Cine clásico de Hollywood - Classical Hollywood cinema

Cine clásico de Hollywood
Bogart Bergman Casablanca.jpg
Años activos 1910-1960
País Estados Unidos
Grandes figuras ver lista de figuras importantes del cine clásico de Hollywood
Influencias
Influenciado

El cine clásico de Hollywood es un término utilizado en la crítica cinematográfica para describir tanto un estilo narrativo como visual de la realización cinematográfica que se convirtió en una característica del cine estadounidense entre la década de 1910 (rápidamente después de la Primera Guerra Mundial ) y la de 1960. Eventualmente se convirtió en el estilo de realización cinematográfica más poderoso y omnipresente en todo el mundo. Términos similares o asociados incluyen la narrativa clásica de Hollywood , la Edad de Oro de Hollywood , el Viejo Hollywood y la continuidad clásica .

Desarrollo del estilo clásico

Película narrativa temprana (1894-1913)

Durante siglos, el único estándar visual del arte narrativo fue el teatro . Desde las primeras películas narrativas a mediados de la década de 1890, los realizadores buscaron capturar el poder del teatro en vivo en la pantalla del cine. La mayoría de estos cineastas comenzaron como directores en el escenario de finales del siglo XIX, y del mismo modo, la mayoría de los actores de cine tenían sus raíces en el vodevil (por ejemplo, Los hermanos Marx ) o melodramas teatrales. Visualmente, las primeras películas narrativas se habían adaptado poco del escenario, y sus narrativas se habían adaptado muy poco del vodevil y el melodrama. Antes del estilo visual que se conocería como "continuidad clásica", las escenas se filmaron en plano completo y se utilizaron una puesta en escena cuidadosamente coreografiada para representar la trama y las relaciones entre los personajes. El corte era extremadamente limitado y, en su mayoría, consistía en primeros planos de escritura sobre objetos para su legibilidad.

La maduración del cine mudo (1913 - finales de la década de 1920)

Captura de pantalla de The Mothering Heart
Póster de estreno en cines de Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925)

Aunque carece de la realidad inherente al escenario, el cine (a diferencia del escenario) ofrece la libertad de manipular el tiempo y el espacio aparentes, y así crear la ilusión de realismo, es decir, linealidad temporal y continuidad espacial. A principios de la década de 1910, el cine estaba comenzando a desarrollar su potencial artístico. En Suecia y Dinamarca, este período se conocería más tarde como una "Edad de Oro" del cine; En Estados Unidos, este cambio artístico se atribuye a que cineastas como DW Griffith finalmente rompieron el control de Edison Trust para hacer películas independientes del monopolio de fabricación. Las películas de todo el mundo comenzaron a adoptar de forma notable elementos visuales y narrativos que se encontrarían en el cine clásico de Hollywood. 1913 fue un año particularmente fructífero para el medio, ya que directores pioneros de varios países produjeron obras maestras como The Mothering Heart (DW Griffith), Ingeborg Holm ( Victor Sjöström ) y L'enfant de Paris ( Léonce Perret ) que establecieron nuevos estándares para el cine como forma de contar historias. También fue el año en que Yevgeni Bauer (el primer verdadero artista de cine, según Georges Sadoul ) comenzó su corta pero prolífica carrera.

En el mundo en general y en Estados Unidos específicamente, la influencia de Griffith en la realización cinematográfica fue incomparable. Igualmente influyentes fueron sus actores en la adaptación de sus actuaciones al nuevo medio. Lillian Gish , la estrella de The Mothering Heart , es particularmente conocida por su influencia en las técnicas de interpretación en pantalla. La epopeya de Griffith de 1915 El nacimiento de una nación fue pionera para el cine como medio de narración: una obra maestra de la narrativa literaria con numerosas técnicas visuales innovadoras. La película inició tantos avances en el cine estadounidense que quedó obsoleta en unos pocos años. Aunque 1913 fue un hito mundial para el cine, 1917 fue principalmente estadounidense; la era del "cine clásico de Hollywood" se distingue por un estilo narrativo y visual que comenzó a dominar el medio cinematográfico en Estados Unidos en 1917.

