuevas de Sitabenga que datan del siglo III a. C. y las cuevas de Khandagiri del siglo II a. C. son los primeros ejemplos de arquitectura teatral en la India. Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desalentado o prohibido por completo. Más tarde, en un intento por reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de aldea en todo el subcontinente, desarrollándose en una gran cantidad de idiomas regionales desde los siglos XV al XIX. El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial bajo el Imperio Británico , desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX.

Teatro sánscrito

Los primeros fragmentos supervivientes del drama sánscrito datan del siglo I. La riqueza de la evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece indicios de la existencia de una tradición teatral. Los Vedas (la literatura india más antigua, de entre 1500 y 600 aC) no contienen indicios de ello; aunque un pequeño número de himnos se componen en forma de diálogo ), los rituales del período védico no parecen haberse convertido en teatro. El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pudo haber sido la semilla del drama sánscrito. Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India .

Sin embargo, aunque no hay fragmentos sobrevivientes de ningún drama anterior a esta fecha, es posible que la literatura budista temprana proporcione la evidencia más temprana de la existencia del teatro indio. Los suttas Pali (que van desde los siglos V al III a. C.) se refieren a la existencia de grupos de actores (dirigidos por un actor principal), que representaban dramas en un escenario. Se indica que estos dramas incorporaron la danza, pero se enumeraron como una forma distinta de actuación, junto con la danza, el canto y la recitación de cuentos. (Según textos budistas posteriores, el rey Bimbisara , contemporáneo de Gautama Buda , hizo representar un drama para otro rey. Esto sería ya en el siglo V a. C., pero el evento solo se describe en textos muy posteriores, del siglo III a. C. Siglos IV d.C.)

La principal fuente de evidencia del teatro sánscrito es Un tratado sobre el teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. hasta el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , la utilería , la organización de compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito fue realizado en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.

Bajo el patrocinio de las cortes reales, los artistas pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también puede haber actuado. Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero: el significado literal de " sutradhara " es "portador de las cuerdas o hilos". Los intérpretes fueron entrenados rigurosamente en técnica vocal y física. No hay prohibiciones contra las mujeres artistas; las empresas eran exclusivamente masculinas, exclusivamente femeninas y de género mixto. Sin embargo, se consideró que ciertos sentimientos eran inapropiados para que los hombres los manifestaran y se pensaba que se adaptaban mejor a las mujeres. Algunos artistas interpretaron personajes de su propia edad, mientras que otros interpretaron personajes diferentes a los suyos (ya sean más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta más atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal está en el último.

Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita . Se utiliza caracteres comunes , tales como el héroe ( nayaka ), heroína ( nayika ), o un payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I a. C., se considera posiblemente el mayor dramaturgo sánscrito de la India antigua . Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). El último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832).

El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. Siglo VII). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606–648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .

Teatro tradicional indio

Kathakali

Kathakali es una danza india clásica altamente estilizada : drama que se destaca por la atractiva composición de los personajes, los trajes elaborados, los gestos detallados y los movimientos corporales bien definidos presentados en sintonía con la música de reproducción del ancla y la percusión complementaria. Se originó en el estado actual de Kerala en el país durante el siglo XVII y se ha desarrollado a lo largo de los años con una apariencia mejorada, gestos refinados y temas agregados además de cantos más ornamentados y percusión precisa.

Teatro indio moderno

Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras de teatro destacadas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra ( Chitrangada , 1892), El rey de la cámara oscura ( Raja , 1910), La oficina de correos ( Dakghar , 1913) y Red Oleander ( Raktakarabi , 1924).

Teatro chino

Teatro Shang

Hay referencias a los entretenimientos teatrales en China ya en 1500 a. C. durante la dinastía Shang ; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas.

Teatro Han y Tang

Durante la dinastía Han, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaron por el método de fabricación de los títeres y la colocación de las varillas en los títeres, en contraposición al tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos representaban por lo general obras de teatro que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para la propaganda política. Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también fue muy frecuente; una cara negra representaba honestidad, una roja valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses se unieron perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, la audiencia no los vio cuando se creó la sombra. Los títeres pequinés eran más delicados y más pequeños. Fueron creados con cuero fino y translúcido que generalmente se toma del vientre de un burro. Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que arrojaron una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se colocaban fuera de la sombra de la marioneta; por tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.

La dinastía Tang a veces se conoce como "La edad de los 1000 entretenimientos". Durante esta era, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como Children of the Pear Garden para producir una forma de drama que era principalmente musical.

Teatro Song y Yuan

En la dinastía Song , hubo muchas obras populares que incluían acrobacias y música . Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos.

El drama yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Beijing, que sigue siendo popular en la actualidad.

Teatro indonesio

Actuación del teatro Wayang Wong cerca del complejo del templo de Prambanan

El teatro indonesio se ha convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante cientos de años. La mayoría de las formas de teatro más antiguas de Indonesia están vinculadas directamente a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los prominentes teatros de marionetas - wayang golek (teatro de títeres de varilla de madera) del sundanés y wayang kulit (teatro de marionetas de sombras de cuero) de los javaneses y balineses - extraen gran parte de su repertorio de versiones autóctonas del Ramayana y el Mahabharata . Estos cuentos también proporcionan material de origen para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Wayang wong es un tipo de representación teatral de danza clásica javanesa con temas tomados de episodios del Ramayana o Mahabharata . Los paneles en bajorrelieve del templo de Prambanan del siglo IX muestran episodios de la epopeya del Ramayana. La adaptación de los episodios del Mahabharata se ha integrado en la tradición literaria javanesa desde la era Kahuripan y Kediri, con ejemplos notables como Arjunawiwaha , compuesto por Mpu Kanwa en el siglo XI. El templo de Penataran en Java Oriental representa temas del Ramayana y Mahabharata en sus bajorrelieves. Wayang wong fue una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices asumieron los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción de piedra Wimalarama de Java Oriental fechada en 930 EC. El género se realiza actualmente en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central , Bali y Cirebon , así como en Sundanese ( Java Occidental ).

Teatro Khmer

En Camboya , en la antigua capital Angkor Wat , se han grabado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios.

Teatro tailandés

En Tailandia , ha sido una tradición desde la Edad Media representar obras de teatro basadas en tramas extraídas de las epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional de Tailandia Ramakien , una versión del Ramayana indio , sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy.

Teatro filipino

Durante el reinado de 333 años del gobierno español, introdujeron en las islas la religión católica y el estilo de vida español, que gradualmente se fusionó con la cultura indígena para formar la “cultura popular de las tierras bajas” ahora compartida por los principales grupos etnolingüísticos. Hoy, las formas dramáticas introducidas o influenciadas por España continúan viviendo en las zonas rurales de todo el archipiélago. Estas formas incluyen la komedya, los playlets, el sinakulo, la sarswela y el drama. En los últimos años, algunas de estas formas se han revitalizado para que respondan mejor a las condiciones y necesidades de una nación en desarrollo.

Teatro japonés

No h

Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que realizaban comedias breves, a veces vulgares. Un director de una de estas empresas, Kan'ami (1333-1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores actores infantiles de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el Shōgun de Japón, le imploró a Zeami que tuviera una educación en la corte para sus artes. Después de que Zeami sucedió a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh . Una mezcla de pantomima y acrobacia vocal, este estilo ha fascinado a los japoneses durante cientos de años.

Bunraku

Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, estaba unificado y en paz principalmente gracias al shōgun Tokugawa Ieyasu (1543-1616). Sin embargo, alarmado por el aumento del crecimiento cristiano, cortó el contacto de Japón con Europa y China y proscribió el cristianismo. Cuando llegó la paz, un florecimiento de la influencia cultural y la creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku ). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma de teatro muy estilizada que utiliza títeres, hoy en día aproximadamente 1/3 del tamaño de un humano. Los hombres que controlan los títeres entrenan toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, cuando luego pueden operar la cabeza y el brazo derecho del títere y elegir mostrar sus caras durante la actuación. Los otros titiriteros, controlando los miembros menos importantes del títere, se cubren a sí mismos y a sus rostros con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El diálogo es manejado por una sola persona, que utiliza tonos de voz variados y modales para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras durante su carrera, la mayoría de las cuales todavía se utilizan hoy. Llevaban máscaras en lugar de maquillaje elaborado. Las máscaras definen su género, personalidad y estados de ánimo en los que se encuentra el actor.

