Historia de los cómics - History of comics
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La historia del cómic ha seguido diferentes caminos en diferentes partes del mundo. Se remonta a los primeros precursores como la Columna de Trajano , en Roma , los jeroglíficos egipcios y el Tapiz de Bayeux .
Primeras narrativas en el arte
Se pueden encontrar ejemplos de arte secuencial temprano en jeroglíficos egipcios , frisos griegos , la Columna de Trajano de Roma (dedicada en 110 d.C.), escritura maya , tapices medievales como el Tapiz de Bayeux y manuscritos cristianos ilustrados . En las pinturas medievales, varias escenas secuenciales de la misma historia (generalmente una bíblica) aparecen simultáneamente en la misma pintura.
Una antigua tradición en la India, que posiblemente se remonta al menos al año 700 a. C., tenía exhibidores de imágenes que narraban historias que se presentaban simultáneamente en imágenes pintadas (también el origen del juego de sombras con marionetas articuladas).
Se necesitó la invención de técnicas de impresión modernas para llevar la forma a una amplia audiencia y convertirse en un medio de comunicación masivo .
Impresión temprana y dibujos animados
El material impreso temprano se concentraba en temas religiosos , con versiones de la Biblia densamente ilustradas como un medio ampliamente distribuido que combinaba muchas imágenes con texto para llevar las enseñanzas del cristianismo a los analfabetos.
A lo largo de los siglos XVII y XVIII, el grabado comenzó a abordar aspectos de la vida política y social , y también a satirizar y caricaturizar . Ocasionalmente, los grabados contenían varias imágenes para relatar múltiples escenas de una narrativa, por ejemplo, en las representaciones de Frans Hogenberg de la Furia española (1576) y el asesinato de Enrique III de Francia (1589).
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Uno de los primeros creadores británicos de series secuenciales de arte satírico fue William Hogarth (1697-1764). Hogarth creó siete conjuntos de imágenes secuenciales sobre "Temas morales modernos". Una de sus obras, A Rake's Progress , estaba compuesta por varios lienzos, cada uno reproducido como una impresión, y las ocho impresiones juntas crearon una narrativa. A medida que se desarrollaron las técnicas de impresión, debido a los avances tecnológicos de la revolución industrial , se establecieron revistas y periódicos. Estas publicaciones a veces utilizaban ilustraciones como medio para comentar sobre cuestiones políticas y sociales, y esas ilustraciones se conocen como " caricaturas " desde 1842.
Aunque sobreviven obras de estos períodos, como A True Narrative of the Horrid Hellish Popish Plot (c. 1682) de Francis Barlow, así como The Punishments of Lemuel Gulliver y A Rake's Progress de William Hogarth (1726), se puede ver que establecen un narrativa sobre una serie de imágenes, no fue hasta el siglo XIX que los elementos de tales obras comenzaron a cristalizar en la historieta .
El globo de diálogo también evolucionó a lo largo de los siglos, desde los orígenes medievales del phylacter , una etiqueta, generalmente en forma de pergamino, que identificaba a un personaje al nombrarlo o al usar un texto breve para explicar su propósito. Artistas como George Cruikshank ayudaron a codificar filacterias como globos en lugar de pergaminos , aunque en ese momento todavía se llamaban etiquetas . Ahora representaban narrativa, pero con fines de identificación en lugar de diálogo dentro de la obra, y los artistas pronto los descartaron a favor de ejecutar el diálogo debajo de los paneles. Los globos de diálogo no se volvieron a introducir en el formulario hasta que Richard F. Outcault los utilizó para el diálogo.
Forma establecida
The Glasgow Looking Glass , publicado en 1826, fue posiblemente la primera revista de historietas. Una publicación satírica, más tarde conocida como The Northern Looking Glass , satirizó las modas y la política de la época. Tenía la mayoría de los elementos que componen el cómic moderno, incluidas imágenes con subtítulos que muestran una narrativa continua contada a menudo en entregas, y el uso de bocadillos, sátira y caricatura.
