historia de la danza -History of dance

Bailarina velada, estatuilla de terracota griega antigua de Myrina , ca. 150–100 a. Museo Louvre
Estatuilla de terracota griega antigua de una ménade danzante, siglo III a. C., de Taranto .

La historia de la danza es de difícil acceso porque la danza no suele dejar atrás artefactos físicos claramente identificables que perduren durante milenios, como herramientas de piedra , implementos de caza o pinturas rupestres . No es posible identificar con precisión exacta cuándo la danza se convirtió en parte de la cultura humana .

baile temprano

El impulso natural de bailar puede haber existido en los primeros primates antes de que se convirtieran en humanos. La danza ha sido una parte importante de las ceremonias , los rituales , las celebraciones y el entretenimiento desde antes del nacimiento de las primeras civilizaciones humanas . La arqueología ofrece rastros de danza desde tiempos prehistóricos , como las pinturas de los refugios rocosos de Bhimbetka de 10,000 años de antigüedad en la India y las pinturas de las tumbas egipcias que representan figuras danzantes de c. 3300 a.C. Muchas formas de danza contemporánea se remontan a danzas históricas , tradicionales , ceremoniales y étnicas del período antiguo.

Medios de comunicación y vinculación social.

La danza puede haber sido utilizada como una herramienta de interacción social que promovió la cooperación esencial para la supervivencia entre los primeros humanos. Los estudios encontraron que los mejores bailarines de hoy comparten dos genes específicos asociados con una predisposición para ser buenos comunicadores sociales.

Además, el término “kinestésico” es el término adecuado para ayudar a entender cómo la danza hace comunicación, y significa reconocimiento del movimiento del propio cuerpo, esta palabra es una combinación de dos palabras (kinein=mover, aesthesis=percepción). Y la danza en la comunicación es como el lenguaje, se puede entender, sentir, ver y oír. Cuando alguien usa todos los músculos del cuerpo y el sentimiento en un baile, enviarás como un mensaje a la audiencia o a quien estaba mirando. Así que los movimientos de baile y los sonidos de fondo también juegan un papel importante. Cuando hay una actuación grupal tomándose de las manos o de los hombros o incluso bailando uno frente al otro, los hace sentir comunicados y unidos.

Como celebraciones populares

Muchas danzas de los primeros períodos se realizaban como un ritual para los dioses que los antepasados ​​creían que debían entretenerse para la paz mundial. Danza utilizada en muchas celebraciones y hasta ahora. A lo largo de la historia podemos notar que la danza tuvo muchos usos como también la danza comunitaria, la cosecha y el culto. La evolución de la danza comenzó como orígenes folclóricos a las presentaciones de la corte y ahora al teatro o incluso a las películas de cine.

En ceremonias y rituales.

La danza se puede realizar en rituales religiosos o chamánicos, por ejemplo, en la danza de la lluvia que se realiza en tiempos de sequía. Los chamanes que bailan para la lluvia se mencionan en textos chinos antiguos. La danza es un aspecto importante de algunos ritos religiosos en el antiguo Egipto, de manera similar, la danza también es parte integral de muchas ceremonias y ritos entre los africanos. Las danzas rituales también se pueden realizar en templos y durante festivales religiosos, por ejemplo, las danzas rituales Rasa de la India (varias danzas clásicas indias pueden tener su origen en danzas rituales) y las danzas Cham del Tíbet.

Como método de curación.

Otro uso temprano de la danza puede haber sido como un precursor de los estados de trance extático en los rituales de curación. La danza es utilizada para este propósito por muchas culturas desde la selva tropical brasileña hasta el desierto de Kalahari . Se pensaba que las danzas macabras europeas medievales protegían a los participantes de las enfermedades; sin embargo, la histeria y la duración de estos bailes en ocasiones conducían a la muerte por agotamiento.

Según una leyenda cingalesa, las danzas de Kandy se originaron hace 2500 años a partir de un ritual de danza mágica que rompió el hechizo de un rey embrujado para curarlo de una misteriosa enfermedad.

Como método de expresión.

Uno de los primeros usos estructurados de las danzas puede haber sido en la representación y en la narración de mitos. A veces también se usaba para mostrar sentimientos por alguien del género opuesto. También está vinculado al origen de "hacer el amor". Antes de la producción de lenguajes escritos, la danza era uno de los métodos de transmisión de estas historias de generación en generación.

