Historia del tallado en madera - History of wood carving

La talla de madera es una de las artes más antiguas de la humanidad. Las lanzas de madera del Paleolítico Medio , como la Clacton Spear , revelan cómo los humanos se han dedicado a la carpintería utilitaria durante milenios. De hecho, los inicios de la artesanía se remontan tanto que, al menos donde la madera está presente, el uso de la madera existe como un universal en la cultura humana como un medio para crear o mejorar la tecnología y como un medio para el arte. El indio norteamericano talla su anzuelo de madera o el tubo de su pipa tal como el polinesio trabaja patrones en su remo. El nativo de Guyana decora su rallador de yuca con un esquema bien concebido de rollos incisos, mientras que el nativo de Loango Bay distorsiona su cuchara con un diseño de figuras de pie en pleno relieve llevando una hamaca. La talla de madera también está presente en la arquitectura.

El trabajo de figuras parece haber sido universal. Tallar una figura / diseño en madera puede ser no solo más difícil sino también menos satisfactorio que esculpir con mármol, debido a la tendencia de la madera a agrietarse, a ser dañada por insectos oa sufrir cambios en la atmósfera. La textura del material, también, a menudo resulta desafiante para la expresión de rasgos, especialmente en el tipo clásico de rostro juvenil. Por otro lado, existen magníficos ejemplos de los rasgos más accidentados de la edad: las cejas escarabajo, los surcos y líneas neutralizando los defectos de la veta de la madera. En el trabajo antiguo, la superficie puede no haber tenido tanta importancia, ya que las figuras, por regla general, se pintaban para protegerlas y, especialmente, para darles color.

No siempre se sabe en la actualidad hasta qué punto se ha utilizado el color, incluso desde los tiempos más antiguos, para realzar el efecto de la talla en madera y la escultura. El prejuicio del color moderno contra el oro y otros tintes se debe quizás a que el trabajo pintado se ha vulgarizado. La disposición de un esquema de color adecuado y armonioso no es obra del pintor de casas , sino de un artista especialmente capacitado.

A principios del siglo XX, la Encyclopædia Britannica undécima edición , en la que se basa gran parte de esta entrada, comentó: "En los últimos años, la talla ha pasado de moda. El trabajo es necesariamente lento y requiere una habilidad sustancial, lo que hace que los trabajos sean costosos. Otros y métodos de decoración más baratos han expulsado a la talla de su antiguo lugar. El trabajo de la máquina tiene mucho que responder, y el esfuerzo por popularizar el oficio por medio de la clase del pueblo no siempre ha logrado su propio fin. La desaparición gradual del artista individual, como lo ha hecho el contratista a codazos, es fatal para la continuación de un arte que nunca puede florecer cuando se hace en un metro tan grande ". Esta afirmación ha demostrado ser falsa, ya que la supervivencia continua del arte y la artesanía del tallado en madera se puede demostrar por el gran número de talladores de madera que han continuado o avanzado la tradición en diferentes partes del mundo.

Antiguo Egipto

Estatuillas de sirvientes egipcios antiguos

La extrema sequedad del clima de Egipto explica la existencia de una serie de tallas de madera de este período remoto. Algunos paneles de madera de la tumba de Hosul Egipto, en Sakkarah son del III. dinastía . La talla consta de jeroglíficos egipcios y figuras en bajo relieve, y el estilo es extremadamente delicado y fino. Un taburete que se muestra en uno de los paneles tiene las patas en forma de las extremidades anteriores y posteriores de un animal, una forma común en Egipto durante miles de años.

En el museo de El Cairo se puede ver la estatua de un hombre del período de la Gran Pirámide de Giza , posiblemente 4000 aC La expresión del rostro y el realismo del carruaje nunca han sido superados por ningún escultor egipcio de este o cualquier otro período. . La figura está tallada en un bloque macizo de sicomoro y, de acuerdo con la costumbre egipcia, los brazos están unidos. Los ojos están incrustados con piezas de cuarzo blanco opaco, con una línea de bronce alrededor para imitar el párpado; un pequeño disco de cristal de roca transparente forma el iris, mientras que un poquito de ébano pulido fijado detrás del cristal le confiere un brillo realista. El IV., V. y VI. Las dinastías abarcan el período más fino de la escultura egipcia. Las estatuas encontradas en las tumbas muestran una libertad de tratamiento que nunca se alcanzó en épocas posteriores. Todos son retratos, que el artista se esforzó al máximo por reproducir exactamente como su modelo. Porque no son, como meras estatuas modernas, simplemente obras de arte, sino que tenían principalmente un significado religioso (Maspero) . Como podrían habitar los espíritus de los difuntos, estas estatuas de Ka , las características y proporciones se copiaron de cerca.

En los principales museos de Europa se pueden encontrar muchos ejemplos egipcios: estuches de momias de seres humanos con el rostro tallado solo, estuches de momias de animales, a veces cajas, con la figura de un lagarto, tal vez, tallada en completo relieve de momia de pie en el tapa. A veces, el animal sería tallado en forma redonda y su cuerpo ahuecado se usaría como caja.

De muebles, asientos plegables como el moderno taburete de campamento y sillas con patas que terminan en la cabeza de las bestias o en los pies de los animales, los muebles aún existen. Camas sostenidas por patas de león XI. y XII. dinastías, de Gebelein , ahora en el Museo de El Cairo ), reposacabezas, de 6 u 8 pulgadas de alto, con forma de muleta sobre un pie, muy parecidos a los que usa hoy el nativo de Nueva Guinea , están tallados con escenas, etc., en contorno. En el Museo Británico se puede ver un pequeño cofre, de 4 pulgadas por 21/2 pulgadas, con figuras muy delicadas talladas en bajo relieve. Esta cajita se levanta sobre patas cabriole de 3/4 de pulgada de largo con patas de garra, de carácter bastante Louis Quinze . Hay cucharones de incienso, el mango representa un ramo de flores de loto, el cuenco formado como la hoja de una planta acuática con bordes dentados de Gurnah durante el siglo XVIII. dinastía ; manijas de espejo, que representan un pequeño pilar o un tallo de loto, a veces coronado por una cabeza de Hathor , la Venus egipcia o de Bes , dios del baño; alfileres, en forma de pequeña tortuga redonda con agujeros en la parte posterior para alfileres de tocador, que también eran de madera con extremos de cabeza de perro (dinastía XI, Museo de El Cairo); y cajas de perfume como un pez, las dos mitades que forman la parte inferior y superior del perfume o pomatum se quitaban con pequeñas cucharas de madera, una en forma de cartucho que emerge de un loto en toda regla, otra en forma de cuello de un ganso, un tercero que consiste en un perro corriendo con un pez en la boca cerrada, el pez formando la pecera. La lista podría ser prolongada, pero se ha dicho lo suficiente como para mostrar hasta qué grado de refinamiento había alcanzado el arte del tallado en madera miles de años antes del nacimiento de Cristo .

De la obra de Asiria , Grecia y Roma , se sabe poco, excepto a partir de la historia o la inferencia. Se puede suponer con seguridad que la artesanía asiria siguió el ritmo de los diferentes gustos y refinamientos de Grecia y todas las civilizaciones más antiguas. Importantes piezas de escultura romana de madera que existieron en Grecia y otros países antiguos solo las conocemos por las descripciones de Pausanias y otros escritores clásicos. Muchos ejemplos de las imágenes de madera de los dioses se conservaron hasta épocas históricas tardías. El Paladio , o figura sagrada de Palas , que estaba custodiada por las Vírgenes Vestales en Roma y se dice que fue traída por Eneas de la Troya en llamas , era una de estas figuras de madera.

Mundo occidental / Europa

Se crearon grandes obras de arte en madera durante toda la Edad Media , por ejemplo, en catedrales , abadías y otros sitios relacionados con la Iglesia. Estas obras demostraron tanto artesanía como arte.

Primeros once siglos de la EC

Detalle del portal tallado de Santa Sabina en el Aventino , que data del siglo V

Los ejemplos de tallado en madera de los primeros once siglos de la EC son raros debido al hecho de que las maderas se descomponen fácilmente en 1000 años. Los paneles tallados de las puertas principales de Santa Sabina en el Aventino , Roma, son ejemplares muy interesantes de la escultura en relieve paleocristiana en madera, que data, como muestran los vestidos, del siglo V. Las puertas están formadas por una gran cantidad de pequeños paneles cuadrados, cada uno de ellos minuciosamente tallado con una escena del Antiguo o Nuevo Testamento. Un fragmento muy fino de arte bizantino (siglos XI o XII) se conserva en un monasterio en el Monte Athos en Macedonia. Consta de dos paneles (uno encima del otro) de escultura en relieve, coronados por un arco de medio punto de follaje convencional que surge de columnas ornamentadas con animales en follaje en forma de espiral. Los capiteles y las bases son cuadrados, cada cara está tallada con una figura. Es una obra maravillosamente fina, concebida con el mejor espíritu decorativo.

