Arte gótico - Gothic art

Arte gótico
Tímpano central Chartres.jpg
Sainte Chapelle Interior Stained Glass.jpg
Anonimo inglese o francese, dittico wilton, 1395-99 ca.  01.jpg
Arriba: El Portal Occidental (Real) de la Catedral de Chartres ( hacia 1145), estas estatuas arquitectónicas son las primeras esculturas góticas y una revolución en el estilo y el modelo para una generación de escultores; Centro: La Sainte-Chapelle de París (1194-1248); Abajo: El díptico de Wilton (1395-1459)
Años activos Finales del siglo XII-siglo XVI

El arte gótico fue un estilo de arte medieval que se desarrolló en el norte de Francia a partir del arte románico en el siglo XII d.C., liderado por el desarrollo simultáneo de la arquitectura gótica . Se extendió por toda Europa occidental y gran parte del norte , sur y centro de Europa , sin borrar nunca los estilos más clásicos de Italia. A finales del siglo XIV, se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional , que continuó evolucionando hasta finales del siglo XV. En muchas áreas, especialmente en Alemania, el arte gótico tardío continuó hasta bien entrado el siglo XVI, antes de ser subsumido en el arte renacentista . Los medios primarios en el período gótico incluyeron escultura , pintura sobre tabla , vidrieras , frescos y manuscritos iluminados . Los cambios fácilmente reconocibles en la arquitectura del románico al gótico, y del gótico al renacimiento, se utilizan típicamente para definir los períodos en el arte en todos los medios, aunque en muchos sentidos el arte figurativo se desarrolló a un ritmo diferente.

El arte gótico más antiguo fue la escultura monumental , en las paredes de las catedrales y abadías. El arte cristiano era a menudo de naturaleza tipológica (ver alegoría medieval ), mostrando las historias del Nuevo Testamento y el Antiguo Testamento una al lado de la otra. A menudo se representaba la vida de los santos. Las imágenes de la Virgen María cambiaron de la forma icónica bizantina a una madre más humana y afectuosa, abrazando a su bebé, balanceándose desde su cadera y mostrando los modales refinados de una dama cortesana aristocrática de buena cuna.

El arte secular se impuso durante este período con el auge de las ciudades, la fundación de universidades , el aumento del comercio, el establecimiento de una economía basada en el dinero y la creación de una clase burguesa que podía permitirse patrocinar las artes y encargar obras, lo que resultó en una proliferación de pinturas y manuscritos iluminados. El aumento de la alfabetización y un creciente cuerpo de literatura vernácula secular alentaron la representación de temas seculares en el arte. Con el crecimiento de las ciudades, se formaron gremios comerciales y a menudo se requería que los artistas fueran miembros de un gremio de pintores . Como resultado, debido a un mejor mantenimiento de registros, conocemos a más artistas por su nombre en este período que en cualquier otro anterior; algunos artistas fueron incluso tan atrevidos como para firmar sus nombres.

Orígenes

Gótico internacional del siglo XIV María Magdalena en la Catedral de San Juan en Toruń .

El arte gótico surgió en Île-de-France , Francia, a principios del siglo XII en la iglesia abacial de St Denis construida por el abad Suger . El estilo se extendió rápidamente más allá de sus orígenes en la arquitectura a la escultura, tanto monumental como personal en tamaño, el arte textil y la pintura, que adoptó una variedad de formas, que incluyeron frescos , vidrieras , el manuscrito iluminado y pintura sobre paneles . Las órdenes monásticas , especialmente los cistercienses y los cartujos , fueron importantes constructores que difundieron el estilo y desarrollaron variantes distintivas del mismo por toda Europa. Las variaciones regionales de la arquitectura siguieron siendo importantes, incluso cuando, a finales del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional , que continuó hasta finales del siglo XV y más allá en muchas áreas.

Aunque había mucho más arte gótico secular de lo que se piensa hoy en día, dado que en general la tasa de supervivencia del arte religioso ha sido mejor que la de sus equivalentes seculares, una gran proporción del arte producido en el período era religioso, ya fuera encargado por la iglesia o por los laicos. El arte gótico era a menudo de naturaleza tipológica , lo que reflejaba la creencia de que los acontecimientos del Antiguo Testamento eran anteriores a los del Nuevo, y que este era de hecho su principal significado. Las escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento se muestran una al lado de la otra en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana , en el que las artes visuales jugaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María se desarrollaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen , hasta tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto , Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura neerlandesa temprana , aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales, y sus patrocinadores, se volvieron mucho más confiados en la iconografía innovadora , y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía usaban fórmulas copiadas.