En la cultura europea, uno de los primeros registros de baile es de Homero , cuya Ilíada describe la corea (χορεία khoreia ). Los primeros griegos convirtieron el arte de la danza en un sistema, expresivo de todas las diferentes pasiones. Por ejemplo, la danza de las Furias , así representada, crearía un completo terror entre quienes las presenciaran. El filósofo griego Aristóteles clasificó la danza con la poesía y dijo que ciertos bailarines, con el ritmo aplicado al gesto, podían expresar modales, pasiones y acciones. Los escultores griegos más eminentes estudiaron la actitud de los bailarines por su arte de imitar la pasión.

Tradiciones culturales

Asia

Shiva como Nataraja (Señor de la Danza)

danza clásica india

Un manuscrito antiguo que describe la danza es el Natya Shastra en el que se basa la interpretación moderna de la danza clásica india (p. ej ., Bharathanatyam ).

Durante el reinado de los últimos mogoles y nawabs de Oudh , la danza cayó al estado de ' nautch ', una sensualidad poco ética de las cortesanas.

Más tarde, al vincular la danza con el tráfico inmoral y la prostitución, el gobierno británico prohibió la ejecución pública de la danza. Muchos lo desaprobaron. En 1947, la India ganó su libertad y creó para la danza un ambiente en el que podría recuperar su pasado esplendor. Se redescubrieron las formas clásicas y las distinciones regionales, se honraron las especialidades étnicas y, al sintetizarlas con los talentos individuales de los maestros en la línea y las innovaciones frescas, emergió la danza con una nueva cara pero con el clasicismo del pasado.

En Sri Lanka , la antigua crónica cingalesa Mahavamsa afirma que cuando el rey Vijaya desembarcó en Sri Lanka en 543 a. C., escuchó sonidos de música y baile de una ceremonia de boda. Los orígenes de las danzas de Sri Lanka se remontan a las tribus aborígenes ya los tiempos mitológicos de los gemelos yingyang aborígenes y los " yakkas " (diablos). Las danzas clásicas de Sri Lanka (danzas de Kandy) cuentan con un sistema altamente desarrollado de tala (ritmo) y proporcionado por platillos llamados thalampataa.

danza china

Detalles de una copia de una pintura del siglo X Night Revels of Han Xizai de Gu Hongzhong , que representa a un bailarín realizando una danza conocida en la dinastía Tang .

Hay una larga historia registrada de danzas chinas. Algunas de las danzas mencionadas en los textos antiguos, como el baile con movimientos de manga, todavía se realizan en la actualidad. Algunas de las primeras danzas estaban asociadas con rituales chamánicos. Las danzas folclóricas del período temprano también se convirtieron en danzas de la corte. Las danzas importantes del período antiguo fueron el yayue ceremonial que data de la dinastía Zhou del primer milenio antes de Cristo. El arte de la danza en China alcanzó su apogeo durante la dinastía Tang , un período en el que bailarines de muchas partes del mundo también actuaron en la corte imperial. Sin embargo, la ópera china se hizo popular durante la dinastía Song y Yuan, y muchos bailes se fusionaron con la ópera china. El arte de la danza en las mujeres también disminuyó a partir de la dinastía Song como resultado de la creciente popularidad del vendaje de los pies , una práctica que, irónicamente, puede haberse originado al bailar cuando una bailarina se envolvía los pies para poder bailar a la manera del ballet. Las danzas tradicionales chinas más conocidas son la danza del dragón y la danza del león . La danza del león se describió en la dinastía Tang en una forma que se asemeja a la danza actual.

Europa

Pietro Longhi , La lezirawrone di danza ("La lección de baile"), ca 1741, Venezia, Gallerie dell'Accademia.

Siglos XV-XIX: del baile de la corte al romanticismo

Los orígenes del ballet se remontan a las cortes renacentistas italianas del siglo XV. Los maestros de baile enseñarían los pasos de la nobleza y la corte participaría en actuaciones como una forma de entretenimiento social. Esta práctica continuó durante varios siglos. En el siglo XVII, el ballet cortesano alcanzó su apogeo bajo el gobierno del rey Luis XIV .