En los países escandinavos encontramos algunos trabajos muy tempranos de excelente diseño, tanto de naturaleza cristiana como no cristiana, ya que "El bautizo" en esa parte del mundo tuvo lugar bastante tarde en el primer milenio de nuestra era. En el Museo Christiania hay unas hermosas sillas. En el Museo de Copenhague hay paneles de Islandia del mismo estilo. Las famosas puertas de madera de Aal (1200 d. C.), Sauland, Flaa, Solder y otras iglesias noruegas (Museo Christiania) tienen dragones y un intrincado trabajo de pergamino, un estilo que todavía vemos en los postes de las puertas del siglo XV en el Museo Nordiska , Estocolmo , y en la obra islandesa de tiempos bastante modernos. En estos primeros días, el diseño de la hoja no estaba muy desarrollado. El tallador dependía casi por completo del tallo, un estilo de trabajo que tiene su contraparte en el trabajo birmano del siglo XVII.

Período gótico (siglos XII-XV)

Hacia el final de esta época la talla en madera alcanzó su punto culminante. La sillería del coro , las mamparas , los tejados, los retablos , de Inglaterra , Francia y los países teutónicos de Europa, tienen en ejecución, equilibrio y proporción, nunca en ningún momento abordados. En pequeños diseños, en detalle, en minuciosidad, en precisión mecánica, el tallador de esta época ha tenido sus rivales, pero por la grandeza de la concepción arquitectónica, por una justa apreciación del tratamiento decorativo, el diseñador del siglo XV está solo.

Belleza gótica en madera tallada

Siempre hay que tener en cuenta que el color fue la tónica de este esquema. La costumbre era prácticamente universal, y quedan suficientes rastros para mostrar cuán espléndido fue el efecto de estas antiguas iglesias y catedrales góticas. Los sacerdotes con sus espléndidas vestimentas , las luces, el crucifijo , los estandartes y el incienso , las paredes con frescos o con pañales y esa gloria suprema del arte gótico , las vidrieras , estaban en armonía con estos hermosos esquemas de trabajos tallados en colores. El rojo, el azul, el verde, el blanco y el dorado eran los tintes que se utilizaban por regla general. No solo las pantallas estaban pintadas en colores, sino que las partes pintadas de blanco a menudo se decoraban más con líneas delicadas y ramitas de follaje en un patrón convencional. Las superficies lisas de los paneles también estaban adornadas con santos, a menudo sobre un fondo de delicado pañal gesso , coloreado o dorado (Southwold). Nada podía superar la belleza de los trípticos o retablos de Alemania , Flandes o Francia; tallada con escenas del Nuevo Testamento en alto relieve dispuestas bajo un delicado encaje de marquesinas y pináculos agrupados que relucen con oro y colores brillantes. En Alemania, el efecto se realzó aún más al enfatizar partes del dorado mediante un barniz transparente teñido de rojo o verde, dando así un tono especial al brillo metálico .

El estilo de diseño utilizado durante este gran período debe mucho de su interés a la costumbre ahora obsoleta de emplear directamente al artesano y sus hombres, en lugar de la costumbre actual de entregar el trabajo a un contratista. Es fácil rastrear cómo esas bandas de talladores viajaban de iglesia en iglesia. En un distrito, el diseñador emplearía una forma y disposición particular de hoja de vid, mientras que en otro contiguo aparece repetidamente un estilo bastante diferente. Por supuesto, el esquema general fue planeado por una mente maestra, pero la ejecución de cada sección, cada parte, cada detalle, se dejó al trabajador individual. De ahí esa variedad de trato, esa infinita diversidad, que da un encanto e interés al arte gótico, desconocido en épocas más simétricas. El artesano gótico apreció el hecho cardinal de que en el diseño los detalles hermosos no necesariamente garantizan una composición hermosa , y subordinó la parte individual al efecto general. También tallaba a menudo in situ , una práctica que rara vez se sigue en la actualidad. Aquí y allá uno se encuentra con la obra de hace muchos años aún inconclusa. Un extremo de banco a medio terminar, un fragmento de biombo que quedó liso, muestran claramente que a veces al menos la iglesia era el taller.

Gótico y Renacimiento: una comparación

El diseño gótico se divide aproximadamente en dos clases:

  1. los patrones geométricos, es decir, tracería y pañales, y
  2. los diseños de follaje, donde por lo general está ausente el rollo mecánico del Renacimiento.

Las líneas de tratamiento del follaje, tan comunes en las bandas de los biombos del siglo XV y en el trabajo de los paneles, especialmente en Alemania, sirven para ilustrar los motivos ampliamente diferentes de los artesanos de estas dos grandes épocas. Una vez más, mientras que el diseñador renacentista por regla general hizo que los dos lados del panel fueran iguales, el tallador gótico rara vez repetía un solo detalle. Si bien sus líneas principales y agrupaciones se correspondían, sus detalles diferían. De innumerables ejemplos se puede hacer referencia a un cofre del siglo XV (Lámina III. Fig. 6) en el Kunstgewerbemuseum de Berlín . Los arreglos de follaje, etc., en la parte superior, posterior y frontal, son típicos del gótico en su mejor momento.

Finales del siglo XII

Como esta sección trata de la talla en madera en Europa en general, y no de un solo país, las fechas que acabamos de nombrar deben ser necesariamente aproximadas. El siglo XIII estuvo marcado no solo por una gran habilidad tanto en el diseño como en el tratamiento, sino también por mucho sentimiento devocional. Parece que el artesano no solo talló, sino que talló para la gloria de Dios. En ningún momento la obra se concibió con más delicadeza ni se cortó con mayor belleza. Este estilo gótico temprano ciertamente se prestaba a un acabado fino y, en este sentido, era más adecuado para el tratamiento de la piedra que para la madera. Pero el cuidado amoroso otorgado a cada detalle parece apuntar a una devoción religiosa que a veces está ausente en trabajos posteriores. En la catedral de Peterborough se pueden ver muy buenos ejemplos de capiteles (ahora, lamentablemente, divididos por el centro) . Los rollos y el follaje surgen de grupos de columnas de cuatro. Algunas columnas italianas de la misma fecha ( Victoria and Albert Museum ) deben compararse, en beneficio de la primera. La catedral de Exeter cuenta con misericordias insuperables por su hábil mano de obra; sirenas, dragones, elefantes, máscaras, caballeros y otros temas introducidos en el follaje, forman los diseños. La catedral de Salisbury es conocida por sus codos de puesto, y el retablo en el transepto sur de Adisham , Kent , es otro buen ejemplo que da testimonio de la gran habilidad de los talladores de madera del siglo XIII. Un conjunto muy interesante de puestos, cuya historia temprana se desconoce, se colocó en la iglesia de Barming , Kent, alrededor del año 1868. Los extremos de los libros están tallados con dos pergaminos y un animal de pie entre ellos, y los extremos de los puestos con figura escultura:

1300-1380

Durante este período, las formas de follaje, aunque todavía convencionales, siguieron más de cerca a la naturaleza. El dosel del coro de Winchester contiene exquisitas tallas de roble y otras hojas. La sillería del coro de Ely y Chichester y la tumba de Eduardo III. en la Abadía de Westminster son todos buenos ejemplos de este período. Exeter cuenta con un trono, el del obispo Stapledon (1308-1326), de 17 m (57 pies) de altura, que sigue siendo inigualable por la perfección de las proporciones y la delicadeza de los detalles. En Francia, los puestos de St Benoit-sur-Loire, Lisieux y Évreux son buenos ejemplos del siglo XIV. Pero ahora se puede ver poca obra gótica en las iglesias de este país. Es en los museos donde tenemos que buscar huellas de los antiguos escultores góticos. Los dos retablos del Museo de Dijon, obra de Jacques de Baerze (1301), escultor de Flandes, que talló para Philippe le Hardi , duque de Borgoña , son obras maestras de diseño y artesanía. La tracería es de lo mejor, principalmente dorada sobre fondos de yeso con pañales.

1380-1520

Hacia finales del siglo XIV, los talladores abandonaron en gran medida el tratamiento natural del follaje y adoptaron formas más convencionales. El roble y el arce ya no inspiraron al diseñador, pero la vid se empleó constantemente. Nos queda una gran cantidad de trabajo del siglo XV, pero solo se puede hacer una breve referencia a algunos de los ejemplos más hermosos que ayudan a que este período sea tan grandioso.

