David Hammons - David Hammons

David Hammons
Bandera de Hammons.jpg
Nació ( 24 de julio de 1943 )24 de julio de 1943 (78 años)
Educación CalArts , Otis College of Art and Design
Movimiento Posmodernismo , Arte conceptual

David Hammons (nacido el 24 de julio de 1943) es un artista estadounidense especialmente conocido por sus obras en y alrededor de la ciudad de Nueva York y Los Ángeles durante las décadas de 1970 y 1980.

Vida temprana

David Hammons nació en 1943 en Springfield, Illinois , el menor de diez hijos criado por una madre soltera. Esta dinámica provocó una gran tensión financiera en su familia durante su infancia; Más tarde declaró que no está seguro de cómo se las arreglaron para "arreglárselas" durante este tiempo. Aunque no tiene inclinaciones académicas, Hammons mostró un talento temprano para el dibujo y el arte; sin embargo, la facilidad con la que estas prácticas le llegaron le hizo desarrollar desdén por ellas. En 1962 se mudó a Los Ángeles, donde comenzó a asistir al Chouinard Art Institute (ahora CalArts ) de 1966 a 1968 y al Otis Art Institute de 1968 a 1972. Nunca se inscribió oficialmente allí, pero Charles White le permitió asistir a clases nocturnas. Allí fue influenciado por artistas como Charles White , Bruce Nauman , John Baldessari , Noah Purifoy y Chris Burden , todos los cuales pronto serían conocidos internacionalmente. Durante su estadía en Los Ángeles, conoció a Senga Nengudi , una artista conceptual y de performance con quien más tarde compartió un estudio. Con Nengudi y otros, Hammons formó Studio Z (también conocido como LA Rebellion), un colectivo de arte que colaboró ​​en trabajos artísticos. En 1974 Hammons se instaló en la ciudad de Nueva York, donde poco a poco se hizo más conocido a nivel nacional. Todavía vive y trabaja en Nueva York.

Vida personal

En 1966, Hammons se casó con Rebecca Williams, con quien tuvo dos hijos. La pareja se divorció en 1972.

En 2003, Hammons se casó con Chie Hasegawa, una artista nacida en Japón.

Hammons se ha mostrado reacio a hablar de su vida temprana y personal, ya que desea evitar que su trabajo se enmarque de cierta manera. Esto se muestra en cómo invierte la relación estereotipada entre creador y curador, afirmando "A mi modo de ver, la Bienal de Whitney y la Documenta me necesitan, pero yo no las necesito".

Hammons ha sido filantrópico con otros artistas negros, es decir, comprando su trabajo y ayudándolos a ganar reconocimiento.

Práctica de arte

A través de su trabajo y medios variados, y los frecuentes cambios de dirección, Hammons ha logrado evitar un estilo visual característico. Gran parte de su trabajo hace alusiones y comparte preocupaciones con el minimalismo y el arte post-mínimo, pero con referencias duchampianas añadidas al lugar de los negros en la sociedad estadounidense. El trabajo de Hammons está hecho no solo de alusiones, sino también de metáforas . Estas metáforas se convierten en símbolos que tienen un significado significativo en el mundo del arte, así como en el ojo público. David Hammons continúa ofreciendo una interpretación crucial de la historia del arte afroamericano en la vida de una persona de color a través de estos símbolos. Anthony Huberman ha dicho que "el trabajo de Hammons juega con el arte de la misma manera que un músico de jazz toca con el sonido: se mete dentro, lo dobla, lo tuerce y evita que se quede demasiado quieto o demasiado cómodo".

David Hammons fue considerado bastante distinguido de sus compañeros jóvenes artistas afroamericanos de su tiempo; fue visto como "postblack - avant la lettre, su trabajo aludía a atrusim al que el resto de nosotros recién estamos despertando".

Sobre las obras de James Turrell sobre la percepción de la luz, Hammons dijo: "Desearía poder hacer un arte así, pero estamos demasiado oprimidos para que me dedique a incursionar ... Me encantaría hacer eso porque eso también podría ser muy negro. Ya sabes, como artista negro, lidiando solo con la luz. Ellos dirían, "¿cómo diablos pudo lidiar con eso, viniendo de donde lo hizo?" Quiero llegar a eso, estoy tratando para llegar a eso, pero todavía no soy lo suficientemente libre. Siento que tengo que difundir mi mensaje ".