Kabuki

Kabuki comenzó poco después de Bunraku, cuenta la leyenda por una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material de Kabuki provino de Nõ y Bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo danza también son un efecto de Bunraku. Sin embargo, Kabuki es menos formal y más distante que Nõ, pero muy popular entre el público japonés. Los actores están entrenados en muchas cosas variadas, como baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. El Kabuki fue realizado por primera vez por niñas, luego por niños, y a finales del siglo XVI, las compañías de Kabuki estaban formadas por todos los hombres. Los hombres que retrataban a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para extraer la esencia de una mujer en sus sutiles movimientos y gestos.

Butoh

Gyohei Zaitsu interpretando Butoh

Butoh es el nombre colectivo de una amplia gama de actividades, técnicas y motivaciones para la danza , la actuación o el movimiento inspirados en el movimiento Ankoku-Butoh (暗 黒舞 踏, ankoku butō ) . Por lo general, involucra imágenes lúdicas y grotescas, temas tabú, entornos extremos o absurdos, y tradicionalmente se realiza con maquillaje de cuerpo blanco con movimiento lento hipercontrolado, con o sin audiencia. No hay un estilo establecido, y puede ser puramente conceptual sin ningún movimiento. Sus orígenes se han atribuido a las leyendas de la danza japonesa Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno . Butoh apareció por primera vez en Japón después de la Segunda Guerra Mundial y específicamente después de los disturbios estudiantiles . Los roles de autoridad ahora estaban sujetos a desafío y subversión. También apareció como una reacción contra la escena de la danza contemporánea en Japón, que para Hijikata se basaba por un lado en imitar a Occidente y por otro en imitar al Noh . Criticó el estado actual de la danza como demasiado superficial.

Teatro turco

Primera mención de obras de teatro en el imperio otomano relacionadas con la aparición de judíos españoles allí a finales de los siglos XV-XVI. Más tarde, otras minorías, como romaníes, griegos y armenios se involucraron en el campo. Posteriormente, el equivalente turco de la commedia dell'arte : el Orta oyunu se hizo muy popular en todo el Imperio.

Teatro persa

Teatro islámico medieval

Las formas más populares de teatro en el mundo islámico medieval eran el teatro de marionetas (que incluía títeres de mano , juegos de sombras y producciones de marionetas ) y las obras de teatro de pasión en vivo conocidas como ta'ziya , en las que los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras de teatro islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares conocidas como akhraja se registraron en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya .

Ver también

Notas

Referencias

Fuentes

  • Adejeji, Joel. 1969. "Teatro Tradicional Yoruba". African Arts 3.1 (primavera): 60–63. JSTOR  3334461
  • Banham, Martin, ed. 1995. The Cambridge Guide to Theatre. Rev. ed. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-43437-9 .
  • Banham, Martin, Errol Hill y George Woodyard, eds. 2005. The Cambridge Guide to African and Caribbean Theatre. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-61207-4 .
  • Baumer, Rachel Van M. y James R. Brandon, eds. 1981. Teatro Sánscrito en Performance. Delhi: Motilal Banarsidass, 1993. ISBN  978-81-208-0772-3 .
  • Beacham, Richard C. 1996. El teatro romano y su público. Cambridge, MA: Harvard UP. ISBN  978-0-674-77914-3 .
  • Benedetti, Jean. 1999. Stanislavski: su vida y arte . Edición revisada. Edición original publicada en 1988. Londres: Methuen. ISBN  0-413-52520-1 .
  • ––. 2005. El arte del actor: la historia esencial de la actuación, desde la época clásica hasta la actualidad. Londres: Methuen. ISBN  0-413-77336-1 .
  • Brandon, James R. 1981. Introducción. En Baumer y Brandon (1981, xvii – xx).
  • ––, ed. 1997. The Cambridge Guide to Asian Theatre. 2do, rev. ed. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-58822-5 .
  • Brinton, Crane, John B Christopher y Robert Lee Wolff. 1981. Civilization in the West: Part 1 Prehistory to 1715. 4th ed. Englewood Cliffs, Nueva Jersey: Prentice-Hall. ISBN  978-0-13-134924-7 .
  • Brockett, Oscar G. y Franklin J. Hildy. 2003. Historia del Teatro . Novena edición, edición internacional. Boston: Allyn y Bacon. ISBN  0-205-41050-2 .
  • Brown, Andrew. 1995. "Antigua Grecia". En Banham (1995, 441–447).
  • Cartledge, Paul. 1997. "'Deep Plays': el teatro como proceso en la vida cívica griega". En Easterling (1997, 3-35).
  • Cohen, Robert y Donovan Sherman. 2020. "Capítulo 7: Tradiciones teatrales". Teatro: Edición breve . Duodécima ed. Nueva York, NY. ISBN  978-1-260-05738-6 . OCLC  1073038874 .
  • Aconseja, Colin. 1996. Signos de actuación: una introducción al teatro del siglo XX. Londres y Nueva York: Routledge. ISBN  978-0-415-10643-6 .
  • Davidson, John. 2005. "Producción teatral". En Gregory (2005, 194-211).
  • Duffy, Eamon. 1992. El despojo de los altares: religión tradicional en Inglaterra, 1400-1580. New Haven: Yale UP. ISBN  978-0-300-06076-8 .
  • Easterling, PE, ed. 1997. The Cambridge Companion to Greek Tragedy . Compañeros de Cambridge a la literatura ser. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  0-521-42351-1 .
  • Falossi, F. y Mastropasqua, F. "L'Incanto Della Maschera". Vol. 1 Prinp Editore, Torino: 2014 www.prinp.com ISBN  978-88-97677-50-5
  • Finley, Moses I. 1991. Los antiguos griegos: una introducción a su vida y pensamiento. Londres: Penguin. ISBN  978-0-14-013707-1 .
  • Goldhill, Simon. 1997. "La audiencia de la tragedia ateniense". En Easterling (1997, 54–68).
  • ––. 1999. "Notas del programa". En Goldhill y Osborne (2004, 1-29).
  • ––. 2008. "Generalizando sobre la tragedia". En Felski (2008b, 45–65).
  • Goldhill, Simon y Robin Osborne, eds. 2004. Cultura del espectáculo y democracia ateniense. Nueva edición. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-60431-4 .
  • Gregory, Justina, ed. 2005. Un compañero de la tragedia griega. Compañeros de Blackwell al mundo antiguo ser. Malden, MA y Oxford: Blackwell. ISBN  1-4051-7549-4 .
  • Maldito, David. 1968. Melodrama presentado: Teatro y cultura estadounidenses, 1800–50. Chicago: Universidad de Chicago P. ISBN  978-0-226-30901-9 .
  • Gurr, Andrew . 1992. The Shakespearean Stage 1574-1642 . Tercera ed. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-42240-X .
  • Hume, Robert D. 1976. El desarrollo del drama inglés a finales del siglo XVII . Oxford: Clarendon Press. ISBN  978-0-19-811799-5 .
  • Janko, Richard, trad. 1987. Poética con Tractatus Coislinianus, Reconstrucción de Poética II y los Fragmentos de Sobre los poetas. Por Aristóteles . Cambridge: Hackett. ISBN  0-87220-033-7 .