La mampara , esa maravillosa característica de la iglesia medieval, era ahora universal. Consistía en una pantalla alta de aproximadamente treinta pies de altura, en la parte superior de la cual descansaba un desván, es decir, una plataforma de aproximadamente 6 pies (1.8 m). de ancho custodiado a ambos lados por una mampara de galería, y en la parte superior o en el frente, frente a la nave, se colocaba la cruz, es decir, un gran crucifijo con figuras de Santa María y San Juan a cada lado. Esta pantalla de la torre a veces abarcaba la iglesia en una longitud continua ( Leeds, Kent ), pero a menudo llenaba los arcos del pasillo y del presbiterio en tres divisiones separadas (Church Handborough, Oxon). Por lo general, se llegaba al desván mediante una escalera de caracol construida en el espesor de la pared del pasillo. La parte inferior de la pantalla en sí tenía paneles sólidos a una altura de aproximadamente 3 pies 6 pulgadas (1,07 m) y la parte superior de estos paneles se rellenó con tracería (Carbrook, Norfolk), mientras que las superficies planas restantes de los paneles fueron a menudo representada con santos sobre un fondo de delicado pañal de yeso ( Southwold, Suffolk ). Hacia el final de este período, el uso de figuras se volvió menos común como medio de decoración, y los paneles a veces se rellenaron, completamente con follaje tallado (Swimbridge, Devon). La parte superior de la pantalla de la torre consistía en arcos abiertos con las cabezas rellenas con tracería perforada, a menudo enriquecida con crockets ( Seaming , Norfolk), travesaños almenados ( Hedingham Castle , Essex ) o cúspides floridas ( Eye, Suffolk ). Los parteluces fueron esculpidos constantemente con follaje (Cheddar, Somerset), pináculos (Causton, Norfolk), ángeles ( Pilton, Devon ) o decorados con dosel en yeso (Southwold). Pero la característica de estas hermosas pantallas era el loft con su galería y bóveda. El piso del desván descansaba en la parte superior de la pantalla de la torre y generalmente se equilibraba y se mantenía en posición por medio de una bóveda de arista (Harberton, Devon) o una cala (Eddington, Somerset). Los mejores ejemplos de bóvedas se pueden ver en Devon. Los patrones en las intersecciones de las costillas y la tracería tallada de la pantalla en Honiton son incomparables. Muchas pantallas aún poseen la viga que formaba el borde del piso del desván y sobre la que descansaba la galería. Fue aquí donde el tallador de telas medievales dio más juego a su fantasía y talló los mejores diseños en el follaje que se pudieron ver durante todo el período gótico. Aunque estos moldes, crestas y bandas en masa tienen la apariencia de estar tallados en un tronco, en la práctica se construyeron invariablemente en partes, gran parte del follaje, etc., siendo perforados y colocados en moldes huecos para aumentar la sombra. . Como regla general, la disposición consistía en una cresta que corría a lo largo de la parte superior, con una más pequeña que dependía del borde inferior, y tres franjas de follaje y enredaderas entre ellas (Feniton, Devon). Los diseños de hojas de vid en Kenton, Bow y Dartmouth, todos en Devon, ilustran tres tratamientos muy hermosos de esta planta. En Swimbridge, Devon, hay una combinación muy elaborada; las cuentas lisas habituales que separan las bandas también están talladas con follaje retorcido. En Abbots Kerswell y otros lugares del distrito alrededor de Totnes, los talladores introdujeron pájaros en el follaje con el mejor efecto. La variedad de crestas utilizadas es muy grande. El de Winchcomb, Gloucester, consiste en dragones combinados con hojas de vid y follaje. Ilustra cómo los escultores góticos repetían a veces sus patrones de una manera tan mecánica como los peores obreros de la actualidad. Poco se puede decir de las galerías, tan pocas nos quedan. Casi todos fueron derribados cuando se emitió la orden de destruir los roods en 1548. Que estaban decorados con santos tallados bajo nichos ( St Anno's Church, Llananno , Gales), o figuras pintadas (Strencham, Worcester), es seguro por la ejemplos que han sobrevivido a la Reforma. En Atherington. Devon, el frente de la galería está decorado con el escudo de armas real , otros dispositivos heráldicos y con oraciones. La pantalla bretona de St Fiacre-le-Faouet es un maravilloso ejemplo del trabajo francés de esta época, btit no se compara con los mejores ejemplos en inglés. Sus líneas extravagantes y su pequeña tracería nunca se afianzaron en Inglaterra, aunque a veces se encuentran pantallas talladas de esta manera (Colebrook, Devon).

La torre tenía a veces unas dimensiones que requerían algún apoyo además de la galería sobre la que descansaba. Se utilizó una viga tallada a partir de la cual una cadena conectaba la propia barra. En Cullompton , Devon, esa viga todavía existe y está tallada con follaje; una cresta abierta adorna la parte inferior y dos ángeles sostienen los extremos. Esta torre en particular se encontraba sobre una base de rocas, cráneos y huesos, tallados en dos troncos sólidos que medían un promedio de 18 pulgadas de ancho y 21 pulgadas de alto, y juntos medían 15 pies 6 pulgadas (4,72 m) de largo; hay agujeros redondos a lo largo de la parte superior que probablemente se usaron para luces.

Ningún país de Europa posee techos iguales a los de Inglaterra creados en el siglo XV. El gran techo de Westminster Hall sigue siendo único en la actualidad. En Norfolk y Suffolk abundan los techos de la clase de las vigas de martillo ; que en Woolpit, Suffolk, alcanza el primer rango de calidad. Cada soporte está tallado con follaje fuertemente diseñado, el extremo de cada viga termina en un ángel que lleva un escudo, y las correas tienen una cresta, mientras que cada cercha está sostenida por un riche con dosel (que contiene una figura) que descansa sobre una ménsula de ángel. También aquí, como en Ipswich y en muchas otras iglesias, hay una fila de ángeles con las alas extendidas debajo de la placa de la pared. Esta idea de ángeles en el techo es muy hermosa, y el efecto mejora mucho con la coloración. El techo de St Nicholas, King's Lynn , es un magnífico ejemplo de construcción de vigas de amarre. Las cerchas están rellenas de tracería a los lados y los centros más o menos abiertos, y las vigas, que están coronadas y almenadas, contienen una hilera de ángeles a cada lado. En Devon, Cullompton posee un techo semicircular muy fino sostenido a intervalos por nervaduras perforadas con tallas. Cada compartimento está dividido en pequeños paneles cuadrados, cruzados por nervaduras diagonales de crestería, mientras que cada junta está adornada con un jefe tallado en la forma decorativa peculiar del artesano gótico. El techo de la nave de la catedral de Manchester es casi plano, y también está dividido en pequeños compartimentos y con rebordes; las vigas están sostenidas por ménsulas talladas que descansan sobre ménsulas con ángeles en cada base.

Sillería del coro en Ulm Münster por Jörg Syrlin tE (ca.1470)
Busto de Cicerón de Jörg Syrlin tE, en Ulm Münster

En el siglo XV, la sillería del coro con sus marquesinas continuó aumentando en magnificencia. La catedral de Manchester (mediados del siglo XV) y la capilla de Enrique VII en la Abadía de Westminster (principios del siglo XVI) son buenos ejemplos de la moda de agrupar ~ 7 ~ 7 pináculos y marquesinas; una costumbre que difícilmente se compara con la belleza más simple de la obra de la catedral de Ely del siglo XIV . Los puestos de la catedral de Amiens fueron quizás los mejores del mundo a principios del siglo XVI. La cresta empleada, aunque común en el continente, es de un tipo poco conocido en Inglaterra, y consiste en arcos que brotan de arcos y están decorados con corchetes y remates. La obra del tabernáculo sobre los asientos de los extremos, con sus pináculos y arbotantes , se extiende hacia el techo en líneas afiladas de la mayor delicadeza. La sillería del coro (obra de Jörg Syrlin el Viejo ) de Ulm Minster se encuentran entre las mejores producidas por el escultor alemán. Los paneles frontales están tallados con follaje de espléndida audacia decorativa, fuerza y ​​carácter; los extremos del puesto estaban tallados con follaje y esculturas a lo largo del borde superior, como sucedía a veces en Baviera y Francia, así como en Alemania.

En los primeros tiempos, el coro solo poseía asientos, la nave se dejaba al descubierto. Poco a poco se introdujeron los bancos y durante el siglo XV se hicieron universales. La forma de cabeza de amapola del adorno B ahora alcanzó la perfección y se usó constantemente para asientos distintos a los del coro. El nombre se refiere en a. al remate tallado que se usa tan a menudo para completar la parte superior del extremo del banco y es de carácter peculiarmente inglés. En Devon y Cornwall rara vez se encuentra ( Ilsington , Devon ). En Somerset es más común, mientras que en los condados del este quedan miles de ejemplos. La forma bastante simple de flor de lis de cabeza de amapola, adecuada para el pueblo, se ve a la perfección en Trunch, Norfolk, y la forma muy elaborada cuando la cabeza de amapola brota de un círculo crocketed lleno de esculturas, en St Nicholas, King's Lynn . A menudo, el follaje contenía una cara ( St Margaret's, Cley , Norfolk), o la cabeza de amapola consistía únicamente en figuras o pájaros ( Thurston, Suffolk ) o una figura de pie sobre un dragón (Great Brincton, Northampton); de vez en cuando se apartaba de la forma tradicional y se tallaba el remate como un limón (Bury St Edmuncis) o un diamante (Tirley, Glos.). En Dinamarca, un adorno en forma de un gran círculo reemplaza a veces a la cabeza de amapola inglesa. En el Museo de Copenhague hay un conjunto de finales de banco del siglo XV con tal decoración tallada con escudos de armas, cinchas entrelazadas, etc. Pero el antiguo final de banco del siglo XV no dependía completamente de la cabeza de amapola para su adorno. El lado se enriquecía constantemente con tracería elaborada (Dennington, Norfolk) o con tracería y escenas domésticas (North Cadbury, Somerset), o consistiría en una masa de escultura en perspectiva, con dosel, contrafuertes y nichos esculpidos, mientras que la parte superior de el extremo del banco estaría coronado con figuras talladas en redondo, de la mejor artesanía. Este trabajo en la catedral de Amiens es una maravilla de concepción, diseño y ejecución. En el Kunstgewerbemuseum de Berlín se pueden ver algunos hermosos puestos finales. De la boca de un dragón crece un árbol convencional dispuesto y equilibrado en excelentes proporciones. En otro extremo del establo hay tallado un árbol que sale de la boca de un tonto. Esta costumbre de hacer crecer el follaje de la boca o de los ojos es difícilmente defendible y de ninguna manera se limitó a ningún país o época. Tenemos muchos ejemplos renacentistas del mismo tratamiento.