Impresiones corporales

Al comienzo de su carrera durante la década de 1960, el medio principal de Hammons eran las impresiones corporales. Este arte único se hizo engrasando el propio cuerpo de Hammons; luego, lo presionaría sobre el papel y agregaría grafito u otro medio para acentuar la impresión del cuerpo. Hammons reconoce que tomó prestada esta técnica del artista francés Yves Klein . Gran parte de las impresiones corporales de Hammons reflejan una de sus principales influencias para su obra de arte: la raza. Gran parte de su trabajo refleja su compromiso con los movimientos de derechos civiles y Black Power . Como hombre negro que experimenta estos movimientos de primera mano, su obra de arte está profundamente arraigada en sus experiencias personales. Estos temas se han demostrado en una variedad de impresiones corporales. Esto se ve específicamente en sus obras "Spade" que creó durante la década de 1970: la palabra se usa irónicamente para reflejar la falta de comprensión de Hammons sobre por qué se usa como un término despectivo para los afroamericanos. Aunque no se limita exclusivamente a Body Prints, muchas de las obras de arte de esta serie se realizan en este medio. Está Spade , una impresión de 1974 en la que el artista presionó su rostro contra la forma dejando una huella parecida a una caricatura de rasgos Negroid. También en la serie Spade está Spade (Power for the Spade), esta pieza muestra una impresión corporal en relieve en un lienzo que representa una carta de Spade que encontrarías en un paquete de cartas. Esta obra de arte intenta recuperar el término transformando su significado de un término racista en una "insignia de honor". De manera similar, su pintura de 1970, Black First, America Second, son dos imágenes de él mismo envuelto en la bandera estadounidense. Es su yo negro y su yo americano. Siente como si estas dos identidades que tiene están divididas y fundamentalmente en desacuerdo. Están peleando constantemente entre sí y no pueden unirse. De manera similar, está su ' Caso de injusticia ' donde se representa a sí mismo atado a una silla y amordazado. Esta imagen hace referencia al trato de Bobby Seale durante el Juicio de los 7 de Chicago y los intentos de Hammons de comentar sobre la inequidad que sufrían los afroamericanos en ese momento. Esta pieza en particular refleja la capacidad de Hammons para capturar la experiencia personal de ser un hombre negro en Estados Unidos, especialmente en la época del Movimiento por los Derechos Civiles, y Michael Govan la ha descrito como "un icono del arte estadounidense". Esta pieza también refleja el talento artístico natural de Hammons, ya que fue adquirida por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles apenas un año después de su creación.

Escultura

Más adelante en su carrera, Hammons ha explorado el medio escultórico en la creación de piezas. En su serie Spade de 1970 incluyó obras como Bird (1973) donde el músico de jazz Charlie Parker es evocado por una pala que emerge de la boquilla de un saxofón. El nombre de la pieza que refleja el apodo de Parker de "Yardbird" o "Bird". De manera similar, está Spade with Chains (1973), donde el artista emplea el término provocativo y despectivo, junto con el instrumento de jardinería literal , para hacer un juego de palabras visual entre la hoja de una pala y una máscara africana, y una declaración contemporánea. sobre los problemas de la esclavitud y la resistencia. En su obra fundamental, African-American Flag Hammons aborda el tema de frente. La pieza representa la bandera estadounidense en los colores Garvey de negro, rojo y verde ( colores panafricanos ), estos colores también se utilizan en la bandera de UNIA . La importancia de esta pieza se demuestra en su condición de parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Se iza una copia de la bandera en la entrada del Studio Museum en Harlem.