Rodolphe Töpffer , artista suizo francófono, fue una figura clave a principios del siglo XIX. Aunque los globos de diálogo cayeron en desgracia a mediados del siglo XIX, las historias ilustradas secuencialmente de Töpffer, con texto compartimentado debajo de las imágenes, se reimprimieron en Europa y Estados Unidos. La falta de leyes de derechos de autor en ese momento significó que las ediciones pirateadas proliferaron y las versiones traducidas crearon un mercado en ambos continentes para obras similares.
En 1843, Töpffer formalizó sus pensamientos sobre la historia pictórica en su Ensayo sobre fisiognomía : "Construir una historia pictórica no significa que deba establecerse como un maestro artesano, para extraer todo el potencial de su material, a menudo hasta la ¡Escoria! No significa que simplemente invente caricaturas con un lápiz naturalmente frívolas. Tampoco es simplemente dramatizar un proverbio o ilustrar un juego de palabras . En realidad, debe inventar algún tipo de juego, donde las partes se organizan por plan y forman un todo satisfactorio. . No se limita a escribir una broma o poner un estribillo en pareados. Hace un libro: bueno o malo, sobrio o tonto, loco o con sentido ".
En 1845, los dibujos satíricos , que aparecían regularmente en periódicos y revistas, ganaron un nombre: dibujos animados . (En el arte, una caricatura es un boceto a lápiz o carboncillo que se debe repintar). La revista británica Punch , lanzada en 1841, se refirió a sus 'dibujos humorísticos' como caricaturas en una referencia satírica al Parlamento de la época, quienes estaban organizando una exposición de dibujos animados, o dibujos preparatorios, en ese momento. Este uso se convirtió en un lenguaje común, que perdura hasta el día de hoy. Revistas similares que contenían dibujos animados en Europa continental incluían Fliegende Blätter y Le Charivari , mientras que en los Estados Unidos Judge y Puck eran populares.
1865 vio la publicación de Max y Moritz por Wilhelm Busch por un periódico alemán. Busch refinó las convenciones del arte secuencial, y su trabajo fue una influencia clave dentro de la forma, Rudolph Dirks se inspiró en la tira para crear The Katzenjammer Kids en 1897.
Primeros cómics serializados para una audiencia masiva
El primer cómic semanal en presentar un personaje regular fue Half Holiday de Ally Sloper , que debutó en la revista de humor británica Judy en 1867 y fue creado por CH Ross e ilustrado por su esposa francesa Emilie de Tessier . En 1884, el personaje entonces muy popular se convirtió en su propio cómic, Half Holiday de Ally Sloper, publicado por Dalziel Brothers, de ocho páginas e impreso en blanco y negro en tamaño tabloide. La revista fue extremadamente popular entre la clase trabajadora y puede haber tenido una tirada de hasta 350.000 ejemplares. En 1890, dos revistas de historietas más debutaron para el público británico, Comic Cuts e Illustrated Chips , estableciendo la tradición del cómic británico como una revista de antología que contiene historietas.
En los Estados Unidos, el trabajo de RF Outcault en la combinación de globos de diálogo e imágenes en Hogan's Alley y The Yellow Kid se ha acreditado como el establecimiento de la forma y las convenciones de la tira cómica, aunque los académicos han descubierto trabajos anteriores que combinan bocadillos y una narrativa de múltiples imágenes. . Sin embargo, la popularidad del trabajo de Outcalt y la posición de la tira en un periódico retienen el crédito como fuerza impulsora de la forma.
El siglo XX y el medio de comunicación
Las décadas de 1920 y 1930 vieron nuevos auges dentro de la industria. El mercado de las antologías de cómics en Gran Bretaña se centró en los niños a través del humor juvenil, con The Dandy y The Beano . En Bélgica, Hergé creó la tira de periódico Las aventuras de Tintín para un suplemento cómico ; esto se recogió con éxito en un álbum encuadernado y creó un mercado para otras obras de este tipo. En el mismo período en los Estados Unidos, las tiras de periódicos expandieron su tema más allá del humor, con el lanzamiento de tiras de acción, aventuras y misterio. La recopilación de dicho material también comenzó, con The Funnies , una colección de reimpresiones de tiras de periódicos, publicada en tamaño tabloide en 1929.