Antes del siglo XV, la predicación no se había convertido en una institución regular en Inglaterra, y los púlpitos no eran tan comunes. Sin embargo, el valor del sermón comenzó a apreciarse por el uso que los lolardos y otras sectas le daban a este método de enseñanza de la doctrina, y los púlpitos se convirtieron en una necesidad. Existe uno muy hermoso en Kenton, Devon . Es, como suele ser el caso, octogonal y se apoya sobre un pie. Cada ángulo está tallado con una columna vertical de follaje entre pináculos, y los paneles, que están pintados con santos, están enriquecidos con toldos y follaje tallados; sin embargo, está muy restaurado. El púlpito de Trull, Somerset, se destaca por su fina talla de figuras. Una figura grande de pie debajo de un canonv llena cada uno de los lados revestidos con paneles. mientras que muchas otras figuras más pequeñas ayudan a enriquecer el efecto general. Los ejemplos de cajas de resonancia góticas son muy raros; que, junto con el púlpito, en el coro de Winchester es de la época del Prior Silkstede (1520), y está tallado con su acertijo, una madeja de seda retorcida.

La forma habitual de cubierta de fuente durante los cien años antes de la Reforma era piramidal, las nervaduras de los ángulos salientes eran Fo rectas y acodadas (Frindsbury, Kent) o de contorno curvo y acodadas (St Mildred, Canterbury). Hay uno muy encantador de esta forma en Colebrook, Devon. Es bastante sencillo, salvo por un angelito arrodillado en la cima, con las manos entrelazadas en oración. Pero la forma más hermosa es la colección masiva de pináculos y trabajos de dosel, de los cuales hay un excelente ejemplo en Sudbury, Suffolk . No era raro tallar una paloma en el pináculo más alto (Castleacre, Norfolk), en alusión al descenso del Espíritu Santo. La fuente más fina de Inglaterra es sin duda la de Ijiford, Suffolk. Se eleva unos 20 pies (6,1 m). de altura, árido cuando los paneles estaban pintados con santos y el exquisito trabajo del tabernáculo coloreado y dorado, debió ser una obra maestra de la artesanía gótica. Se utilizó un cordón que conectaba la parte superior de estas cubiertas con el techo o con una viga tallada que sobresalía de la pared, algo así como una grúa (Salle, Norfolk), para quitar la cubierta con motivo del bautismo.

Muchos atriles del período gótico no existen en la actualidad. Por lo general, tenían un escritorio de doble pendiente que giraba alrededor de un poste central moldeado. El atril en Swanscombe, Kent, tiene eras, un círculo de buen follaje que adorna cada cara del descanso del libro y un trabajo de tracería sónica en cada extremo. La forma de caja es más común en Francia que en Inglaterra, el pedestal de dicho atril está rodeado por una carcasa de tres o más lados. Un buen ejemplo con seis lados está en la iglesia de Vance (Francia), y uno de forma triangular en la Musa de Bourges, mientras que un atril de caja de cuatro lados todavía se usa en la iglesia de Lenham, Kent. La mesa de oración gótica, que se utiliza con fines de devoción privada, es poco conocida en Inglaterra, pero no es infrecuente en el continente. Hay un hermoso ejemplar en la Musa, Bourges; el frente y los lados de la parte para arrodillarse están tallados con esa pequeña tracería de carácter fluido tan común en Francia y Bélgica durante la última parte del siglo XV, y la parte posterior, que se eleva a una altura de 6 pies (1,8 m). , contiene un pequeño crucifijo con decoración trazada arriba y abajo.

Se debe decir una palabra sobre el ciboria , que se encuentra tan a menudo en el continente europeo de Oboria. En la disposición ahusada del trabajo del tabernáculo, rivalizan con las cubiertas de fuentes inglesas en delicadeza de contorno (Muse, Rouen).

Hay que encontrar un gran número de puertas no solo en las iglesias, sino también en las casas particulares. Lavenham , Suffolk , es rica en trabajos de esta última clase. En Inglaterra, la costumbre general era tallar la cabecera de la puerta solo con tracería (East Brent, Somerset), pero en el período Tudor, algunas veces las puertas estaban cubiertas por completo con paneles de lino ( Abadía de St Albans ). Esta forma de decoración era muy común tanto en el continente como en Inglaterra. En Francia, las puertas hacia la última parte del siglo XV eran a menudo de cabeza cuadrada, o quizás tenían las esquinas redondeadas. Estas puertas se dividían generalmente en unos seis u ocho paneles oblongos de tamaño más o menos igual. Así se trata una de las puertas de la Catedral de Bourges, rellenándose los paneles con muy buena tracería enriquecida con croquetas y escudos de armas. Pero constantemente se emplea una forma de tratamiento más moderada, como en la iglesia de St Godard, Rouen, donde los paneles superiores solo están tallados con tracería y escudos de armas y los inferiores adornados con un sencillo diseño de pliegues de lino.

A España y los países teutónicos de Europa buscamos el objeto más importante de decoración de iglesias, el retablo; la Reforma explica la ausencia en Inglaterra de cualquier obra de este tipo. El magnífico retablo en Schleswig catedral fue tallada por Hans Bruggerman , y consiste, como muchos otros, de un número de paneles llenos de figuras de pie unos cuatro o cinco de profundidad. Las figuras de las primeras filas están talladas por separado y se destacan por sí mismas, mientras que el fondo está compuesto por trabajos de figuras y arquitectura, etc., en perspectiva decreciente. Los paneles se agrupan bajo dosel formando un todo armonioso. La genialidad de este gran tallador se manifiesta en la gran variedad de expresiones faciales de esas maravillosas figuras todas instintivas de vida y movimiento. En Francia existen pocos retablos fuera de los museos. En la pequeña iglesia de Marissel, no lejos de Beauvais , hay un retablo que consta de once paneles, siendo la crucifixión, por supuesto, el tema principal. Y hay un hermoso ejemplo de Amberes en Muse Cluny, París; la tracería perforada que decora la parte superior es un buen ejemplo del estilo compuesto por segmentos entrelazados de círculos tan común en el continente durante el gótico tardío y que rara vez se practica en Inglaterra. En España, la catedral de Valladolid era famosa por su retablo, y Alonso Cano y otros escultores usaban con frecuencia madera para estatuas grandes, que estaban pintadas de una manera muy realista con el efecto más asombrosamente realista. Dinamarca también poseía una escuela de hábiles talladores de madera que imitaban los grandes retablos de Alemania. Todavía existe un ejemplo muy grande y bien tallado en la catedral de Roskilde. Pero además de estos grandes retablos, se esculpieron minúsculos modelos en una escala cuya minuciosidad asombra al espectador. Trípticos y santuarios, etc., de unos pocos centímetros, fueron rellenados con tracerías y figuras que despiertan la mayor maravilla. En el Museo Británico hay un tríptico de este tipo (flamenco, I 511); el panel central, de una o dos pulgadas cuadradas, está repleto de figuras en relieve completo y en perspectiva decreciente, según la costumbre de este período. Este descansa sobre una base semicircular que está tallada con la Cena del Señor , y además está adornada con figuras y animales. Todo incluido mide aproximadamente 9 pulgadas de alto y, con las alas del tríptico abiertas, 5 pulgadas de ancho. La extraordinaria delicadeza y minuciosidad de los detalles de este trabajo microscópico desconcierta la descripción. Hay otra pieza de este tipo, también flamenca, en la colección de Wallace, que rivaliza con la que acabamos de mencionar en rni y talento aplicado. Porque, por maravillosas que sean estas obras de arte, no satisfacen. Hacen que le duelan los ojos, se preocupan por saber cómo se podría haber obtenido el resultado, y después del primer asombro uno debe sentir que la misma obra de arte en una escala lo suficientemente grande para una catedral podría haber sido tallada con la mitad de la labor.