El cine clásico de Hollywood en la era del sonido (finales de los años veinte y sesenta)

El estilo narrativo y visual del estilo clásico de Hollywood se desarrolló aún más después de la transición a la producción de películas sonoras. Los principales cambios en el cine estadounidense vinieron de la propia industria cinematográfica, con el auge del sistema de estudio . Este modo de producción, con su sistema de estrellas reinante promovido por varios estudios clave, había precedido al sonido por varios años. A mediados de 1920, la mayoría de los directores y actores estadounidenses prominentes, que habían trabajado de forma independiente desde principios de la década de 1910, tuvieron que convertirse en parte del nuevo sistema de estudios para seguir trabajando.

El comienzo de la era del sonido en sí está definido de manera ambigua. Para algunos, comenzó con The Jazz Singer , que se estrenó en 1927, y aumentó las ganancias de taquilla de las películas a medida que se introdujo el sonido en los largometrajes. Para otros, la era comenzó en 1929, cuando la era del silencio había terminado definitivamente. La mayoría de las películas de Hollywood desde finales de la década de 1920 hasta la de 1960 se adhirieron estrechamente a un género: occidental, comedia de payasadas , musical, dibujos animados y biopic (imagen biográfica), y los mismos equipos creativos a menudo trabajaban en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM ; Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años; Casi todas las películas de Cecil B. DeMille se hicieron en Paramount Pictures ; y las películas del director Henry King se hicieron principalmente para Twentieth Century Fox. Del mismo modo, los actores eran en su mayoría jugadores por contrato. Los historiadores del cine y los críticos señalan que las películas tardaron alrededor de una década en adaptarse al sonido y volver al nivel de calidad artística de los silencios, lo que sucedió a fines de la década de 1930.

Muchas de las grandes obras del cine que surgieron de este período fueron de una realización cinematográfica muy reglamentada. Una razón por la que esto fue posible es que, con tantas películas en marcha, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podría apostar por un largometraje de presupuesto medio con un buen guión y actores relativamente desconocidos. Este fue el caso de Citizen Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada por algunos como la mejor película de todos los tiempos. Otros directores de voluntad fuerte, como Howard Hawks , Alfred Hitchcock y Frank Capra , lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas. El apogeo del sistema de estudio puede haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como El mago de Oz , Lo que el viento se llevó , El jorobado de Notre Dame , Stagecoach , Mr. Smith va a Washington , Destry Rides Again , El joven Sr. Lincoln , Cumbres Borrascosas , Solo los ángeles tienen alas , Ninotchka , Beau Geste , Bebés en brazos , Gunga Din , Las mujeres , Adiós, Sr. Chips y Los locos años veinte .

Estilo

El estilo narrativo-visual del cine clásico de Hollywood, elaborado por David Bordwell , estuvo fuertemente influenciado por las ideas del Renacimiento y su resurgimiento de la humanidad como punto focal. Se distingue en tres niveles generales: dispositivos, sistemas y relaciones de sistemas.

Dispositivos

Los dispositivos más inherentes al cine clásico de Hollywood son los de la edición continua . Esto incluye la regla de los 180 grados , uno de los principales elementos espaciales visuales de la edición de continuidad. La regla de los 180 grados sigue el estilo de "juego fotografiado" al crear un eje imaginario de 180 grados entre el espectador y la toma, lo que permite a los espectadores orientarse claramente dentro de la posición y la dirección de la acción en una escena. De acuerdo con la regla de los 30 grados , los cortes en el ángulo desde el que se ve la escena deben ser lo suficientemente significativos para que el espectador comprenda el propósito de un cambio de perspectiva. Los cortes que no se adhieren a la regla de los 30 grados, conocidos como cortes de salto , interrumpen la ilusión de continuidad temporal entre tomas. Las reglas de 180 y 30 grados son pautas elementales en la realización de películas que precedieron al inicio oficial de la era clásica en más de una década, como se ve en la película francesa pionera de 1902 Un viaje a la luna . Las técnicas de corte en la edición clásica de continuidad sirven para ayudar a establecer o mantener la continuidad, como en el corte transversal , que establece la concurrencia de acciones en diferentes localizaciones. Se permiten cortes de salto en forma de corte axial , que no cambia en absoluto el ángulo de disparo, pero tiene el claro propósito de mostrar una perspectiva más cercana o más alejada del sujeto, y por lo tanto no interfiere con la continuidad temporal.