Estos temas raciales se han explorado en otras piezas escultóricas. El uso de Hammons de materiales descartados o abyectos , que incluyen, entre otros, estiércol de elefante, partes de pollo, mechones de cabello afroamericano y botellas de vino barato, brindan una interpretación crucial de la vida estadounidense y la historia del arte, desde la perspectiva de una persona negra. . Muchos críticos ven estos objetos como evocadores de la desesperación de la clase urbana negra pobre, pero Hammons supuestamente vio una especie de poder sacrosanto o ritualista en estos materiales, razón por la cual los utilizó tan ampliamente. Por ejemplo, usar cabello recogido de peluquerías y pegarlo encima de piedras grandes. Estos objetos desechados se han convertido en algunas de las esculturas más conocidas de Hammons de David que representan la vida de un afroamericano que vive en los Estados Unidos. Su pieza Untitled , hecha sobre barras de refuerzo recubiertas con cabello con rastas, se vendió al Museo Whitney por cien mil dólares en 1992. La pieza de Hammons In the Hood ha evolucionado hasta convertirse en un símbolo de lo que es ser joven, negro y Un macho. La escultura se realizó en 1993 y se mostró en la Galería Mnuchin de Nueva York. Esta sencilla escultura es un trozo de tela cortada clavada en la pared con un alambre enhebrado a través del forro para abrir el capó evocando la idea de un linchamiento y se convierte en un microcosmos de lo que es ser negro en Estados Unidos. Puede ser simple, pero es muy efectivo y se alinea con la cantidad de trabajo de Hammons que se realiza. ' In the Hood ' se reformuló en el centro de atención cultural cuando las imágenes de la pieza se usaron como imágenes de perfil en las redes sociales para los partidarios de Black Lives Matter después del asesinato de Trayvon Martin .

Sin embargo, la obra de arte de Hammons no se limita a tratar el tema de la raza. También aborda la estructura jerárquica de clases reflejándola en la dinámica entre los jóvenes negros y el baloncesto. Hammons creó una serie de aros de baloncesto de gran tamaño, meticulosamente decorados con tapas de botellas, que evocan el diseño y el mosaico islámico. Un ejemplo de estos 'altares' es High Falutin ' o Basketball Chandelier , este último colocando un aro de baloncesto a su altura estándar, pero inutilizado por el uso de materiales: cuentas de vidrio talladas y apliques ornamentales. . Sin embargo, donde este tema se demuestra de manera más prominente es en su artículo de 1986 Higher Goals . Hammons coloca un aro, una red y un tablero de baloncesto ordinarios en un poste alto de tres pisos, comentando las casi imposibles aspiraciones del estrellato deportivo como una salida del gueto. Se observa que Hammons dice: "Se necesitan cinco para jugar en un equipo, pero hay miles que quieren jugar; no todos lo lograrán, pero incluso si no lo hacen, al menos lo intentaron". Higher Goals estuvo expuesta en el Cadman Plaza Park de Nueva York de 1986 a 1987. Continúa sus piezas de 'Bird' con su obra de 1990 del mismo nombre. Esta vez se refiere a cómo los afroamericanos han tenido amplias oportunidades en ciertas industrias, como la música y el deporte, sin embargo, las oportunidades limitadas en otras, por ejemplo, las artes. Esta pieza coloca una pelota de baloncesto, que está adornada con plumas y alambre de gallinero, en el marco de una jaula victoriana pintada de blanco. La jaula que simboliza la jaula metafórica en la que todavía se encuentra la comunidad afroamericana.

En 2007, Hammons colaboró ​​con su esposa, Chie Hasegawa, en una pieza que fue aclamada por el público. En la elegante galería de la parte alta de la ciudad especialmente seleccionada por Hammons (que no acepta estar asociado con ninguna galería), instalaron abrigos de piel de cuerpo entero en formas de vestidos antiguos: dos visones, un zorro, un sable, un lobo y una chinchilla. Luego quemaron, tiñeron y pintaron las espaldas de los abrigos. Esto convirtió los abrigos en una 'trampa sartorial' que evoca pensamientos de política, consumismo, animismo, derechos de los animales y más. La ironía de esta exposición sin título no se limitó simplemente a los abrigos en sí, sino también a la ubicación de la exposición. Presentarlo en L & M Arts en la parte alta de Manhattan fue una decisión específica de Hammons, ya que desea invocar la ironía de los abrigos que encajan con la representación del estilo de vida del Upper East Manhattan, pero su incómodo ajuste en otros lugares de Nueva York. De manera similar, su obra Smoke Screen de 1990-95 está hecha de una franja de tela dorada, lo que le da a la pieza, a primera vista, un aspecto de clase alta o regia. Sin embargo, en una inspección más cercana, la tela está cubierta de agujeros de quemaduras y colillas de cigarrillos adornan la pieza y el piso que la rodea.