En el siglo XVIII, el ballet había migrado de las cortes reales de Francia e Italia a la Ópera de París bajo la cuidadosa dirección del compositor y bailarín Jean-Baptiste Lully . Lully buscó convertir el ballet en un arte más serio. Bajo su influencia, el ballet se convirtió en un arte reconocido que era interpretado por bailarines profesionales en lugar de cortesanos.

Durante el siglo XVIII, el ballet pasó de ser un baile cortesano de imágenes en movimiento como un espectáculo a un arte de actuación por derecho propio. Las representaciones de ballet se desarrollaban en torno a una narrativa central y contenían un movimiento expresivo que revelaba las relaciones entre los personajes. Este estilo dramático de ballet se conoció como el ballet d'action . El ballet d'action se esforzó por expresar, por primera vez, las emociones humanas extraídas directamente de los propios bailarines. Se quitaron las máscaras que antes usaban los artistas para que el contenido emocional pudiera derivarse de las expresiones faciales.

Los disfraces durante este tiempo eran muy restrictivos para los bailarines. Aunque se fomentaba un uso más expresivo del cuerpo, los movimientos de las bailarinas seguían estando restringidos por los materiales pesados ​​y los vestidos encorsetados. Los disfraces a menudo cubrían el físico de un bailarín y dificultaban ver coreografías complejas o intrincadas. No fue hasta que el coreógrafo Jean Georges Noverre pidió reformas de la danza en 1760 con sus Cartas sobre la danza y los ballets que los disfraces se volvieron más propicios. Noverre instó a que los disfraces se elaboren con telas livianas que se muevan con fluidez con el cuerpo, complementando la figura del bailarín. Además, los bailarines usaban pantuflas suaves que se ajustaban bien al pie. Este diseño de calzado infundió confianza en la bailarina , desafiándola a bailar de puntillas. El vestuario naturalista permitió a los bailarines traspasar los límites del movimiento y eventualmente ascender en punta .

La era del romanticismo produjo ballets inspirados en la fantasía, la mística y las culturas desconocidas de lugares exóticos. Ballets que se centraron más en las emociones, la fantasía y los mundos espirituales y anunciaron el comienzo del verdadero trabajo de puntas. Ahora, de puntillas, la bailarina deificada (encarnada en este período por la legendaria bailarina Marie Taglioni ) parecía rozar mágicamente la superficie del escenario, un ser etéreo que nunca llegaba a tocar el suelo. Fue durante este período que la estrella ascendente de la bailarina eclipsó bastante la presencia del pobre bailarín, que en muchos casos quedó reducido al estado de una estatua en movimiento, presente solo para levantar a la bailarina. Este triste estado en realidad solo fue reparado por el ascenso de la estrella de ballet masculino Vaslav Nijinsky , con los Ballets Russes , a principios del siglo XX. El ballet, tal como lo conocemos, había evolucionado bien y realmente en ese momento, con todas las convenciones familiares de vestuario, forma coreográfica, trama, pompa y circunstancia firmemente fijadas en su lugar. Nijinsky incorporó el atletismo al ballet. Aunque en ese momento su coreografía fue considerada como controvertida, ahora son considerados como uno de los primeros ballets contemporáneos. [1]

Principios del siglo XX: del ballet a la danza contemporánea

Desde que los Ballets Russes comenzaron a revolucionar el ballet a principios del siglo XX, ha habido continuos intentos de romper el molde del ballet clásico. Actualmente, el alcance artístico de la técnica del ballet (y la música, el jumper y los multimedia que la acompañan ) es más amplio que nunca. Los límites que clasifican una obra de ballet clásico se estiran, enturbian y desdibujan constantemente hasta que tal vez todo lo que queda hoy en día son rastros de expresiones técnicas como la participación .

Fue durante la explosión de nuevos pensamientos y exploraciones a principios del siglo XX que los artistas de la danza comenzaron a apreciar las cualidades del individuo, las necesidades del ritual y la religión, lo primitivo, lo expresivo y lo emocional. En este ambiente la danza moderna comenzó una explosión de crecimiento. De repente hubo una nueva libertad en lo que se consideraba aceptable, lo que se consideraba arte y lo que la gente quería crear. Muchas otras cosas se valoraron repentinamente tanto como, o más allá, del vestuario y los trucos del ballet.

La mayoría de los coreógrafos y bailarines modernos de principios del siglo XX vieron el ballet de la manera más negativa. Isadora Duncan pensó que era feo, nada más que gimnasia sin sentido. Martha Graham lo vio como europeo e imperialista, que no tenía nada que ver con el pueblo estadounidense moderno. Merce Cunningham , aunque utilizó algunos de los fundamentos de la técnica del ballet en su enseñanza, abordó la coreografía y la interpretación desde un punto de vista completamente diferente en comparación con el formato de ballet tradicional.

El siglo XX fue de hecho un período de ruptura con todo lo que representaba el ballet. Fue una época de crecimiento creativo sin precedentes, para bailarines y coreógrafos. También fue una época de ampliación de la definición de danza. Ballet Russes fue un punto de inflexión para el futuro del ballet en Occidente y en el mundo. Colaborando con genios de la época, como Coco Chanel, Pablo Picasso y otros. [2] Ballet Russes reunió gran música, diseño y danza en una actuación completa. [3]

África

La danza africana se refiere principalmente a los estilos de baile del África subsahariana , muchos de los cuales se basan en ritmos tradicionales y tradiciones musicales de la región. Los estilos de danza africana moderna están profundamente arraigados en la cultura y la tradición. Muchas tribus tienen un papel únicamente con el propósito de transmitir las tradiciones de baile de la tribu; bailes que se han transmitido a lo largo de los siglos, a menudo sin cambios, con poco o ningún espacio para la improvisación. Cada tribu desarrolló su propio estilo único de baile, que se divide en tres categorías según el propósito. El primero es el baile religioso, que según muchas tribus mejora la paz, la salud y la prosperidad. Las danzas religiosas a menudo involucraban a enmascarados, que actuaban como espíritus y como quienes los aplacaban. La religión y la espiritualidad infundieron cada parte de la vida africana tradicional y continúan afectando la danza africana en la actualidad. El segundo es griótico, y era un tipo de danza que contaba una historia. Lleva el nombre de un griot , que es un término para un narrador tradicional en África occidental. Ciertas danzas grióticas solo las bailaba el griot de la tribu; hoy en día, las comparsas realizan los mismos bailes que antes eran exclusivos del griot . El tercer tipo es ceremonial. Estos bailes se realizan en ceremonias como bodas, aniversarios y ritos de iniciación. Sin embargo, muchos bailes no tenían un solo propósito. Más bien, a menudo había un propósito principal, que se mezclaba con muchos propósitos secundarios. La danza era a menudo muy importante para el mantenimiento del estatus de un gobernante en la sociedad tribal. El colonialismo y la globalización han resultado en la erradicación de ciertos estilos de danza africana. Otros estilos se han combinado o mezclado con estilos de baile fuera de África.

La danza africana en el contexto de la esclavitud

A medida que las personas fueron sacadas de África para ser vendidas como esclavas, especialmente a partir del siglo XVI, trajeron consigo sus estilos de baile. Se importaron culturas enteras al Nuevo Mundo, especialmente aquellas áreas donde a los esclavos se les dio más flexibilidad para continuar con sus culturas y donde había más esclavos africanos que europeos o indígenas americanos, como Brasil . Los estilos de danza africana se fusionaron con nuevas experiencias culturales para formar nuevos estilos de danza. Por ejemplo, los esclavos respondieron a los temores de sus amos acerca de los estilos de baile de alta energía cambiando los pasos por arrastrando los pies. Sin embargo, en América del Norte, los esclavos no tenían tanta libertad para continuar con su cultura y danza. En muchos casos, estos bailes se han convertido en estilos de baile modernos, como el baile afroamericano y el baile brasileño . Por ejemplo, la Calenda evolucionó en Brasil a partir de la danza tribal. La Calenda luego se convirtió en Cakewalk, que originalmente se bailaba para burlarse de los propietarios de las plantaciones; luego se convirtió en el Charleston . La capoeira era un arte marcial practicado originalmente en África que los africanos esclavizados enmascaraban como una forma de danza para no despertar las sospechas de los propietarios de las plantaciones.

Finales del siglo XX y principios del XXI

Diagrama de la historia de la danza estadounidense del siglo XX.

posmodernismo

Después de la explosión de la danza moderna a principios del siglo XX, la década de 1960 vio el crecimiento del posmodernismo . El posmodernismo viró hacia la simplicidad, la belleza de las cosas pequeñas, la belleza del cuerpo no entrenado y el movimiento no sofisticado. El famoso manifiesto "No" , de Yvonne Rainer , que rechaza todos los disfraces, historias y adornos exteriores en favor de un movimiento crudo y sin pulir, fue quizás el extremo de esta ola de pensamiento. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que los decorados, la decoración y el valor impactante volvieran a entrar en el vocabulario de los coreógrafos modernos.

danza contemporánea vs ballet

En la década de 1980, la danza había cerrado el círculo y la danza moderna (o, en ese momento, " danza contemporánea ") era claramente todavía un vehículo altamente técnico y político para muchos practicantes. Existiendo junto con el ballet clásico, las dos formas de arte ahora vivían pacíficamente una al lado de la otra con poca rivalidad y antipatía de épocas anteriores. En un comentario ingeniosamente diseñado sobre esta rivalidad en curso, finalmente se logró la brillante colaboración de Twyla Tharp (una de las vanguardias de la danza vanguardista/contemporánea del siglo XX) y el ballet. La actualidad nos ve todavía en el ambiente artístico muy competitivo donde los coreógrafos compiten para producir el trabajo más impactante; sin embargo, todavía quedan vislumbres de belleza y muchos bailes increíbles en una era en la que la técnica de baile ha progresado más en experiencia, fuerza y ​​flexibilidad que nunca antes en la historia.

Baile callejero/baile hip-hop

Al mismo tiempo, la cultura de masas experimentó la expansión del street dance . En 1973, el famoso grupo Jackson 5 presentó en televisión un baile llamado Robot (coreografiado por el artista posmoderno Michael Jackson ), una forma de baile cultivada en Richmond, CA. Este evento y las actuaciones posteriores de Soul Train de bailarines negros (como Don Cambell) encendieron una revolución de la cultura callejera, en cierto sentido. B-boying en Nueva York, Locking en LA, Popping en Fresno, CA, Boogaloo en Oakland, CA, Robot en Richmond, CA, todos tuvieron sus propias explosiones creativas a finales de los años 60 y 70. Cada uno con sus propias historias, prácticas, innovadores y fundaciones.

Para conocer el surgimiento de la danza moderna del siglo XX, véase también: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi e Isadora Duncan .

El baile hip-hop comenzó cuando Clive Campbell, también conocido como Kool DJ Herc y el padre del hip-hop, llegó a Nueva York desde Jamaica en 1967. Llevando las semillas del reggae de su tierra natal, se le atribuye ser el primer DJ en usar dos tocadiscos y copias idénticas del mismo disco para crear sus jams. Pero fue su extensión de los descansos en estas canciones, la sección musical donde los ritmos de percusión eran más agresivos, lo que le permitió crear y nombrar una cultura de break boys y break girls que se establecieron cuando surgieron los descansos. Brevemente llamados b-boys y b-girls, estos bailarines fundaron el breakdance , que ahora es una piedra angular del baile hip-hop.

Ver también

Referencias

Otras lecturas

  • Adshead-Lansdale, J. (ed.) (1994). Historia de la danza: una introducción . Routledge. ISBN  0-415-09030-X .
  • Charman, S. Kraus, R, G. Chapman, S. y Dixon-Stowall, B. (1990). Historia de la Danza en el Arte y la Educación . Educación Pearson. ISBN  0-13-389362-6 .
  • Dils, A. (2001). Historia en movimiento / Culturas de baile: un lector de historia de la danza . Prensa de la Universidad Wesleyana. ISBN  0-8195-6413-3 .
  • Wallace, Carol McD.; et al. (1986). Danza: una historia muy social . Nueva York: El Museo Metropolitano de Arte. ISBN 9780870994869.
  • Madera, Melusina (1952). Algunas danzas históricas del siglo XII al XIX; su forma de actuación y su lugar en la vida social de la época , Londres: Imperial Society of Teachers of Dancing.

enlaces externos