Sistemas

Lógica narrativa

La narración clásica progresa siempre a través de la motivación psicológica, es decir, por la voluntad de un personaje humano y su lucha con los obstáculos hacia una meta definida. Este elemento narrativo se compone comúnmente de una narrativa primaria (por ejemplo, un romance) entrelazada con una narrativa secundaria o narrativas. Esta narrativa está estructurada con un principio, un medio y un final inconfundibles y, en general, tiene una resolución distinta. Utilizar actores, eventos, efectos causales, puntos principales y puntos secundarios son características básicas de este tipo de narrativa. Los personajes del cine clásico de Hollywood tienen rasgos claramente definibles, son activos y muy orientados a objetivos. Son agentes causales motivados por preocupaciones psicológicas más que sociales. La narración es una cadena de causa y efecto en la que los personajes son los agentes causales; en el estilo clásico, los eventos no ocurren al azar.

Tiempo cinematográfico

El tiempo en el Hollywood clásico es continuo, lineal y uniforme, ya que la no linealidad llama la atención sobre el funcionamiento ilusorio del medio. La única manipulación de tiempo permitida en este formato es el flashback . Se utiliza principalmente para introducir una secuencia de memoria de un personaje, por ejemplo, Casablanca .

Espacio cinematográfico

La mayor regla de la continuidad clásica con respecto al espacio es la permanencia del objeto: el espectador debe creer que la escena existe fuera de la toma del marco cinematográfico para mantener el realismo de la imagen. El tratamiento del espacio en el Hollywood clásico se esfuerza por superar u ocultar la bidimensionalidad del cine ("estilo invisible") y está fuertemente centrado en el cuerpo humano. La mayoría de planos de una película clásica se centran en gestos o expresiones faciales ( planos medio-largos y medios ). André Bazin comparó una vez el cine clásico con una obra de teatro fotografiada en el sentido de que los eventos parecen existir objetivamente y que las cámaras solo nos brindan la mejor vista de toda la obra.

Este tratamiento del espacio consta de cuatro aspectos principales: centrado, equilibrio, frontalidad y profundidad. Las personas o objetos de importancia son en su mayoría en la parte central de la imagen del marco y nunca fuera de foco. El equilibrio se refiere a la composición visual, es decir, los personajes se distribuyen uniformemente a lo largo del encuadre. La acción se dirige sutilmente hacia el espectador (frontalidad) y el escenario , la iluminación (principalmente iluminación de tres puntos , especialmente la iluminación de alta clave ) y el vestuario está diseñado para separar el primer plano del fondo (profundidad).

Relaciones de sistemas

Los aspectos de espacio y tiempo están subordinados al elemento narrativo.

Crítica

Este estilo de cine no está exento de críticas, que van desde los estereotipos raciales (especialmente de los afroamericanos ) hasta la falta de realismo que resultó en un cine posterior a la Segunda Guerra Mundial más realista .

Legado

El nuevo Hollywood de los años sesenta y setenta estuvo influenciado por el romanticismo de la era clásica, al igual que la nueva ola francesa .

Lista de las principales figuras del cine clásico de Hollywood

Los que figuran en negrita fueron reconocidos en la lista del American Film Institute que clasifica a las 25 mejores leyendas masculinas y 25 femeninas de la pantalla de la historia del cine estadounidense. Las principales estrellas de sus respectivos géneros son Humphrey Bogart y Katharine Hepburn , quienes protagonizaron juntos la clásica película de aventuras de 1951 The African Queen .


Actores vivos notables del Hollywood clásico

Aquellos que aparecen en negrita recibieron un puesto o fueron nominados en la lista del American Film Institute que clasifica a las 25 mejores leyendas masculinas y 25 femeninas de la pantalla de la historia del cine estadounidense. Ver. 100 años de AFI ... 100 estrellas .

Ver también

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos