Arte Informale - Arte Informale
Arte Informale es un término acuñado en 1950 por el crítico francés Michel Tapié para referirse al movimiento artístico que se inició a mediados de la década de 1940 en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento también fue paralelo al movimiento del Expresionismo Abstracto que estaba teniendo lugar al mismo tiempo en los Estados Unidos, y tenía vínculos con el movimiento Arte Povera . A veces denominado taquismo , arte autre o abstracción lírica , era un tipo de abstracción en la que la forma se volvía menos importante que la de los impulsos expresivos del artista, y se oponía al racionalismo de la abstracción tradicional. Las cualidades del arte informal exploran las posibilidades del gesto, los materiales (a menudo no tradicionales) y la señalización como base de la comunicación. A menudo, el arte caracterizado como informal se ejecuta de forma espontánea y el enfoque de la pintura y la escultura es generalmente gestual, performativo, expresionista y experimental. Ciertos artistas como Lucio Fontana , Alberto Burri y Emilio Vedova fueron figuras cruciales de este movimiento.
Arte Informale se basa en la convención de la pintura al tiempo que amplía el concepto para incluir temas basados en el tiempo y ensayos dependientes del espectador. Alberto Burri , Emilio Vedova y Lucio Fontana son los tres principales artistas italianos que cuestionan los límites de la pintura y la escultura reasignando las cualidades expresivas. Intentaron crear nuevos canales de comunicación para forjar nuevos estilos que irían más allá de sus predecesores. Sin embargo, fueron incapaces de romper con la historia del arte italiano.
Arte Informale se convirtió en un movimiento aceptado internacionalmente que llegó a la Escuela de Nueva York , al Grupo Gutai japonés y a los abstraccionistas sudamericanos. Sin embargo, los principales adherentes fueron artistas de vanguardia franceses e italianos . Fue un movimiento en el que los artistas crearon un diálogo entre el material, el sujeto y el mundo. Fue un rechazo de los pensamientos restringidos de los pintores modernos anteriores.
Alberto Burri
Alberto Burri trabajó en Roma y fue un modelo a seguir para los artistas más jóvenes. Al observar la conexión entre cultura y naturaleza, vio que el material tenía una existencia propia y que él, como artista, debía utilizar la energía de los materiales orgánicos. Burri introdujo energía, vida, muerte y destrucción en su trabajo mediante el uso de materiales naturales e industriales. Burri era un artista solitario, tranquilo y distante. Su estilo enfatizó el peso ético y la carga de vivir en una era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Como modernista, Burri intentó dar forma y racionalidad al desorden de la cultura contemporánea posatómica extendiendo y explorando los límites de la pintura.
En la década de 1950 en Roma se fundó el Gruppo Origine que reunió a artistas como Ettore Colla y Burri. Compartían en común su rechazo a los pintores abstractos por estar demasiado alejados de la realidad y a los pintores realistas por demasiado alejados de la relación entre la vida y el arte. Sin embargo, Burri demostró esto a través de su trabajo Sacchi utilizando sacos de arpillera desechados y el método de sutura que haría referencia a aspectos humanos y la práctica de la vida contemporánea. Usó los términos 'forma' y 'espacio' para lograr sincronización y estabilidad en su trabajo. Burri abordó los temas de energía, vida, muerte y destrucción en su trabajo mediante el uso de materiales naturales e industriales.
Sacchi
El Sacchi se creó por primera vez en 1950, pero se fabricaron cientos. Burri creó estos Sacchi rasgando y marcando pedazos de arpillera, agregando costuras y luego colocándolos en un lienzo. En ocasiones estaban chamuscadas o acompañadas de pintura, plástico rojo o resina. Por un lado, el Sacchi actuó como un concepto de incorporación de aspectos de la vida cotidiana en el arte. Por otro lado, se pensaba que estaba asociado con el cuerpo. Burri se había formado como médico y había trabajado como cirujano en la guerra hasta que fue capturado y enviado a un campo de prisioneros de guerra estadounidense en Texas, que es donde comenzó a usar sacos de arpillera. Su pasado fue la base de un consenso general entre los críticos que fue una sugerencia al estado atribulado de Burri después de la guerra. Lorenza Trucchi sugirió que la arpillera actuaba como una piel sobre la que Burri podía proyectar sus recuerdos traumatizados. Francesco Arcangeli dio a entender que Burri usó la violencia para reconocer y recordar a los espectadores la guerra. Sin embargo, Maurizio Calvesi sacó a relucir el significado del material en sí. En el momento en que Arte Informale se iniciaba en Italia, la guerra había terminado, la economía fluctuaba y se había puesto en marcha el Plan Marshall de Estados Unidos. Becerros pensó que el uso de Burri del saco de arpillera se debía a la similitud de las bolsas de comida sobrantes y que estaba conmemorando la pobreza.