La iconografía se vio afectada por cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la antigua Muerte de la Virgen , y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna , que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas como el Varón de Dolores , Cristo pensativo y Piedad , que enfatizaba su sufrimiento y vulnerabilidad humanos, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Incluso en los últimos juicios, generalmente se mostraba a Cristo exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión . Los santos se mostraban con mayor frecuencia y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia en particular o el donante que asistían a una crucifixión o una Virgen y un niño entronizados , o que ocupaban el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). Durante el período, muchos rasgos iconográficos antiguos que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron gradualmente eliminados bajo la presión clerical, como las parteras en la Natividad , aunque otros estaban demasiado bien establecidos y se consideraban inofensivos.

Etimología

La Dama y el Unicornio , título que se da a una serie de seis tapices tejidos en Flandes , este se llama À Mon Seul Désir ; finales del siglo XV; lana y seda; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (París)

La palabra " gótico " para el arte se usó inicialmente como sinónimo de " bárbaro " y, por lo tanto, se usó de manera peyorativa. Sus críticos vieron este tipo de arte medieval como poco refinado y demasiado alejado de las proporciones y formas estéticas del arte clásico . Los autores del Renacimiento creían que el saqueo de Roma por las tribus góticas en 410 había provocado la desaparición del mundo clásico y todos los valores que apreciaban. En el siglo XV, varios arquitectos y escritores italianos se quejaron de que los nuevos estilos "bárbaros" que se filtraban desde el norte de los Alpes representaban una amenaza similar para el renacimiento clásico promovido por el Renacimiento temprano. El calificativo "gótico" para este arte se utilizó por primera vez en la carta de Rafael al Papa León X c. 1518 y posteriormente fue popularizado por el artista y escritor italiano Giorgio Vasari , quien lo utilizó ya en 1530, llamando al arte gótico un "desorden" "monstruoso y bárbaro". Rafael afirmó que los arcos apuntados de la arquitectura del norte eran un eco de las chozas primitivas que los habitantes de los bosques germánicos formaron doblando árboles, un mito que resurgiría mucho más tarde en un sentido más positivo en los escritos del movimiento romántico alemán . El "arte gótico" fue fuertemente criticado por autores franceses como Boileau , La Bruyère , Rousseau , antes de convertirse en una forma de arte reconocida, y la redacción se volvió fija. Molière comentaría sobre el gótico:

El gusto embrutecido de los monumentos góticos,
Estos odiosos monstruos de siglos ignorantes,
Que arrojaron los torrentes de Berbería.

En sus inicios, el arte gótico se denominó inicialmente "obra francesa" ( Opus Francigenum ), lo que atestigua la prioridad de Francia en la creación de este estilo.

Cuadro

Simone Martini (1285-1344).

La pintura en un estilo que puede llamarse gótico no apareció hasta aproximadamente el año 1200, casi 50 años después de los orígenes de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y en absoluto una ruptura clara, y los detalles ornamentales góticos a menudo se introducen antes de que se vean muchos cambios en el estilo de las figuras o composiciones en sí mismas. Luego, las figuras se vuelven más animadas en pose y expresión facial, tienden a ser más pequeñas en relación con el fondo de las escenas y se disponen más libremente en el espacio pictórico, donde hay espacio. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 e Italia alrededor de 1300. La pintura durante el período gótico se practicaba en cuatro medios primarios: frescos , pinturas sobre tablas , iluminación de manuscritos y vidrieras .

Frescos

Los frescos continuaron utilizándose como el arte narrativo pictórico principal en las paredes de las iglesias en el sur de Europa como una continuación de las tradiciones cristianas y románicas primitivas. Un accidente de supervivencia ha dado a Dinamarca y Suecia los grupos más grandes de pinturas murales de iglesias que se conservan en el estilo de la Biblia pauperum , que generalmente se extienden hasta bóvedas cruzadas recientemente construidas . Tanto en Dinamarca como en Suecia, casi todos fueron cubiertos con cal después de la Reforma que los ha conservado, pero algunos también han permanecido intactos desde su creación. Entre los mejores ejemplos de Dinamarca se encuentran los del maestro Elmelunde de la isla danesa de Møn, que decoró las iglesias de Fanefjord , Keldby y Elmelunde . Albertus Pictor es posiblemente el artista de frescos más conocido del período que trabajó en Suecia. Ejemplos de iglesias suecas con frescos bien conservados incluyen las iglesias de Tensta , Gökhem y Anga .