Con respecto a los paneles en general, durante los últimos cincuenta años del período que ahora se examina, hubo tres estilos de diseño seguidos por la mayoría de los escultores europeos, cada uno de los cuales alcanzó una gran notoriedad. En primer lugar, una forma desarrollada de paneles pequeños. tracería que era muy común en Francia y los Países Bajos. Un panel de cabeza cuadrada se rellenaría con pequeños detalles de carácter extravagante, siendo la línea perpendicular o parteluz siempre subordinada, como en el chasse alemán (Muse Cluny), y en algunos casos ausente, como nos muestra la obra de pantalla de la catedral de Évreux. . En segundo lugar, el diseño de pliegue de lino . La gran mayoría de los ejemplos son de una forma muy convencional, pero en Bere Regis , Dorsetshire, los diseños con borlas, y en St Sauvur, Caen, aquellos con flecos, justifican fácilmente el título universal aplicado a este tratamiento tan decorativo de grandes superficies. . A principios del siglo XVI, otro patrón se puso de moda. Las líneas principales del diseño consistían en molduras huecas planas a veces en forma de círculos entrelazados (Gatton, Surrey), otras veces principalmente rectas (catedral de Rochester), y los espacios intermedios se rellenarían con cúspides o ramitas de follaje. Marca la última lucha de esta gran escuela de diseño para resistir la inminente avalancha del nuevo arte, el gran Renacimiento. A partir de este momento, la obra gótica, a pesar de varios intentos, nunca más ha vuelto a ocupar un lugar en la decoración doméstica. Las líneas del estilo de la tracería, el pináculo y el crocket inigualables, como siempre lo han sido en la expresión devocional, se consideran universalmente inadecuadas para la decoración de la casa ordinaria.

Pero poco se puede hacer referencia a la vertiente doméstica del período que terminó con los albores del siglo XVI, porque existen muy pocos restos. En Bayeux , Bourges , Reims y sobre todo en Rouen , vemos por las figuras de santos, obispos o vírgenes, cuánto entró el sentimiento religioso de la Edad Media en la vida doméstica. En Inglaterra, el poste de la esquina tallado (que generalmente llevaba un soporte en la parte superior para sostener el piso sobresaliente) requiere comentarios. En Ipswich , hay varios puestos de este tipo. En una casa cercana al río, ese tema célebre, el zorro predicando a los gansos, está grabado en alusión gráfica a la difusión de la falsa doctrina.

De repisas de chimenea, hay un buen ejemplo en el Museo de Rouen . Las esquinas sobresalientes están sostenidas por dragones y las molduras lisas tienen pequeños racimos de follaje tallados en cada extremo, una costumbre tan común en Francia durante el siglo XV como en Inglaterra un siglo antes; la pantalla. haz en la iglesia parroquial de Eastbourne, por ejemplo.

Como regla general, los gabinetes del siglo XV eran de planta rectangular. En Alemania y Austria, la parte inferior a menudo estaba cerrada, así como la superior; los rieles superior, medio e inferior están tallados con diseño geométrico o con bandas de follaje (Museo, Viena). Pero también era costumbre hacer estos armarios con las esquinas recortadas, dando así cinco lados al mueble. Un ejemplo muy bonito, que se ve muy realzado por el trabajo en metal de las placas de bloqueo y las bisagras, es el de Muse Cluny, y hay otros buenos ejemplares con la parte inferior abierta en el Victoria and Albert Museum de Londres .

El cofre era un mueble muy importante, y a menudo se encuentra cubierto con la talla más elaborada (Museo de Orleans). Hay un espléndido cofre (siglo XIV) en el Museo de Cluny ; el frente está tallado con doce caballeros con armadura de pie bajo tantos arcos, y las enjutas están llenas de rostros, dragones, etc. Pero es hasta el siglo XV que buscamos el mejor trabajo de esta clase; No hay mejor ejemplo que el del Kunstgewerbemuseum de Berlín . El frente es una escena de caza muy animada dispuesta de manera muy decorativa en un esquema de follaje, y la parte superior tiene dos escudos de armas con yelmos, crestas y mantos. Pero la costumbre más generalizada en la decoración de cofres era emplear tracería con o sin trabajo de figuras; El Museo de Aviñón contiene algunos ejemplos típicos de esta última clase.

Un cierto número de asientos utilizados para fines domésticos son de gran interés. Un buen ejemplo del banco largo colocado contra la pared, con un respaldo alto con paneles y un dosel, se encuentra en el Musée Cluny de París. En el Museo de Rouen hay un asiento largo de tipo móvil con un respaldo bajo con paneles de tracería perforada, y en el Museo de Dijon hay un buen ejemplo de la silla típica de la época, con brazos y respaldo alto con paneles y trazados. Había un estilo de diseño que se adaptaba admirablemente a la decoración de muebles cuando se fabricaban con madera blanda como el pino. Se parecía un poco al excelente tratamiento escandinavo de los siglos X-XII ya mencionado. Un patrón de follaje gótico, a menudo de bellos contornos, se basaría simplemente en una profundidad poco profunda. Las sombras, curvas y giros solo se enfatizan con unos cortes bien dispuestos con una herramienta en V ; y, por supuesto, todo el efecto mejora enormemente con el color. Una puerta suiza del siglo XV en el Museo de Berlín, y algunas obras alemanas, suizas y tirolesas en el Victoria and Albert Museum , ofrecen patrones que bien podrían ser imitados hoy por quienes requieren una decoración simple evitando las trilladas formas isabelinas.

Es difícil comparar la obra de figuras de Inglaterra con la del continente debido al efecto desastroso de la Reforma . Pero cuando examinamos los techos de los condados orientales, los extremos de los bancos de Somerset o las misericordias en muchas partes del país, podemos apreciar la gran parte de la escultura de madera que se utilizó con fines decorativos. Si, por regla general, el trabajo de las figuras no era de muy alto nivel, tenemos notables excepciones en los codos de los puestos de Sherborne y en el púlpito de Trull, Somerset. Quizás el ejemplo más antiguo es la efigie a menudo mutilada y restaurada de Robert, duque de Normandía , en la catedral de Gloucester (siglo XII), y tallada, como era generalmente el caso en Inglaterra, en roble. En Clifton Reynes , Buckingham, hay dos figuras del siglo XIII. Ambos están ahuecados por la parte posterior para facilitar el secado de la madera y evitar que se agriete. Durante los siglos XIII, XIV y XV hay innumerables ejemplos de tallas de figuras de la descripción más gráfica que ofrecen las misericordias en muchas de nuestras iglesias y catedrales. Pero de figuras esculpidas en redondo aparte de su entorno, apenas queda un ejemplo. En la pequeña capilla de Cartmel Fell, en la naturaleza de Westmorland, hay una figura de Nuestro Señor sacada de un crucifijo, de unos 0,76 m (2 pies 6 pulgadas) de largo. La cruz se ha ido, los brazos están rotos y los pies han sido quemados. Una segunda figura de Nuestro Señor (originalmente en la iglesia de Keynes Inferior) se encuentra en el museo de Caerleon, y una tercera, de una iglesia en Lincolnshire, ahora se encuentra en una colección privada. En el continente, algunos de los mejores trabajos de figuras se encuentran en los retablos, algunos de los cuales se encuentran en el Victoria and Albert Museum. Una tabla tirolesa del siglo XV tallada en alto relieve, que representa a San Juan sentado de espaldas al espectador, es una obra maestra de perspectiva y escorzo, y los pliegues de las cortinas son perfectos. Lo mismo puede decirse de una pequeña estatua de la Virgen, tallada en cal por una mano suiza, y alguna obra del gran Tilman Riemenschneider de Würzburg (1460-1531) muestra que los escultores de piedra de la época medieval no se avergonzaban de la madera.

Período del Renacimiento (siglos XVI-XVII)

A principios del siglo XVI, el gran Renacimiento comenzó a abrirse paso a codazos hasta la exclusión del diseño gótico. Pero el proceso no fue repentino y gran parte del trabajo de transición tiene un gran mérito. La mampara en Hurst, Berkshire , el trabajo de los puestos de Cartmel Priory , Westmorland, y los extremos de los bancos de muchas de las iglesias en Somerset , ofrecen buenas ilustraciones. Pero el nuevo estilo era diferente al antiguo en sentimiento devocional, excepto en edificios clásicos como la Catedral de San Pablo , donde los puestos de Grinling Gibbons se adaptan mejor a su propio entorno. Por lo tanto, el resto de este artículo se dedicará principalmente al trabajo doméstico, y la ubicación exacta de los ejemplos solo se puede dar cuando no sea propiedad de propietarios privados o donde el público tenga acceso.