Lucio Fontana
Lucio Fontana (1899-1968) fue una de las figuras clave del panorama artístico contemporáneo de la posguerra en Europa. Fue el fundador del movimiento espacialismo en Milán, y es mejor conocido por su Concetti spaziali (Conceptos espaciales) donde perforaba y cortaba lienzos que trabajaron para abrir la superficie plana de la pintura en un espacio real. Sus ideas influyeron en el desarrollo de grupos de artistas como Azimuth y Zero Group, así como en el desarrollo de Arte Povera .
En 1946 escribió el Manifiesto Blanco que fue firmado por varios de sus alumnos en Buenos Aires. A finales de la década de 1950 Fontana mostró su trabajo en la Bienal de Venecia y en otras partes de Europa como Alemania y Francia.
El trabajo de Fontana durante la posguerra en Milán creó un cambio en el objeto artístico autónomo hacia una exploración del arte como un entorno total. A través del Entorno espacial de Fontana de 1949, trabajó para unir arquitectura, pintura y escultura, y propuso una forma de arte que integraba tanto la realidad como el espacio ambiental. En estos entornos, el espacio de la galería se transformó con la manipulación de la luz, la sombra y el espacio para crear una experiencia completa. Estas cualidades gestuales y experienciales de la forma y la creación son características del movimiento artístico informal.
El Concepto espacial de Fontana de 1951 buscaba proponer formas de arte que complementaran los desarrollos modernos en la tecnología de la construcción. La luz dentro del espacio se convirtió en motivo de este desarrollo en neón, que finalmente se instaló en la Trienal de Milán de 1951 . El concepto espacial "atrajo al espectador con una visión opulenta de resplandor que se extendió al espacio arquitectónico real más allá del plano pictórico limitado y privado". Esta inclusión de la audiencia, a su vez, también proporcionó intérpretes a los entornos de Fontana.
Tanto Spatial Environment como Spatial Concept fueron la respuesta de Fontana al difícil desafío de producir obras de arte utópicas después de la angustia de la Segunda Guerra Mundial.
La “investigación de Fontana sobre el ' espacialismo ', junto con su carismática presencia en Milán, fueron determinantes para alentar el surgimiento del Arte Povera en Italia”. La contribución de Fontana radica en la transición de un arte de representación a un arte de pura percepción, en el que la obra forma parte de la realidad. Aunque Fontana no se identifica a sí mismo como un artista informal, el lenguaje utilizado en su obra encaja dentro de las cualidades de este movimiento.
Ennio Morlotti
Ennio Morlotti fue un pintor italiano que formó parte del movimiento Arte Informale. [1] Se reunió con el grupo Arte Informale cuando visitó París en 1947. [2] Este encuentro fue lo que lo llevó en la dirección de Matter Painting . [3] Mostró sus obras en la Bienal de Venecia en 1948, 1952 y 1956. [4] El tema principal de sus obras han sido los paisajes y su propio estilo se centra en el color y el material de la obra de arte. [5] Trabaja con el patrón natural de la naturaleza en formas orgánicas e inorgánicas. [6] Morlotti junto con Emilio Vedova y otros artistas firmaron el Manifestio del Realismo en 1946 en Milán declarando que el estilo del Realismo depende de la comunicación con otros en oposición al Naturalismo o la Abstracción .
Emilio Vedova
Emilio Vedova (1919-2006) fue un pintor autodidacta de Venecia. Al final de la Segunda Guerra Mundial participó activamente en la liberación de Venecia y en 1946 se unió a la Fronte Nuovo delle Arti, un movimiento que tenía como objetivo reconciliar la revolución social en la expresión artística. Vedova fue influenciado por movimientos artísticos como el cubismo y el expresionismo y admiró las obras de Tintoretto , Rembrandt , Goya y Picasso . En la década de 1940 su estilo se volvió cada vez más gestual y comenzó a encajar con las cualidades de la abstracción lírica o el expresionismo abstracto . Las obras de Vedova intentaban explorar el espacio tridimensional a través de la pintura y lograr profundidad dentro del espacio.
Giuseppe Capogrossi
Giuseppe Capogrossi (1900-1972) fue un pintor italiano de Roma. Alrededor de 1950, Capogrossi pasó de la pintura figurativa a la abstracción. En 1951 fundó el Gruppo Origine junto con Ballocco, Colla y Burri. “Su manifiesto abogaba por el rechazo de la figuración tridimensional, el uso del color para un propósito puramente expresivo y el uso de imágenes primitivas, cuyo significado se remonta al nacimiento de los sistemas de escritura y los símbolos”. Pasado este tiempo, Capogrossi compuso sus cuadros a partir de un solo símbolo, una especie de tridente, que se repite en sus lienzos y collages. En la obra de Capogrossi discutió la imposibilidad de la comunicación del artista al espectador, por lo que enfatizó que el artista debe mostrar al espectador lo que desea comunicar.