Vitral

Parte del panel de vidrieras alemanas de 1444 con la Visitación ; olla de metal de varios colores, incluyendo vidrio blanco, pintura vítrea negra, tinte plateado amarillo, y las partes "verde oliva" son de esmalte. Los patrones de plantas en el cielo rojo se forman raspando la pintura negra del vidrio rojo antes de disparar. Un panel restaurado con nuevos cames de plomo.

En el norte de Europa, la vidriera fue una forma de pintura importante y prestigiosa hasta el siglo XV, cuando fue reemplazada por la pintura sobre tabla . La arquitectura gótica aumentó en gran medida la cantidad de vidrio en los grandes edificios, en parte para permitir grandes extensiones de vidrio, como en los rosetones . En la primera parte del período se utilizó principalmente pintura negra y vidrio transparente o de colores brillantes, pero a principios del siglo XIV el uso de compuestos de plata, pintados sobre vidrio que luego fue cocido, permitió una serie de variaciones de color, centradas en amarillos, para usar con vidrio transparente en una sola pieza. Al final del período, los diseños utilizaron cada vez más grandes piezas de vidrio que fueron pintadas, con amarillos como colores dominantes, y relativamente pocas piezas de vidrio más pequeñas en otros colores.

Manuscritos y grabados

Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, proporcionando un registro de estilos en lugares donde no han sobrevivido obras monumentales. Los primeros manuscritos completos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. Muchos de esos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio parisino de San Luis , que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones de página completa en pintura al temple y pan de oro.

A fines del siglo XIII, los escribas comenzaron a crear libros de oraciones para los laicos, a menudo conocidos como libros de horas debido a su uso en momentos determinados del día. Entre los primeros se encuentra un ejemplo de William de Brailes que parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240. La nobleza compraba con frecuencia esos textos, pagando generosamente por ilustraciones decorativas; Entre los creadores más conocidos de estos se encuentra Jean Pucelle , cuyas Horas de Jeanne d'Evreux fueron encargadas por el rey Carlos IV como regalo para su reina, Jeanne d'Évreux . Los elementos del gótico francés presentes en tales obras incluyen el uso de encuadres de página decorativos que recuerdan la arquitectura de la época con figuras alargadas y detalladas. El uso de indicadores espaciales como elementos de construcción y características naturales como árboles y nubes también denotan el estilo de iluminación gótico francés.

Desde mediados del siglo XIV, los libros de tacos con texto e imágenes cortados en xilografía parecen haber sido asequibles para los párrocos de los Países Bajos , donde eran más populares. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles para la clase media próspera, al igual que los grabados de bastante alta calidad de grabadores como Israhel van Meckenem y Master ES . La introducción de grabados baratos , sobre todo en xilografía , hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en la parte inferior del mercado, a menudo de colores toscos, se vendieron por miles, pero ahora son extremadamente raras, la mayoría de ellas pegadas a las paredes.

Retablo y pintura sobre tabla

La pintura con óleo sobre lienzo no se popularizó hasta los siglos XV y XVI y fue un sello distintivo del arte renacentista . En el norte de Europa, la importante e innovadora escuela de pintura neerlandesa temprana es de estilo esencialmente gótico, pero también puede considerarse parte del Renacimiento del Norte , ya que hubo un gran retraso antes de que el resurgimiento italiano del interés por el clasicismo tuviera un gran impacto en el norte. Pintores como Robert Campin y Jan van Eyck hicieron uso de la técnica de la pintura al óleo para crear obras minuciosamente detalladas, correctas en perspectiva, donde el realismo aparente se combinaba con un simbolismo rico y complejo que surge precisamente del detalle realista que ahora podrían incluir, incluso en obras pequeñas. . En la pintura de los primeros Países Bajos, de las ciudades más ricas del norte de Europa, se combinó un nuevo realismo diminuto en la pintura al óleo con sutiles y complejas alusiones teológicas, expresadas precisamente a través de los escenarios altamente detallados de escenas religiosas. El retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación de Washington Van Eyck o la Virgen del canciller Rolin (ambas de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos. Para los ricos, las pinturas de pequeños paneles , incluso los polípticos en la pintura al óleo se estaban volviendo cada vez más populares, a menudo mostrando retratos de donantes al lado, aunque a menudo mucho más pequeños que la Virgen o los santos representados. Por lo general, estos se exhibían en el hogar.

Escultura

Escultura monumental

Virgen y Niño de marfil francés, finales del siglo XIII, 25 cm de alto, curvado para adaptarse a la forma del colmillo de marfil.

El período gótico está esencialmente definido por la arquitectura gótica y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura ni en su inicio ni en su final. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, continuaron teniendo grandes tímpanos, pero también hileras de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor.

Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres (c. 1145) muestran un alargamiento de columnas elegante pero exagerado, pero las del portal del transepto sur , de 1215 a 20, muestran un estilo más naturalista y un creciente desprendimiento de la pared detrás y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal oeste de la catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi redondas, como se hizo habitual a medida que el gótico se extendía por Europa. La catedral de Bamberg tiene quizás el mayor conjunto de esculturas del siglo XIII, que culminó en 1240 con el Bamberg Rider , la primera estatua ecuestre de tamaño natural del arte occidental desde el siglo VI.

En Italia, Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama proto-renacimiento , con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y abarrotadas, que incluyen un manejo comprensivo de la desnudez, en paneles en relieve en su púlpito de Catedral de Siena (1265-1268) , la Fontana Maggiore en Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301.

Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. La escultura gótica tardía continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos de madera muy grandes con tallas cada vez más virtuosas y grandes los números agitaron las figuras expresivas; la mayoría de los ejemplos que se conservan se encuentran en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente las influencias del Renacimiento italiano.

Las efigies de tumbas de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos, y evolucionaron grandes tumbas de varios niveles, con las Tumbas Scaliger de Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles en gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían permitirse retablos de piedra.

Escultura portátil

Tapa del ataúd de Walters , con el asedio del Castillo del Amor a la izquierda y justas . París, 1330-1350.

Las tallas pequeñas, para un mercado principalmente laico y, a menudo, femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y en algunos otros centros. Los tipos de marfiles incluían pequeños polípticos devocionales , figuras individuales, especialmente de la Virgen , estuches de espejos, peines y ataúdes elaborados con escenas de romances , utilizados como regalos de compromiso. Los muy ricos recogidos extravagante Elaborar con joyas y metal, tanto seculares como religiosos, como el esmaltado Duc de Berry 's Santa Espina relicario , hasta que se quedó corto de dinero, cuando se fundieron de nuevo por dinero en efectivo.

Díptico de color marfil, con parte de la pintura de color restante. Adoración de los Magos y Crucifixión . Valle del Mosa , Francia, c. 1350.

Las esculturas góticas independientes del adorno arquitectónico se crearon principalmente como objetos devocionales para el hogar o como donaciones para las iglesias locales, aunque pequeños relieves en marfil , hueso y madera cubren temas religiosos y seculares, y eran para uso religioso y doméstico. Tales esculturas fueron obra de artesanos urbanos, y el tema más típico de las pequeñas estatuas tridimensionales es la Virgen María sola o con un niño. París era el principal centro de talleres de marfil y exportaba a la mayor parte del norte de Europa, aunque Italia también tenía una producción considerable. Un ejemplo de estas esculturas independientes se encuentra entre las colecciones de la iglesia de la abadía de St Denis; la Virgen y el Niño, dorados en plata, data de 1339 y presenta a María envuelta en un manto flotante que sostiene una figura infantil de Cristo. Tanto la sencillez del manto como la juventud del niño presagian otras esculturas encontradas en el norte de Europa que datan del siglo XIV y principios del XV. Dicha escultura muestra una evolución desde un estilo anterior rígido y alargado, todavía en parte románico, a una sensación espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. Otros temas escultóricos del gótico francés incluyeron figuras y escenas de la literatura popular de la época. Las imágenes de la poesía de los trovadores fueron particularmente populares entre los artesanos de estuches de espejos y cajas pequeñas, presumiblemente para uso de mujeres. El ataúd con escenas de romances (Walters 71264) de 1330-1350 es un ejemplo inusualmente grande con espacio para varias escenas de diferentes fuentes literarias.

También eran populares y baratos los recuerdos de las peregrinaciones a los santuarios, como insignias de arcilla o plomo , medallas y ampollas estampadas con imágenes. Su equivalente secular, la insignia de librea , mostraba signos de lealtad o alianza política y feudal que llegó a ser considerada como una amenaza social en Inglaterra bajo el feudalismo bastardo . Las formas más baratas a veces se regalaban gratis, como con las 13.000 insignias encargadas en 1483 por el rey Ricardo III de Inglaterra en tela de fustán con su emblema de un jabalí blanco para la investidura de su hijo Eduardo como Príncipe de Gales, una gran cantidad dada la población en ese momento. El Dunstable Swan Jewel , modelado íntegramente en redondo en oro esmaltado, es una versión mucho más exclusiva, que se le habría dado a alguien muy cercano o importante al donante.

Ver también

Notas

Referencias

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enlaces externos