En 2021, Hammons colaboró ​​con Hudson River Park Trust y el Museo Whitney para crear Days End . Esta pieza es un "monumento fantasma" al difunto artista Gordon Matta-Clark. Específicamente, el arte sirve como un tributo al 'Pier 52' ​​de Matta-Clark al crear un marco estructural del almacén que compuso el trabajo del artista. Matta-Clark había abierto cinco aberturas en las paredes, los techos y el techo de un cobertizo de muelle abandonado. Esta será la única pieza pública permanente de Hammons hasta la fecha. La pieza en sí está hecha de varillas de acero, la mitad en tierra y las otras en pilotes de acero en el río Hudson.

En mayo de 2021, el Museo Whitney de Arte Estadounidense presentó la escultura Hammons completada Day's End en Hudson River Park, frente al propio Museo. El contorno exoesquelético arquitectónico fantasmal de un muelle se inspiró y creó en homenaje a Day's End, Cinical Inversion, una pieza anterior de Gordon Matta-Clark (1943-1978) donde el artista anterior hizo cinco incisiones en el edificio Pier 52 que se encontraba en el mismo sitio anteriormente.

Rendimiento

Hammons ha ampliado su repertorio al medio de la interpretación. Este medio permitió a Hammons discutir las nociones de espacios públicos y privados, así como lo que constituye un bien valioso. Esto se vio más notablemente en su pieza de 1983 Bliz-aard Ball Sale . Hammons se sitúa junto a los vendedores ambulantes en el centro de Manhattan para vender bolas de nieve cuyo precio se ajusta al tamaño. Este acto sirve tanto como una parodia del intercambio de mercancías como un comentario sobre la naturaleza capitalista del arte fomentado por las galerías de arte. Además, otorga un premio satírico a la " blancura ", ridiculizando el lujo superficial de la clasificación racial y criticando las duras realidades sociales de la venta ambulante experimentada por aquellos que han sido discriminados en términos de raza o clase. Esta actuación fue capturada por el fotógrafo y amigo Black, Dawoud Bey .

Hammons volvió a trabajar con Bey en Pissed Off , donde orinó en la gigantesca escultura de acero TWU de Richard Serra ; antes de lanzar varios pares de zapatillas por encima del trabajo en Shoe Tree . Esto dio vibraciones de zapatos colgados sobre líneas telefónicas en barrios del centro de la ciudad e impuso una influencia negra en una obra realizada por un artista blanco.

En una exposición en la Galería Shimada, en Yamaguchi, Japón, Hammons colocó una gran roca en la parte trasera de un camión y luego procedió a conducir por la ciudad.

Su obra de arte de abrigo de piel tiene un elemento de actuación. Hammons le pidió a Dominique Levy, el copropietario de la Galería L & M donde se exhibirían los abrigos, que caminara por Madison Avenue con uno de los abrigos mientras Hammons filmaba.

En 2020, Hammons compartió una imagen inédita de una actuación en un artículo de Daniel S. Palmer para el New York Times. Durante una tormenta de nieve en 2007, y en otras desde entonces, Hammons envolvió una bufanda de invierno alrededor de la cabeza de una escultura de bronce de una mujer negra en la base del Monumento a Henry Ward Beecher en Columbus Park, Brooklyn.

Otros medios y exposiciones

Su primera exposición en Nueva York tuvo lugar en 1975 en Just Above Midtown (JAM), donde sus obras de arte estuvieron presentes junto a otros artistas de color, incluido su amigo y mentor Charles White. Tituló este espectáculo Greasy Bags and Barbeque Bones.

En 1980, Hammons participó en el innovador The Times Square Show de Colab , que actuó como un foro de intercambio de ideas para un grupo más joven de artistas alternativos en Nueva York. Su instalación estaba hecha de brillantes fragmentos de vidrio dispersos (de botellas rotas de vino Night Train).

Hammons ha vuelto a visitar la asociación del baloncesto y los jóvenes negros en una serie de dibujos enloquecidos al hacer rebotar repetidamente una pelota de baloncesto sucia sobre enormes hojas de papel blanco limpio en el suelo. Viajar medía casi 10 pies de altura y el nombre hacía referencia tanto al término de baloncesto de ' Viajar ' como a ser transportado.