Durante el siglo XVI, sin duda, la mejor obra se encuentra en el continente. Francia , Alemania y los Países Bajos producen innumerables ejemplos no solo de decoración de casas, sino también de muebles. La riqueza del continente americano recién descubierto fue sólo un factor que ayudó a la influencia civilizadora de esta época, y de la mano con la expansión del comercio vino el deseo de refinamiento. Continuó la costumbre de construir casas principalmente de madera dondequiera que hubiera mucha madera. Las pilastras tomaron el lugar de los pináculos, y los jarrones o delfines ayudaron a la hoja de acanto a eliminar las formas más antiguas de diseño. Las fachadas de madera de las casas daban un amplio margen al escultor. El de Sir Paul Pinder (1600), anteriormente en Bishopsgate , pero ahora conservado en el Victoria and Albert Museum, es un buen ejemplo de tratamiento decorativo sin sobrecargas. Los soportes tallados en forma de monstruos que sostienen el piso superior saliente son típicos de cientos de viviendas, como por ejemplo el Hospital St Peters, Bristol . Los paneles, también, de la casa de Sir Paul Pinders son buenos ejemplos de esa forma jacobea de medallón rodeado por un trabajo de volutas que es a la vez tan decorativo como simple.

En Inglaterra prevaleció ese estilo familiar conocido como isabelino y jacobeo a lo largo de los siglos XVI y XVII. En la actualidad, apenas un hogar en la tierra no tiene su viejo cofre de roble tallado con el familiar semicírculo o borde de desplazamiento a lo largo del riel superior, o el patrón de arco en los paneles. Los armarios del patio , con sus bajos macizos o abiertos y la cornisa superior sostenida por balaustres torneados de extravagante grosor, se ven por donde se va. Y las sillas, tanto reales como falsas, con sólidos respaldos tallados en el habitual relieve plano, se compran con una avidez inseparable de la moda. Los somieres de cuatro postes son más difíciles de conseguir. El respaldo suele estar dividido en pequeños paneles y tallado, el mejor efecto se observa en aquellos ejemplos en los que solo se decora el revestimiento de madera o el marco. Las mesas del comedor a menudo tenían seis patas de gran sustancia, que tenían la forma de una taza tapada, y estaban talladas con follaje que se asemejaba lejanamente al acanto. Las habitaciones generalmente estaban revestidas con paneles de roble, a veces divididas a intervalos por pilastras planas y el friso superior tallado con volutas o delfines. Pero el rasgo que distinguió el período fue el manto de fuego . Siempre debe ser el objeto principal de una habitación, y el tallador isabelino apreció plenamente este hecho. Tallando la campana de la chimenea como regla hasta el techo y cubriendo las paredes circundantes con paneles más o menos lisos, el diseñador, al concentrar así la atención en un punto, a menudo produce resultados de alto nivel. Figuras de cariátides , pilastras y frisos se encontraban entre los detalles habituales empleados para producir buenos efectos. No existe un ejemplo mejor que el que recientemente se trasladó del antiguo palacio de Bromley-by-Bow al Victoria and Albert Museum. La repisa de la chimenea mide 1,8 m (6 pies). del suelo y consta de un molde cuadrante profundo decorado con trabajo de voluta plano de buen diseño. Las pilastras de apoyo a ambos lados están modeladas y moldeadas a la manera tradicional jacobea y están coronadas por bustos con capiteles jónicos en las cabezas. Sobre el estante, el gran panel central está profundamente tallado con el escudo de armas real con soportes y manto, y a cada lado un nicho arqueado de medio punto contiene una figura con un vestido clásico. El tallador isabelino solía producir espléndidas escaleras, a veces tallando los postes de la newel con figuras heráldicas con escudos de armas, etc. Los newels de una escalera en Highgate soportan diferentes tipos de soldados cromwellianos, tallados con gran vivacidad y vida. Pero a pesar de un trabajo excelente, como por ejemplo la hermosa galería de Hatfield, la talla de este período no se comparó, en lo que respecta a Inglaterra, con otras épocas o con el trabajo contemporáneo en otras partes de Europa. Gran parte del trabajo está mal dibujado y mal ejecutado. Es cierto que constantemente se obtuvieron buenos efectos decorativos a un costo mínimo, pero es difícil encontrar mucho mérito en un trabajo que realmente se ve mejor cuando está mal cortado.

En Francia, este tratamiento plano y simple se utilizó hasta cierto punto. Las puertas se adornaban de la manera más adecuada de esta manera, y el balaustre dividido, tan característico del trabajo jacobeo, es frecuente encontrarlo. Hay algunos gabinetes muy buenos en el museo de Lyngby, Dinamarca, que ilustran estos dos métodos de tratamiento en combinación. Pero los suizos y austriacos elaboraron este estilo, mejorando enormemente el efecto mediante la adición de color. Sin embargo, los mejores diseños de Continental adoptaron el típico follaje de acanto de Italia, sin dejar de conservar una cierta dosis de sentimiento gótico en la fuerza de las líneas y el corte de los detalles. Los paneles a menudo largos y estrechos se usaban comúnmente para todo tipo de propósitos domésticos, siendo una característica un medallón en el centro con una disposición simple de jarrones, delfines, dragones o pájaros y follaje que llenaban los espacios arriba y abajo.

Los armarios de Holanda y Bélgica son excelentes modelos de diseño. Estos muebles solían disponerse en dos plantas con una cornisa finamente moldeada y tallada, división intermedia y zócalo. Las pilastras a los lados, y los pequeños paneles en relieve tallados solo en la parte saliente, compondrían un conjunto muy armonioso. Una parte de los gabinetes franceses están decorados con cariátides no talladas con el mejor gusto y, como otras carpinterías francesas de este período, a veces están sobrecargadas de esculturas. Las puertas de St Maclou, Rouen, a pesar de lo hermosas que son, difícilmente se considerarían hoy como modelos para imitar. Un conjunto de puertas destacables pertenecen al Ayuntamiento de Oudenaarde . La puerta central contiene doce y la de cada lado ocho paneles, cada uno de los cuales está tallado con follaje renacentista que rodea una figura discreta. En el Palais de Justice vemos ese gran esquema de decoración que ocupa todo el extremo de la chimenea del vestíbulo. Cinco grandes figuras talladas en redondo están rodeadas de pequeñas y con follaje y escudos de armas.

En Italia, cuna del Renacimiento, hay muchas obras excelentes del siglo XVI. Raphael promovió una escuela de diseño muy importante , cuyos patrones fueron utilizados o adaptados por un gran número de artesanos. Las contraventanas de Raphaels Stanze en el Vaticano y la sillería del coro en la iglesia de San Pietro de Cassinesi en Perugia se encuentran entre los ejemplos más bellos de este estilo de talla. La obra tiene un ligero relieve y está tallada en nogal con esos elegantes patrones que Rafael desarrolló a partir de los restos recién descubiertos de la pintura mural romana antigua del palacio de Nerón y otros lugares. En el Victoria and Albert Museum hay muchos ejemplos del trabajo italiano: la puerta de un convento cerca de Parma, con sus tres máscaras prominentes y moldes de gadroon pesados; un marco con un encantador borde de acanto y moldes de huevo y lengua a cada lado; y varios cofres matrimoniales en nogal cubiertos con esquemas de talla muy elaborados. A veces es difícil distinguir el español, o para el caso el trabajo del sur de Francia, del italiano, por lo parecido que es el personaje. Los españoles no se rinden ante nadie en buena mano de obra. Algunos paneles españoles de diseño típico italiano se encuentran en el Victoria and Albert Museum así como vitrinas del más puro orden renacentista. Hay un maravilloso cofre portugués (siglo XVII) en esta sección. La parte superior está profundamente tallada en pequeños compartimentos con escenas de la vida de Nuestro Señor.

Siglos XVII-XVIII

En Inglaterra surgió la gran escuela de Grinling Gibbons . Aunque talló muchas molduras hermosas de forma convencional ( Hampton Court Palace , Chatsworth, etc.), su nombre generalmente se asocia con una forma de decoración muy pesada que fue copiada directamente de la naturaleza. Grandes ramilletes de cortinas y follaje con frutas y pájaros muertos, etc., serían tallados en cal de un pie de espesor. Para la habilidad técnica, estos ejemplos son insuperables; cada uva se recortaba, los tallos más finos y las patas de las aves se destacaban bastante separadas y, como consecuencia, pronto sucumbían a la energía de la escoba de la criada. El buen trabajo de esta clase se encuentra en Petworth; Trinity College, Oxford ; Trinity College, Cambridge ; Catedral de San Pablo; St James, Piccadilly; y muchas otras iglesias de Londres.

Durante los reinados de Luis XIV. y XV. el principal mérito del diseño tallado, es decir, su idoneidad e idoneidad, desapareció gradualmente. Los muebles a menudo estaban tallados de una manera poco legítima. Las patas, los rieles de las mesas y sillas, los marcos de los gabinetes, de los espejos, en lugar de estar hechos primero de construcción y resistencia. y luego decorados, fueron diseñados primero para llevar cabezas de querubines y rococó (es decir, adornos de roca y concha), sin importar su utilidad o conveniencia. También se aplicó una gran cantidad de ese diseño erróneo a los vagones estatales, por no hablar de los somieres y otros muebles. Sin embargo, los paneles de las paredes de las mansiones de los ricos y, a veces, los paneles de los muebles, estaban decorados con un diseño rococó en su forma menos ilegítima. La parte principal de la superficie de madera quedaría lisa, mientras que el centro se tallaría con un medallón rodeado de follaje, jarrones o trofeos de antorchas e instrumentos musicales, etc., o tal vez se trataría así la parte superior del panel. Francia lideró la moda, que fue más o menos seguida en toda Europa. En Inglaterra, sillas doradas al estilo de Luis XV. se hicieron en algunas cantidades. Pero Thomas Chippendale , Ince y Mayhew, Sheraton, Johnson, Heppelwhite y otros ebanistas, por regla general, no utilizaron mucho tallado en sus diseños. Rollos, conchas, cintas, mazorcas de maíz, etc., en muy fino relieve, se utilizaron, sin embargo, en el adorno de sillas, etc., y la garra y el pie de bola se emplearon como terminación de las patas cabriolas de los gabinetes y otros muebles.

Las repisas de las chimeneas del siglo XVIII estaban, por regla general, talladas en pino y pintadas de blanco. Por lo general, los estantes eran estrechos y sostenidos por pilastras a menudo de planta elíptica plana, a veces por cariátides , y el friso consistía en un panel central elevado tallado con una escena clásica en relieve, o con una sola máscara, y a cada lado un botín de flores, frutos y follaje.

Apóstoles barrocos tallados en madera de Val Gardena

Los portales interiores a menudo estaban decorados con un frontón roto más o menos ornamentado, y una franja de follaje comúnmente dependía de cada lado sobre un fondo de trabajo de volutas. Los pórticos exteriores que se ven con tanta frecuencia en las casas de la reina Ana eran de un carácter peculiar del siglo XVIII. Una pequeña plataforma o techo curvo estaba sostenido por dos grandes y pesados ​​soportes tallados con volutas de acanto. Las escaleras eran, por regla general, extraordinariamente buenas. Se fijaron ménsulas talladas y perforadas a las cuerdas abiertas (es decir, a los lados de los escalones), dando un efecto muy bonito a la elegante balaustrada de columnas torcidas y retorcidas.

El trabajo de figuras renacentistas requiere pocos comentarios. Durante el siglo XVI se produjeron muchos buenos ejemplos de estas estatuas sacerdotales en el museo de Sens, por ejemplo. Pero el trabajo de figuras utilizado en la decoración de gabinetes, etc., rara vez se elevó por encima del nivel ordinario. En el siglo XVIII, las cabezas de querubines estaban de moda y las estatuillas a veces se tallaban en madera de boj como adornos, pero como medio para decorar las casas, la escultura de madera dejó de existir. Los suizos, sin embargo, han mantenido su reputación de escultura animal hasta el día de hoy, y todavía producen rebecos y osos hábilmente tallados, etc .; por regla general, cuanto más esquemáticamente se corte, mejor será el mérito. Sus trabajos más ambiciosos, sus grupos de vacas, etc., alcanzan en ocasiones un alto nivel de excelencia.

Entre los siglos XVII y XVIII se inició una florida industria del tallado en madera en el valle de Gardena , que ahora se encuentra en la provincia italiana de Tirol del Sur . Una red de gente de ese valle viajó a pie a todas las ciudades europeas, hasta Lisboa y San Petersburgo, para vender los productos de cientos de talladores. Finalmente en el siglo XIX en Gardena, principalmente juguetes y muñecos de madera conocidos también como muñecos holandeses o muñecos penny, fueron tallados por millones de piezas. El Museo Gherdëina en Urtijëi muestra una gran colección de ejemplos de tallas de madera de esa región.

Se siguió produciendo talla de madera dorada en Portugal y España, y el estilo se exportó a sus colonias del Nuevo Mundo, Filipinas , Macao y Goa .

Siglo XIX hasta la actualidad

De la obra del siglo XIX en adelante, poco se puede decir a modo de alabanza. Fuera y más allá de la moda actual de coleccionar robles viejos, parece que no hay demanda de decoración tallada. En el trabajo de la iglesia, un cierto número de talladores encuentran ocupación, como también para reparaciones o producción de imitaciones. Pero el tallado que uno está acostumbrado a ver en los hoteles o a bordo del moderno palacio oceánico es principalmente el trabajo de la máquina, a menudo con el trabajo de acabado realizado por trabajadores humanos.

No obstante, en el siglo XIX se formalizó la enseñanza del tallado en madera en varios países europeos. Por ejemplo, el tallador de madera austriaco Josef Moriggl (1841-1908) tuvo una larga carrera como profesor, que culminó con su nombramiento en 1893 como profesor en la Staats-Gewerbeschule (Escuela de Artesanía) en Innsbruck , donde se desempeñó hasta su jubilación en 1907.

En Gröden, la institución de una escuela de arte en 1820 mejoró considerablemente las habilidades de los talladores. Se desarrolló una nueva rama industrial con cientos de artistas y artesanos dedicados a la escultura y fabricación de estatuas y altares en madera exportados a todo el mundo. Desafortunadamente, la industria del tallado a máquina, iniciada en la década de 1950 y el Concilio Vaticano II , hizo que cientos de talladores en Val Gardena abandonaran su oficio. Se produjo un comercio mundial de estatuillas y estatuillas talladas a máquina.

copto

En el período medieval temprano, los obreros cristianos nativos produjeron pantallas y otros accesorios para las iglesias coptas de Egipto. En el Museo Británico hay un conjunto de diez pequeños paneles de cedro de la puerta de la iglesia de Sitt Miriam , El Cairo (siglo XIII). Los seis paneles de figuras esculpidas están tallados en muy bajo relieve y los cuatro paneles de follaje son de carácter bastante oriental, intrincados y finos tanto en detalle como en mobiliario. En el Museo de El Cairo hay mucho trabajo tratado, siguiendo el conocido estilo árabe, mientras que otros diseños son de carácter bastante bizantino . El trabajo de la figura no es de muy alto nivel.

Trabajo islámico

Los talladores de madera musulmanes de Persia, Siria, Egipto y España son reconocidos por su habilidad, diseñaron y ejecutaron los paneles y otras decoraciones más ricas para revestimientos de paredes, techos, púlpitos y todo tipo de accesorios y muebles. Las mezquitas y casas particulares de El Cairo, Damasco y otras ciudades orientales están llenas de la artesanía en madera más elaborada y minuciosamente delicada. Un estilo favorito de adorno era cubrir la superficie con patrones entrelazados muy intrincados, formados por nervaduras finamente moldeadas; Los diversos espacios geométricos entre las nervaduras se rellenaron luego con pequeños trozos de madera tallados con follaje en ligero relieve. El uso de diferentes maderas como el ébano o la caja, con incrustaciones para enfatizar el diseño, combinado con la ingeniosa riqueza de los patrones, dan a esta clase de carpintería un esplendor de efecto casi inigualable. El marfil tallado también se usa a menudo para rellenar los espacios. Los árabes son maestros en el arte de tallar superficies planas de esta manera. Una puerta en la mezquita del sultán Bargoug (El Cairo, siglo XIV) ilustra bien esta apreciación de líneas y superficies. El púlpito o mimbar (siglo XV) de una mezquita de El Cairo, ahora en el Victoria and Albert Museum, también es un buen ejemplo en el mismo estilo, los pequeños espacios en este caso se rellenan con marfil tallado en relieve plano.

Las mamparas formadas por laberintos de complicada carpintería, formadas por multitud de diminutos balaustres que conectan hexágonos, cuadrados u otras formas, con las superficies planas constantemente enriquecidas con pequeñas tallas, son conocidas por todos. En El Cairo también tenemos ejemplos en la mezquita de Qous (siglo XII) de ese entrelazado geométrico finamente dispuesto de curvas con terminaciones de follaje que distingue al diseñador sarraceno. Seis paneles en el Victoria and Albert Museum (siglo XIII) y el trabajo en la tumba del sultán Li Ghoury (siglo XVI) muestran cuán profundamente esta forma de decoración estaba arraigada en la naturaleza árabe. En ocasiones se introdujeron figuras y animales, de manera medieval, como en los seis paneles que acabamos de mencionar, y en el hôpital du Moristan (siglo XIII) y la mezquita de El Nesfy Qeycoun (siglo XIV). Hay un magnífico panel en la puerta de Beyt-el-Emyr. Este exquisito diseño está compuesto por hojas de parra y uvas de tratamiento convencional en bajo relieve. Al diseñador árabe le gustaba romper sus paneles de una manera que recordaba una costumbre jacobea similar. El panel principal se dividiría en varias formas hexagonales, triangulares o de otro tipo, y cada pequeño espacio se rellenaría con un trabajo de desplazamiento convencional. Gran parte de este sencillo diseño plano recuerda el método bizantino del que se inspiraron los talladores isabelinos.

Persia

Los talladores persas siguieron de cerca el diseño árabe. Un par de puertas del siglo XIV de Samarcanda (Victoria and Albert Museum) son típicas. Las cajas, cucharas y otros artículos pequeños a menudo estaban decorados con líneas entrelazadas de carácter sarraceno, y la delicadeza y minuciosidad del trabajo exigían la máxima paciencia y habilidad. Muchos de los patrones recuerdan el trabajo de madera de sándalo de Madrás, con la diferencia de que los persas estaban satisfechos con un relieve mucho más bajo. A veces, se obtenía un resultado muy hermoso mediante la moderación del patrón de celosía con trastes entre el follaje. Un hermoso panel del siglo XIV en el Victoria and Albert Museum muestra cuán activa fue la influencia árabe incluso hasta Bokhara.

India y Birmania

A lo largo de la gran península de la India se han producido continuamente tallas de madera del tipo más lujoso durante muchos siglos. Los antiguos templos hindúes estaban decorados con puertas, techos y diversos accesorios tallados en teca y otras maderas con patrones de extrema riqueza y minuciosa elaboración. Las puertas del templo de Somnath, en la costa noroeste, eran famosas por su magnificencia y eran muy valoradas como reliquias sagradas. En 1024 fueron llevados a Ghazni por el conquistador musulmán, el sultán Mahmud, y ahora yacen en el fuerte de Agra. Las puertas que existen ahora son ejemplares muy finos de antiguos tallados en madera, pero probablemente sean copias de las puertas originales, probablemente antiguas. Muchas puertas, columnas, galerías o incluso fachadas de casas enteras están cubiertas con el diseño más intrincado y desconcertante de contemplar (Bhera, Shahpur). Pero este no es siempre el caso, y el oriental a veces es más comedido en sus métodos. Los detalles arquitectónicos se pueden ver con el enriquecimiento tallado alrededor del marco. El tratamiento hindú del círculo es a menudo sumamente bueno, y quizás con menos raras ocasiones inspire el diseño occidental. El follaje, la fruta y las flores se adaptan constantemente a un esquema de decoración de trastes para puertas o ventanas, así como los marcos de las sillas y los bordes de las mesas. Se sabe que los talladores de madera del sur de la India trabajan a menudo con madera de sándalo, siempre cubierta con diseños, donde las escenas o personajes de la mitología hindú ocupan espacio. Muchos de los puestos de gong de Birmania muestran la más alta habilidad; la disposición de dos figuras que sostienen un poste del que cuelga un gong es familiar.

Indochina y el Lejano Oriente

Detalles de un techo de madera vietnamita

En estos países, el tallador no tiene rival por su destreza manual. Se produce un trabajo grotesco e imitativo de la máxima perfección, y muchas de las tallas de estos países, Japón en particular, son hermosas obras de arte, especialmente cuando el tallador copia el loto, el lirio u otra planta acuática. Una forma favorita de decoración consiste en romper las superficies arquitectónicas, como techos, frisos y columnas, en cuadrados enmarcados y rellenar cada panel con un círculo o diamante de tratamiento convencional con enjutas en cada esquina. Una característica muy china es el remate de la publicación newel, por lo que se deja constantemente de perfil más o menos recto y profundamente tallado con monstruos y pergaminos. Una moldura muy enriquecida que tiene un gran parecido con el patrón de gadroon se usa comúnmente para dar énfasis a los bordes, y el dragón dispuesto en curvas imitativas de la naturaleza se emplea con frecuencia sobre un fondo de diseño estrecho y subordinado.

Detalle de una columna de madera vietnamita

La regla general de que en todos los países los diseñadores utilizan prácticamente los mismos medios por los que se obtiene un patrón es válida en China. Aquí hay formas de decoración de bandas que se parecen mucho a las de la Europa gótica, y una silla de Turkestán (siglo III) podría ser casi isabelina, así que los detalles son similares. Las pantallas en forma de parrilla, que se encuentran a menudo en los países históricamente islámicos, son comunes, y los patrones de Bombay profundamente arraigados y estrechamente dispuestos también tienen sus contrapartes. El estrado imperial en el Salón Chien-Ching, Beijing, es una obra maestra de intrincado diseño. El respaldo consta de un panel central de considerable altura, con dos de menor grado a cada lado lujosamente tallados. El conjunto está coronado por una cresta muy pesada de dragones y trabajos de pergamino; el trono también es un maravilloso ejemplo de tratamiento tallado, y las puertas de un gabinete en el mismo edificio muestran cuán rico se puede producir un efecto de follaje sin el empleo de tallos o volutas. Casi se podría decir que desperdicia su talento en un material tan ingrato como la madera. En este material están tallados abanicos y otras bagatelas con una delicadeza que corteja al desastre.

En Japón, gran parte del tipo chino es evidente. Al tallador nativo le gusta acumular follaje sin el tallo que lo guíe. Parece que pone su follaje, frutas y flores primero y luego indica un tallo aquí y allá, invirtiendo así el orden del método occidental. Tal tratamiento, especialmente cuando se introducen pájaros y bestias, tiene el mayor efecto decorativo. Pero, como está obligado a suceder con un trato tan cercano, el éxito depende en cierta medida de su esquema de color. Un largo panel en el Victoria and Albert Museum, que representa a los comerciantes con su caballo de carga, se asemeja mucho en su agrupación y tratamiento al trabajo gótico del siglo XV, como por ejemplo el panel de San Hubert en el museo de Châlons. La fuerza y ​​el carácter de la obra de figuras japonesas es bastante similar a la mejor escultura gótica del siglo XV.

Aborigen

Existe una similitud general que atraviesa el diseño tallado de la mayoría de las razas de la cultura primitiva , y la forma de chip de adorno se emplea casi universalmente. Las superficies decoradas que dependen casi por completo de la línea incisa también se encuentran en todo el mundo y, sin duda, pueden explicarse por el uso extensivo de herramientas de corte de piedra. El tallador muestra la misma tendencia a exaltar demasiado su arte al amontonar demasiado diseño como el artesano más civilizado de otras tierras, mientras que en ocasiones también ejerce una gran moderación mediante un equilibrio armonioso de decoración y espacio sencillo. En lo que respecta a sus diseños de chips y esos patrones más o menos dependiendo de la línea, su trabajo por regla general es bueno y adecuado, pero cuando se toma el trabajo de figurar, sus intentos no suelen tener éxito. La talla primitiva, en general, muestra que los hombres de todas las edades y razas atraviesan etapas muy similares de desarrollo artístico.

Un estilo muy favorito de patrón de chips es el formado por pequeños triángulos y cuadrados que cubren completamente una superficie en las Islas Cook , la monotonía a veces varía mediante una banda de diferente disposición en el medio del artículo o en la parte superior o inferior. En lo que respecta al cultivo de la paciencia y la precisión, no tiene igual. Los isleños de Fiji emplean diseños de chips que rivalizan en variedad con los de Europa . En ocasiones, el tallador aborigen de las Marquesas aprecia la forma en que las superficies lisas contrastan y enfatizan las partes decoradas, y restringe juiciosamente su habilidad a bandas de decoración o puntos especiales. Los Ijos del bajo Níger diseñan sus remos de manera magistral y muestran un fino sentido de proporción entre la superficie lisa y decorada. Sus diseños, aunque ligeramente en relieve, son de tipo chip. El método de decorar un tema con grupos de líneas incisas, rectas o curvas, aunque a menudo es muy eficaz y en todos los sentidos adecuado, no es una forma de arte muy avanzada y tiene límites decididos. Los nativos del Congo, ahora dos naciones, cubiertos por la masa continental de la República del Congo y la República Democrática del Congo, hacen un buen trabajo de este tipo.

El tallado en relieve es bastante común, los ídolos se producen de muchas formas. El sudafricano talla el mango de su cuchara tal vez en forma de jirafa , y en forma redonda, con cada pata cortada por separado y las cuatro pezuñas reunidas en el cuenco, difícilmente es una forma cómoda de agarrar. El indio de América del Norte muestra una invención más amplia que algunas naciones, el giro en varias formas es un tratamiento favorito, por ejemplo, de los tallos de las pipas . El papú tiene un estilo propio; usa un rollo de la forma familiar en los mantones indios y, en algunos casos, el rollo se entrelaza de una manera que sugiere débilmente el guilloche . El nativo de Nueva Guinea también emplea el pergamino por un motivo, cuyo tratamiento plano recuerda un método similar en uso en los países escandinavos . El trabajo del neozelandés está muy por delante del tipo primitivo medio ; utiliza un muy buen esquema de trabajo con pergaminos con fines decorativos, las líneas de los pergaminos a menudo se enriquecen con un patrón pequeño de una manera que recuerda el tratamiento normando familiar, como por ejemplo las proas de sus canoas. El tallador de madera maorí talla a veces no sólo las tablas de la barcaza de su casa, sino también los frontones, introduciéndose como regla general figuras reptiles y grotescas; los postes principales y las vigas del interior también reciben atención. A diferencia del hindú , tiene una buena idea de la proporción decorativa y no planifica su esquema de diseño en una escala demasiado pequeña.

Referencias