  • Kovacs, David. 2005. "Texto y Transmisión". En Gregory (2005, 379–393).
  • Ley, Graham. 2006. Una breve introducción al teatro griego antiguo. Rev. ed. Chicago y Londres: U de Chicago P. ISBN  978-0-226-47761-9 .
  • -. 2007. La teatralidad de la tragedia griega: espacio de juego y coro. Chicago y Londres: U de Chicago P. ISBN  978-0-226-47757-2 .
  • McCullough, Christopher, ed. 1998. La praxis teatral: la enseñanza del teatro a través de la práctica. Nuevas direcciones en el Teatro Ser. Londres: Macmillan. ISBN  978-0-333-64996-1 . Nueva York: St Martin's P. ISBN  978-0-312-21611-5 .
  • ––. 1996. Teatro y Europa (1957-1996). Intelecto Estudios Europeos ser. Exeter: intelecto. ISBN  978-1-871516-82-1 .
  • McDonald, Marianne. 2003. El arte vivo de la tragedia griega. Bloomington: Indiana UP. ISBN  978-0-253-21597-0 .
  • McKay, John P., Bennett D. Hill y John Buckler. 1996. Historia de las sociedades mundiales. 4ª ed. Boston: Houghton Mifflin. ISBN  978-0-395-75377-4 .
  • Milhous, Judith 1979. Thomas Betterton y la administración de Lincoln's Inn Fields 1695-1708 . Carbondale, Illinois: Sur de Illinois UP. ISBN  978-0-8093-0906-1 .
  • Milling, Jane y Graham Ley. 2001. Teorías modernas de la interpretación: de Stanislavski a Boal. Basingstoke, Hampshire y Nueva York: Palgrave. ISBN  978-0-333-77542-4 .
  • Moreh, Shmuel. 1986. "Teatro en vivo en el Islam medieval". En Estudios de Historia y Civilización Islámicas en Honor al Profesor David Ayalon. Ed. Moshe Sharon . Cana, Leiden: Brillante. 565–601. ISBN  978-965-264-014-7 .
  • Munby, Julian, Richard Barber y Richard Brown. 2007. Mesa Redonda de Eduardo III en Windsor: La Casa de la Mesa Redonda y el Festival de Windsor de 1344. Arthurian Studies ser. Woodbridge: Boydell P. ISBN  978-1-84383-391-8 .
  • Noret, Joël. 2008. "Entre la autenticidad y la nostalgia: la creación de una tradición yoruba en el sur de Benin". African Arts 41.4 (invierno): 26–31.
  • Pavis, Patrice. 1998. Diccionario del teatro: términos, conceptos y análisis. Trans. Christine Shantz. Toronto y Buffalo: U de Toronto P. ISBN  978-0-8020-8163-6 .
  • Pelling, Christopher. 2005. "Tragedia, retórica y cultura escénica". En Gregory (2005, 83-102).
  • Rehm, Rush . 1992. Teatro Trágico Griego. Estudios de Producción Teatral ser. Londres y Nueva York: Routledge. ISBN  0-415-11894-8 .
  • Richmond, Farley. 1995. "India". En Banham (1995, 516-525).
  • Richmond, Farley P., Darius L. Swann y Phillip B. Zarrilli, eds. 1993. Teatro indio: Tradiciones de la interpretación. U de Hawái P. ISBN  978-0-8248-1322-2 .
  • Soyinka, Wole . 1973. "La cuarta etapa: a través de los misterios de Ogun hasta el origen de la tragedia yoruba". En The Morality of Art: Ensayos presentados a G. Wilson Knight por sus colegas y amigos. Ed. Douglas William Jefferson. Londres: Routledge y Kegan Paul. 119-134. ISBN  978-0-7100-6280-2 .
  • Styan, JL 2000. Drama: Una guía para el estudio de obras. Nueva York: Peter Lang. ISBN  978-0-8204-4489-5 .
  • Taplin, Oliver . 2003. Tragedia griega en acción. Segunda edicion. Londres y Nueva York: Routledge. ISBN  978-0-7486-1987-0 .
  • Taxidou, Olga. 2004. Tragedia, modernidad y duelo . Edimburgo: Edimburgo UP. ISBN  0-7486-1987-9 .
  • Thornbrough, Emma Lou. 1996. Los antiguos griegos. Acton, MA: Copley. ISBN  978-0-87411-860-5 .
  • Tsitsiridis, Stavros, "Mimo griego en el Imperio Romano (P.Oxy. 413: Charition and Moicheutria ", Logeion 1 (2011) 184-232.
  • Vernant, Jean-Pierre y Pierre Vidal-Naquet . 1988. Mito y tragedia en la antigua Grecia. Trans. Janet Lloyd. Nueva York: Zone Books, 1990.
  • Walton, J. Michael. 1997. Introducción. En Plays VI. Por Eurípides. Methuen Dramaturgos griegos clásicos ser. Londres: Methuen. vii – xxii. ISBN  0-413-71650-3 .
  • Williams, Raymond . 1966. Modern Tragedy . Londres: Chatto y Windus. ISBN  0-7011-1260-3 .
  • Zarrilli, Phillip B. 1984. El complejo Kathakali: actor, performance y estructura. [Sl]: Libros de Asia del Sur. ISBN  978-0-391-03029-9 .

enlaces externos