Pronto siguió un mercado para tales libros de historietas, y en 1938 los editores estaban imprimiendo material original en el formato. Fue en este punto que se lanzó Action Comics # 1 , con Superman como portada. La popularidad del personaje consagró rápidamente al superhéroe como el género definitorio de los cómics estadounidenses . El género perdió popularidad en la década de 1950, pero restableció su dominio de la forma desde la década de 1960 hasta finales del siglo XX.
En Japón, un país con una larga tradición en la ilustración, los cómics fueron muy populares. Conocido como manga , la forma japonesa fue establecida después de la Segunda Guerra Mundial por Osamu Tezuka , quien amplió el recuento de páginas de una obra a cientos y desarrolló un estilo cinematográfico, fuertemente influenciado por las animaciones de Disney de la época. El mercado japonés amplió su gama para abarcar obras de muchos géneros, desde la fantasía juvenil, pasando por el romance, hasta las fantasías adultas. El manga japonés generalmente se publica en grandes antologías, que contienen varios cientos de páginas, y las historias contadas se han utilizado durante mucho tiempo como fuentes para la adaptación a películas animadas. En Japón, estas películas se conocen como anime y muchos creadores trabajan en ambas formas simultáneamente, lo que lleva a un vínculo intrínseco de las dos formas.
Durante la segunda mitad del siglo XX, los cómics se han convertido en un artículo muy popular para los coleccionistas y, desde la década de 1970, los editores de cómics estadounidenses han alentado activamente la recopilación y han cambiado una gran parte de la publicación y producción de cómics para atraer directamente a la comunidad de coleccionistas.
Sir Ernst Gombrich , que escribió en 1972, sintió que Töpffer había desarrollado un nuevo lenguaje pictórico, el de un estilo artístico abreviado, que permitía a la audiencia llenar los huecos con su imaginación.
El doble uso moderno del término cómic , como adjetivo que describe un género, y un sustantivo que designa todo un medio, ha sido criticado por confuso y engañoso. En las décadas de 1960 y 1970, los dibujantes clandestinos utilizaron el comix de ortografía para distinguir su trabajo de las tiras de periódicos convencionales y los cómics juveniles. Su trabajo fue escrito para una audiencia adulta, pero por lo general era cómico, por lo que la etiqueta "cómico" seguía siendo apropiada. El término novela gráfica se popularizó a fines de la década de 1970, habiendo sido acuñado al menos dos décadas antes, para alejar el material de esta confusión.
En la década de 1980, los cómics de becas comenzó a florecer en los EE.UU., y fue visto un resurgimiento en la popularidad de los cómics, con Alan Moore y Frank Miller producción de obras de superhéroes notables y Bill Watterson 's Calvin & Hobbes , y Gary Larson ' s The Far Side siendo sindicado.
Los webcomics han ganado popularidad desde mediados de la década de 1990 . Desde los inicios de la World Wide Web , los artistas han podido autoeditar cómics en Internet por un bajo costo. Los proveedores de alojamiento diseñados específicamente para webcomics, como Keenspot y Modern Tales , permiten un tipo de sindicación de webcomics. Scott McCloud describió en 2000 cómo los creadores de cómics en línea pueden revolucionar el medio abrazando el espacio digital y haciendo uso de técnicas como el lienzo infinito . Los cómics web se volvieron más prolíficos a principios de la década de 2000, cuando los premios de cómics respetados, como los premios Eagle y Eisner, comenzaron a agregar categorías para los cómics digitales .
Ver también
- Historia de los cómics estadounidenses
- Historia de los cómics franco-belgas
- Historia del manga
- Lista de años en los cómics