También ha expuesto el tema de la raza en otros medios. How Ya Like Me Now describió al candidato político Jesse Jackson como un hombre blanco, con cabello rubio y ojos azules como para reflejar el sesgo racial de la política estadounidense. Esta obra, que fue pintada en una pared, fue destrozada por dos hombres con mazos. Hammons continúa mostrando el trabajo dañado e incluso incluye mazos para agregar al carácter de la pieza.

En una exposición de 2011 en L & M Arts, presentó una serie de dibujos y pinturas oscurecidos o cubiertos por lonas o láminas de plástico, en un caso cubiertos por un armario de madera. Ha realizado dibujos de Kool-Aid en polvo antes de cubrirlos con una cortina; la cortina solo se levanta bajo ciertas condiciones. Estas piezas reflejan la idea de que en una era de vigilancia y desbordamiento de información, Hammons intenta detener este flujo y retener información. Esta idea también se vio más literalmente en su Concierto en negro y azul, donde la Ace Gallery de Nueva York se proyectó en la oscuridad total y los visitantes tuvieron que guiarse con pequeñas linternas.

Hammons exploró el medio de video , colaborando con el artista Alex Harsley en una serie de trabajos de video, incluido Phat Free (originalmente titulado Kick the Bucket ), que se incluyó en la Bienal de Whitney y otros lugares. Hammons y Harsley también han colaborado en instalaciones en la 4th Street Photo Gallery de Nueva York, una destacada exposición de artistas de East Village y un espacio para proyectos.

En "The Window: Rented Earth: David Hammons", una de las primeras exposiciones individuales en el New Museum , Hammons abordó la relación diametralmente opuesta entre espiritualidad y tecnología yuxtaponiendo una máscara tribal africana con un invento moderno: un televisor de juguete para niños. .

En 2016, Hammons realizó una exposición en una galería en colaboración con la Galería Mnuchin llamada "David Hammons: Five Decades". Como se ve en su L & M Arts Exhibition, Hammons busca esta elección de ubicación y la desconexión que sirve entre ella y su arte.

En 2014, Hammons compró un antiguo almacén en Yonkers, Nueva York, con la intención de crear allí su propia galería de arte.

En 2019, Hauser & Wirth montó una gran retrospectiva de su trabajo en Los Ángeles, que incluyó un campamento para personas sin hogar en el lugar.

Influencias

Una de las mayores influencias de Hammons ha sido el mundo de la música. En el ya mencionado Bird rinde homenaje al fallecido músico de jazz Charles White. Del mismo modo, cuando Hammons se enteró de que Miles Davis había muerto, llevó un boombox al Museo de Arte Moderno de Nueva York cuando estaba instalando sus obras para su exposición de 1991 'Dislocations'. Además, el título de una de sus obras How Ya Like Me Now proviene de una canción de Kool Moe Dee . En su Exposición de Mnuchin, colocó tres soportes de micrófono, con sus boquillas extendiéndose tan alto que la mayoría de la gente no podía alcanzarlos, con el título ¿Cómo quieres ser como Mike ...? (Haciendo referencia a Mike Tyson , Michael Jordan y Michael Jackson ). Dedicó una exposición en la Galería Hauser & Wirth de Los Ángeles a Ornette Coleman , describiéndolo como "el Duchamp de la música, el que lo cambió todo".

Otra de las influencias clave de Hammons es el artista francés Marcel Duchamp. Hammons se ha descrito a sí mismo como el director de la 'Clínica para pacientes ambulatorios de Duchamp' y la empresa propietaria de su galería Yonkers se llama 'Duchamp Realty'.

Premios y colecciones

Hammons recibió la beca MacArthur (conocida popularmente como la "Beca Genius") en julio de 1991.

Hammons tiene colecciones permanentes de Nueva York Museo de Arte Moderno , Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York; Museo de Arte Fogg , Cambridge; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington DC ; Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , Chicago; Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ; Fondation Cartier pour l'art contemporain , París ; The Tate , Londres ; y otros museos y colecciones.

Referencias

Otras lecturas

aliaseditorial.com/es/colecciones/por-esto-estamos-aqui/

  • Herbert, Martin, 'Street Level', Diles que dije que no , Berlín: Sternberg Press, 2016.

enlaces externos